Przeglądanie dzieł sztuki w cyfrowym królestwie sztuki abstrakcyjnej

Szybki rozwój technologii cyfrowej miał głęboki wpływ na wszystkie aspekty naszego istnienia, a sztuka z trudem mogła uchronić się przed jej zakłócającym wpływem. Dzisiejsza sztuka powstaje za pomocą kliknięcia myszką - lub, co bardziej współczesne, dotknięcia ekranu - podczas gdy oprogramowanie i aplikacje, które pozwalają artystom tworzyć w cyfrowej przestrzeni, mnożą się w eksplozjowym tempie. Dzięki swojej nieprzedstawiającej i niemimetycznej naturze, sztuka abstrakcyjna czerpie największe korzyści z tej niezrównanej transformacji technologicznej. Cyfrowa sztuka abstrakcyjna kwitnie, ponieważ nowe funkcje oprogramowania oferują niezliczone, fascynujące wybory estetyczne - zaledwie kliknięcie stąd. Oprogramowanie jest niewątpliwie centralnym punktem cyfrowej sztuki abstrakcyjnej i pomogło niespotykanie poszerzyć horyzonty kreatywności. Podczas gdy wielu artystów łączy cyfrowe z tradycyjnym malarstwem, rzeźbą czy fotografią, ostatecznie sięgają po oprogramowanie, aby zinterpretować istotę swojej pracy i odkrywać nowe artystyczne granice. Podczas gdy Photoshop, Adobe Illustrator i Corel Painter były szeroko stosowane przez realistycznych i figuratywnych ilustratorów oraz fotografów, wiele z jego filtrów (jak Photoshop Wave) jest znane z tworzenia ogromnej różnorodności wzorów abstrakcyjnych. Jednak wielu uważa, że tylko algorytmy generatywne mogą tworzyć autentyczną (opartą na kodzie) sztukę abstrakcyjną, a rosnąca liczba narzędzi, programów, frameworków i języków jest wykorzystywana, aby dostosować się do tego przekonania. W IdeelArt mamy artystów, którzy opisują swoją pracę jako sztukę nowych mediów i wykorzystują najbardziej różnorodną technologię cyfrową do jej tworzenia. W tym tygodniu z dumą prezentujemy pięć najbardziej fascynujących cyfrowych dzieł sztuki abstrakcyjnej, które możesz dodać do swojej kolekcji.

Luuk de Haan - Straec 26

Część jego serii opartej na wektorach, Straec 26 ucieleśnia pierwotne znaczenie uchwycone w staroangielskim słowie stræc - coś, co jest sztywne po rozciągnięciu - ponieważ jego obrazy wydają się rozciągnięte, ale sztywne. De Haan eksperymentował z ideą wektorów w swojej wcześniejszej serii abstrakcji geometrycznej, ponieważ wektory, jako ilość matematyczna, komunikują trajektorię w kierunku punktu w przestrzeni trójwymiarowej. Jego proces twórczy zaczyna się od wyboru palety kolorów, a następnie użycia oprogramowania do tworzenia prostokątów na powierzchni. Te prostokąty są punktem wyjścia, z którego zagłębia się w generowanie losowych trójkątów i innych kształtów geometrycznych, które przywołują istotę wektorów. Zainspirowany geometryczną pracą abstrakcyjną Malevicha i Mondriana, de Haan trafnie ujawnia swoją minimalistyczną estetykę oraz kompozycję zdefiniowaną przez pewne, geometryczne kształty, wyraźne linie, gładkie powierzchnie, które żywo rezonują z jego słownictwem wizualnym. De Haan jest szeroko uznawany za swoje wyraźne wyrażenie tworzenia kompozycji geometrycznych przy użyciu oprogramowania do obrazowania, które fotografuje bezpośrednio z ekranu. Zmienia warunki fizyczne, w jakich robione jest zdjęcie, podkreślając niepewność i nieprzewidywalny element zaskoczenia, który ujawnia się poprzez interakcję z obrazem cyfrowym. Nowo powstałe obrazy fascynują naturalną i organiczną wizualną elokwencją, a także rygorystycznym graficznym badaniem kształtu, koloru, geometrii i linii. De Haan urodził się w Vlaardingen, w Holandii Południowej, w Niderlandach. Jest artystą wizualnym i projektantem dźwięku. Jego sztuka wizualna opiera się na mediach fotografii, rysunku i narzędzi cyfrowych do tworzenia organicznych, geometrycznych kompozycji abstrakcyjnych.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Sztuka Nowych Mediów. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Część serii Emanations Kane’a, EM-78 Vajra 3, bada światło jako najważniejszy aspekt fotografii. Wizualnie badając niejednoznaczną dualność znaczenia sanskryckiego słowa vajra - mitycznej broni używanej przez boga Indrę, która symbolizuje zarówno właściwości diamentu (niezniszczalność), jak i pioruna (nieodparta siła) - Kane skanuje obraz vajra, rozmywa go do jego najbardziej skończonych możliwości, a następnie rozciąga, aż pozostaje tylko destylowany obraz koloru i formy. Starannie wykorzystuje oprogramowanie komputerowe, aby wyrazić duchowy potencjał światła jako definiującego elementu fotografii. Dla niego jest to punkt wyjścia do większych doświadczeń percepcyjnych, a jego intencją w serii Emanation było przetłumaczenie unikalnego zjawiska duchowego na coś świeckiego, współczesnego i uniwersalnego. Kane jest amerykańskim artystą multimedialnym, którego prace przekraczają granice fotografii, malarstwa i druku, aby zbadać ideę tego, czym jest obraz i czym może być. Mieszka i pracuje w Kalifornii, w pobliżu San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment na płótnie. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Inne dzieło Kane'a, które jest częścią jego najnowszej serii Emanations, EM2020-59, dalej bada cechy światła jako eterycznego elementu, który przenosi materialne właściwości fotografii do sfery metafizycznej/duchowej. Zeskanowany obraz buddyjskiego thangki - malowidła przedstawiającego buddyjskiego bóstwa - jest ponownie rozmyty i rozciągnięty, co skutkuje jedynie destylowanym obrazem koloru i formy. Kane drukuje te zredukowane obrazy na papierze akwarelowym jako elementarne reprezentacje ciał świetlnych Buddów, które udzielają błogosławieństwa tym, którzy je oglądają. Interpretuje te błogosławieństwa jako chwile spokoju i uważności oraz jako inicjowanie tego samego doświadczenia pokoju i spokoju, które widz przeżywa, spotykając sztukę Rothko lub Turrella. Kane był głęboko zainspirowany myślą, że nieożywiony obiekt stworzony przez zastosowanie technologii może udzielić takiego uczucia widzowi.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment na papierze akwarelowym. 50,8 x 50,8 cm.

Jezus Perea - M338

W poszukiwaniu piękna poprzez geometrię, Perea bada racjonalne struktury, które leżą u podstaw nieprzewidywalnej i afektywnej natury inteligencji. Wydrukowany na papierze Hahnemuhle photo rag, M338 uosabia najbardziej unikalną manifestację graficznej abstrakcji Perei. Oscyluje między ilustracją a ekspresjonizmem, syntetyzując świat rozumu i świat emocji w ekspresyjnym i przekonującym dziele cyfrowym. Usytuowany między geometrycznym a biomorficznym, pojawia się matematyczne piękno natury, odsłaniając tajemnice zarówno struktury, jak i ekspresji. Wibracje jego cyfrowo stworzonych prac wywołują poczucie ciągłego ruchu - nawet gdy są ukończone, wydają się być żywe z potencjałem. Celowo poszukuje obrazów, które unoszą się między przeszłością a przyszłością; między architektonicznym a naturalnym światem. W 2018 roku, po trzech latach wyłącznie korzystania z komputera jako narzędzia do kompozycji i tworzenia, poczuł potrzebę ponownego doświadczenia rytmu i rozwoju łączenia manualnych i cyfrowych procesów twórczych, a M338 stanowi przykład jego powrotu do mieszania dwóch sfer w jego niekończącej się pogoni za pięknem i czystą emocją. Perea jest multidyscyplinarnym artystą abstrakcyjnym, który mieszka i pracuje w Madrycie, w Hiszpanii. Wraz z Richardem Caldicottem, Luukiem de Haanem i Pieterem Bijwaardem, Perea jest członkiem współczesnej kolektywu sztuki abstrakcyjnej Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Tworzenie cyfrowe, wydrukowane na Hahnemuhle Photo Rag o gramaturze 308 g. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Najnowsza praca Snella ujawnia rytmiczne, harmonijne struktury wizualne, które przenoszą widza w głębokie otchłanie czystej myśli. Tworzy wizualne sugestie, które przekształcają refleksję w autentyczny stan medytacyjny. Bleed # 202001 ujawnia dynamikę relacji kolorystycznych Snella, która wynika z połączenia architektonicznych aspektów jego kompozycji oraz jego żywych, świetlistych powierzchni. Brak meta-semantyki i reprezentacji wciąga widza w sam środek pierwotnej i tonalnej estetycznej materii. W tym pierwotnym doświadczeniu widz zanurza się w kolorze, rytmie i przestrzeni, które otwierają się na jego/jej interpretacyjną refleksję, tym samym torując drogę do czystej transcendencji. Uchwyca obiekt lub lokalizację tradycyjną kamerą, cyfrowo dekoduje informacje wizualne, redukując i upraszczając kolory i formy, aż te zredukowane elementy rozwijają się w swoje samoreferencyjne relacje. Ten proces rozwijania mapuje niejednoznaczność i stany przejściowe, które są intrinsiczne dla medium. Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, aby badać możliwości abstrakcji i minimalizmu w współczesnej fotografii. Mieszka i pracuje w Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Druk chromogeniczny z zamontowanym na froncie matowym plexi 3mm. 180 x 115 cm.

Obraz wyróżniony: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, widok instalacji.
Przez Jovana Vuković