Przeglądanie dzieł sztuki w cyfrowym królestwie sztuki abstrakcyjnej

Szybki rozwój technologii cyfrowej miał głęboki wpływ na wszystkie aspekty naszego życia, a sztuka nie mogła pozostać odporna na jego przełomowy wpływ. Dzisiejsza sztuka powstaje za pomocą kliknięcia myszką – lub ostatnio dotknięcia ekranu – podczas gdy oprogramowanie i aplikacje umożliwiające artystom tworzenie w cyfrowej przestrzeni mnożą się w zawrotnym tempie. Dzięki swojej niemal całkowicie niereprezentatywnej i niemimetycznej naturze, sztuka abstrakcyjna odniosła największe korzyści z tej bezprecedensowej transformacji technologicznej. Cyfrowa sztuka abstrakcyjna kwitnie, gdy nowe funkcje oprogramowania oferują niezliczone fascynujące estetyczne możliwości – zaledwie kilka kliknięć stąd. Oprogramowanie jest niewątpliwie centralnym punktem cyfrowej sztuki abstrakcyjnej i pomogło bezkonkurencyjnie poszerzyć horyzonty kreatywności. Choć wielu artystów łączy cyfrowe techniki z tradycyjnym malarstwem, rzeźbą czy fotografią, ostatecznie sięgają po oprogramowanie, by uchwycić istotę swojej pracy i odkrywać nowe artystyczne granice. Podczas gdy Photoshop, Adobe Illustrator i Corel Painter były szeroko stosowane przez realistycznych i figuratywnych ilustratorów oraz fotografów, wiele ich filtrów (jak Photoshop Wave) jest znanych z tworzenia ogromnej różnorodności abstrakcyjnych wzorów. Jednak wielu uważa, że tylko generatywne algorytmy mogą stworzyć prawdziwą (opartą na kodzie) sztukę abstrakcyjną, a rosnąca liczba narzędzi, programów, frameworków i języków jest rozwijana, by sprostać temu przekonaniu. W IdeelArt gościmy artystów, którzy opisują swoją twórczość jako sztukę nowych mediów i korzystają z najbardziej różnorodnych technologii cyfrowych, by ją tworzyć. W tym tygodniu z dumą prezentujemy pięć najbardziej fascynujących cyfrowych dzieł sztuki abstrakcyjnej, które możesz dodać do swojej kolekcji.

Luuk de Haan - Straec 26

Część jego serii Straec opartej na wektorach, Straec 26 ucieleśnia pierwotne znaczenie staroangielskiego słowa stræc – coś, co jest sztywne po rozciągnięciu – ponieważ jego obrazy wydają się rozciągnięte, ale sztywne. De Haan eksperymentował z ideą wektorów w swojej poprzedniej serii geometrycznej abstrakcji, ponieważ wektory, jako wielkość matematyczna, przekazują trajektorię w kierunku punktu w przestrzeni trójwymiarowej. Jego proces twórczy zaczyna się od wyboru palety kolorów, a następnie użycia oprogramowania do tworzenia prostokątów na powierzchni. Te prostokąty są punktem wyjścia, z którego zagłębia się w generowanie losowych trójkątów i innych kształtów geometrycznych, przywołujących istotę wektorów. Zainspirowany geometryczną abstrakcją Malevicha i Mondriana, de Haan trafnie ujawnia swoją minimalistyczną estetykę i kompozycję zdefiniowaną przez pewne, geometryczne kształty, wyraźne linie, gładkie powierzchnie, które żywo rezonują z jego wizualnym słownictwem. De Haan jest szeroko ceniony za swój odrębny sposób tworzenia geometrycznych kompozycji za pomocą oprogramowania do obrazowania, które fotografuje bezpośrednio z ekranu. Zmienia warunki fizyczne, w jakich wykonywane jest zdjęcie, podkreślając niepewność i nieprzewidywalny element zaskoczenia, który ujawnia się w interakcji z cyfrowym obrazem. Nowo powstałe obrazy urzekają naturalną i organiczną wizualną wymową oraz rygorystycznym graficznym badaniem kształtu, koloru, geometrii i linii. De Haan urodził się w Vlaardingen, w Holandii Południowej, w Holandii. Jest artystą wizualnym i projektantem dźwięku. Jego sztuka wizualna opiera się na fotografiach, rysunku i narzędziach cyfrowych, tworząc organiczne, geometryczne abstrakcyjne kompozycje.

Luuk De Haan - Straec 26, 2016. Sztuka nowych mediów. 100 x 72,5 cm.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3

Część najnowszej serii Kane zatytułowanej Emanations, EM-78 Vajra 3 bada światło jako najistotniejszy aspekt fotografii. Wizualnie zgłębiając dwuznaczną dwoistość znaczenia sanskryckiego słowa vajra – mitycznej broni używanej przez boga Indrę, symbolizującej zarówno cechy diamentu (niezniszczalność), jak i pioruna (nieodparta siła) – Kane skanuje obraz vajry, rozmywa go do najdrobniejszych możliwości, a następnie rozciąga, aż pozostaje jedynie wyselekcjonowany obraz koloru i formy. Skrupulatnie korzysta z oprogramowania komputerowego, by wyrazić duchowy potencjał światła jako definiującego elementu fotografii. Dla niego jest to punkt wyjścia do większych doświadczeń percepcyjnych, a jego zamiarem w serii Emanations było przetłumaczenie unikalnego zjawiska duchowego na coś świeckiego, współczesnego i uniwersalnego. Kane jest amerykańskim artystą multimedialnym, którego prace przecinają granice fotografii, malarstwa i grafiki, starając się zbadać, czym jest i czym może być obraz. Mieszka i pracuje w Kalifornii, niedaleko San Francisco.

Bill Kane - EM-78 Vajra 3, 2019. Pigment na płótnie. 213,36 x 60,96 x 3,81 cm.

Bill Kane - EM2020-59

Kolejne dzieło Kane’a z najnowszej serii Emanations, EM2020-59, dalej bada właściwości światła jako eterycznego elementu, który przenosi materialne cechy fotografii do sfery metafizycznej/duchowej. Zeskanowany obraz buddyjskiej thanki – malowidła przedstawiającego buddyjską bóstwo – jest ponownie rozmywany i rozciągany, co skutkuje jedynie wyselekcjonowanym obrazem koloru i formy. Kane drukuje te zredukowane obrazy na papierze akwarelowym jako elementarne przedstawienia świetlistych ciał Buddów, które obdarzają błogosławieństwem tych, którzy je oglądają. Interpretując te błogosławieństwa jako chwile spokoju i uważności, Kane pragnie wywołać to samo doświadczenie pokoju i ukojenia, które widz przeżywa, spotykając się ze sztuką Rothko czy Turrella. Kane był głęboko zainspirowany ideą, że nieożywiony przedmiot stworzony za pomocą technologii może wywołać u widza takie uczucie.

Bill Kane - EM2020-59, 2019. Pigment na papierze akwarelowym. 50,8 x 50,8 cm.

Jesús Perea - M338

W poszukiwaniu piękna przez geometrię, Perea bada racjonalną strukturę/struktury, które leżą u podstaw nieprzewidywalnej i emocjonalnej natury inteligencji. Wydrukowany na papierze fotograficznym Hahnemuhle Photo Rag, M338 jest ucieleśnieniem najbardziej unikalnej manifestacji graficznej abstrakcji Perey. Oscyluje między ilustracją a ekspresjonizmem, łącząc świat rozumu i świat emocji w ekspresyjnym i przekonującym cyfrowym dziele. Położony między geometrycznym a biomorficznym, wyłania się matematyczne piękno natury, odsłaniając tajemnice zarówno struktury, jak i wyrazu. Żywiołowość jego cyfrowo stworzonych prac wywołuje poczucie ciągłego ruchu – nawet po ukończeniu wydają się żywe z potencjałem. Świadomie poszukuje obrazów zawieszonych między przeszłością a przyszłością; między światem architektonicznym a naturalnym. W 2018 roku, po trzech latach korzystania wyłącznie z komputera jako narzędzia do kompozycji i tworzenia, poczuł potrzebę ponownego doświadczenia rytmu i rozwoju łączenia procesów manualnych i cyfrowych, a M338 jest przykładem jego powrotu do mieszania tych dwóch światów w nieustannym dążeniu do piękna i czystej emocji. Perea jest multidyscyplinarnym artystą abstrakcyjnym mieszkającym i pracującym w Madrycie, Hiszpania. Razem z Richardem Caldicottem, Luukiem de Haanem i Pieterem Bijwaardem, Perea jest członkiem współczesnego kolektywu sztuki abstrakcyjnej Mother Universe.

Jesús Perea - M338, 2018. Cyfrowe dzieło, wydrukowane na papierze Hahnemuhle Photo Rag o gramaturze 308 g. 100 x 70 cm.

Paul Snell - Bleed # 202001

Najnowsze dzieło Snella ukazuje rytmiczne, harmonijne struktury wizualne, które przenoszą widza w głębię czystej myśli. Tworzy wizualne sugestie, które przekładają refleksję na autentycznie medytacyjny stan. Bleed # 202001 ukazuje dynamikę relacji kolorystycznych Snella, wynikającą z połączenia architektonicznych aspektów jego kompozycji i jego żywych, świetlistych powierzchni. Brak meta-semantyki i reprezentacji wciąga widza w sam środek pierwotnej i tonalnej materii estetycznej. W tym pierwotnym doświadczeniu widz zanurza się w kolorze, rytmie i przestrzeni, które otwierają drogę do interpretacyjnej refleksji, oczyszczając ścieżkę do czystej transcendencji. Uchwyca obiekt lub miejsce tradycyjnym aparatem, cyfrowo dekoduje informacje wizualne, redukując i upraszczając kolory i formy, aż te zredukowane elementy rozwijają się w ich samoodniesione relacje. Ten proces rozwijania mapuje niejednoznaczność i przejściowe stany właściwe medium. Snell łączy tradycyjne i cyfrowe techniki, by badać możliwości abstrakcji i minimalizmu we współczesnych mediach fotograficznych. Mieszka i pracuje w Launceston, Tasmania.

Paul Snell - Bleed # 202001, 2020. Chromogeniczny wydruk na matowym pleksiglasie o grubości 3 mm. 180 x 115 cm.

Zdjęcie główne: Paul Snell - Bleed # 202001, 2020, widok instalacji.
Fot. Jovana Vuković