Kubizm Sonii Delaunay i eksploracja koloru

O wielu rzeczach można było pisać, i napisano, na temat zawodowych osiągnięć Soni Delaunay. Była jedną z najbardziej wpływowych artystek XX wieku. W swoich dwudziestych latach wizjonerskie podejście do abstrakcji uczyniło ją jedną z pierwszych artystek modernistycznych. W trzydziestce przekształciła swoją pracownię w ucieleśnienie Gesamtkunstwerk, czyli dzieła sztuki totalnej, demonstrując ideał Bauhausu na dwa lata przed powstaniem samego Bauhausu. Stworzyła unikalny i wpływowy zbiór obrazów przez całe swoje życie, pracując nieprzerwanie aż do niedługo przed śmiercią w wieku 94 lat. Oprócz malarstwa działała także w modzie, teatrze, filmie, wydawnictwach oraz angażowała się w różnorodne działania projektowe. W wieku 79 lat została drugą żyjącą artystką, która miała retrospektywną wystawę w Luwrze, a pierwszą kobietą, która osiągnęła ten kamień milowy. Można nawet łatwo argumentować, że Sonia Delaunay była pierwszą artystką, która skutecznie przekształciła swoją osobowość w markę, w współczesnym rozumieniu tego słowa. Jednak skupianie się wyłącznie na tych zewnętrznych osiągnięciach sugerowałoby, że to był jej cel od samego początku. Tymczasem Delaunay nie miała takich zamiarów. Jej jedynymi celami było szczere badanie koloru, formy i kompozycji oraz ukazanie światu poprzez swoją sztukę nieznanej istoty tego, czego szukała w sobie.

Stawanie się Sonią Delaunay

Historia wczesnego życia Soni Delaunay może przemówić do każdego rodzica. Jak łatwo jest stworzyć lub przegapić okazję i jak najmniejsza zmiana okoliczności może głęboko wpłynąć na szanse dziecka na sukces. Sonia Delaunay urodziła się jako Sarah Ilinitchna Stern w rodzinie robotniczej na terenie dzisiejszej Ukrainy. Jej możliwości w rodzinnym mieście były bardzo ograniczone, ale miała bogatego wujka i ciotkę w Petersburgu, Henriego i Annę Terk. Terkowie nie mogli mieć własnych dzieci i poprosili o adopcję Sarah od jej zmagających się rodziców. Matka początkowo się sprzeciwiała. Jednak gdy Sarah miała pięć lat, matka w końcu ustąpiła i pozwoliła jej na stałe przeprowadzić się do Petersburga, by mieszkać z wujkiem i ciotką.

Po przybyciu do Petersburga Sarah zmieniła imię na Sonia Terk. Razem z nowym imieniem przyszły nowe doświadczenia i znacznie szersze możliwości. Życie z ciotką i wujkiem obejmowało podróże po świecie, najlepsze wykształcenie oraz regularne wizyty w muzeach i bibliotekach. Mogła przeglądać książki o sztuce w domu i uczestniczyć w intelektualnych dyskusjach na różne tematy. W wieku 16 lat rozwinęła zainteresowanie zostaniem artystką. Terkowie wspierali jej zainteresowania i w wieku 18 lat wysłali ją do Niemiec na studia artystyczne. Dwa lata później, w 1905 roku, przeprowadziła się ponownie, tym razem do Paryża, centrum awangardowej sztuki w Europie.

Książka poety modernistycznego Blaise’a Cendrarsa, oprawiona i zilustrowana przez Sonię Delaunay w 1913 roku

Odkrywanie koloru

W Paryżu Sonia Delaunay kontynuowała naukę sztuki w szkole, ale doświadczenia z nauczycielami były dla niej zbyt akademickie i formalne. Znajdowała znacznie więcej inspiracji w galeriach, które prezentowały prace eksperymentalnych europejskich artystów, takich jak postimpresjoniści. Przybyła do Paryża w idealnym czasie. Znalazła się w sercu awangardowej społeczności u progu kubizmu, gdy geometryczne płaszczyzny zaczęto stosować, by oddać czterowymiarową rzeczywistość. Była tam, gdy manifest futuryzmu po raz pierwszy ukazał się w francuskich gazetach, wprowadzając ideę ruchu na czoło artystycznej dyskusji. Fauwiści, którzy byli u szczytu wpływów, gdy przybyła do miasta, głęboko ją zainspirowali. Była poruszona tym, jak jej oczy postrzegały, a emocje odczuwały relacje między ich jaskrawymi i świetlistymi kolorami.

Wczesne obrazy Soni Delaunay powstałe po przybyciu do Paryża eksplorowały wiele idei tych ruchów w sposób figuratywny. Ale ona szukała czegoś innego. Konkretnie chciała znaleźć sposób na badanie koloru jako wartości samej w sobie. Chciała też być intuicyjna i wolna. Niewiele ją interesowały akademickie teorie wymieniane przez jej współczesnych, które uważała za „zbyt wyrafinowane. Jestem bliżej natury i życia,” wyjaśniła kiedyś pod koniec życia. „Szukając czegoś w sobie, stopniowo doszłam do malarstwa abstrakcyjnego.”

Sonia Delaunay - Żółty akt, 1908. Musée des Beaux-Arts de Nantes, Nantes. © Pracusa 2014083

Odnalezienie abstrakcji

Przełom, który ostatecznie skłonił Sonię Delaunay do pełnego przyjęcia malarstwa nieprzedmiotowego, nastąpił w najbardziej nieoczekiwany sposób. Podobnie jak jej wyjazd z rodzinnego miasta do Petersburga, wynikł z odważnego wyboru, by stworzyć własny los. Po przybyciu do Paryża zaprzyjaźniła się z właścicielem galerii i pisarzem Wilhelmem Uhde, który prezentował czołowych artystów awangardy. Ona i on byli, jak mówiła, „obydwoje szukaliśmy czegoś abstrakcyjnego.” Pobrali się, nie z powodu romantycznego uczucia, lecz dlatego, że układ ten przynosił praktyczne korzyści dla obojga. Dla Soni oznaczało to uwolnienie się od presji ze strony matki, by porzuciła karierę artystyczną.

Pewnej nocy w galerii, niecały rok później, Sonia poznała pełnego opinii i pasji młodego artystę Roberta Delaunay. Natychmiast nawiązali więź i zakochali się. Sonia poprosiła Uhde o rozwód, który ten przychylnie przyjął, a następnego roku wyszła za Roberta. Gdy urodziło im się pierwsze dziecko, Sonia własnoręcznie uszyła dla niego kołderkę, stosując techniki oparte na rosyjskich tradycjach ludowych z jej rodzinnego kraju. Gdy kołderka była gotowa, zobaczyła w niej inspirację, której szukała. Kształty przypominały jej kubistyczne płaszczyzny, ale relacje kolorów między formami ożywiały całą kompozycję. Ta kołderka, którą Sonia Delaunay stworzyła instynktownie dla swojego dziecka, stała się podstawą całej jej przyszłej abstrakcyjnej twórczości.

Kołderka, którą Sonia Delaunay uszyła dla swojego dziecka w 1911 roku, obecnie część kolekcji Narodowego Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Paryżu, Francja

Orficzny kubizm

Wieczorami w Paryżu Sonia Delaunay i jej mąż Robert Delaunay spacerowali razem po mieście i rozmawiali o sztuce. Podczas spacerów zachwycali się elektrycznym oświetleniem, które dopiero zaczynało być instalowane. Dyskutowali o tym, jak kolory miasta zmieniają się pod wpływem sztucznego światła i cieszyli się formami oraz wzorami, które światło tworzyło. Po powrocie do domu każdy z nich starał się uchwycić na płótnie swoje doświadczenia, używając języka abstrakcyjnego koloru i formy, inspirowanego kołderką, którą Sonia uszyła.

Swoje unikalne podejście wizualne nazwali simultanéisme. Słowo to odnosiło się do relacji między kolorami i formami oraz jednoczesnego istnienia wielu rzeczywistości w ich kompozycjach. Gdy Sonia i Robert wystawiali te obrazy, ich przyjaciel, krytyk sztuki Guillaume Apollinaire, nazwał ich nowy styl Orficznym kubizmem, czyli orfizmem. Choć odniesienie nigdy nie zostało dokładnie wyjaśnione, termin ten wiąże się z mitycznym greckim muzykiem i poetą Orfeuszem, którego legendarna muzyka miała moc oczarowywania wszystkich stworzeń i rzeczy.

Sonia Delaunay - Rythme, 1938. Olej na płótnie. 182 x 149 cm. Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż, Francja

Poetyka kolorów

Chociaż odniesienie do Orfeusza wydaje się odpowiednie dla twórczości Soni Delaunay, porównanie do kubizmu jest nietrafne. Kubizm był tak samo akademicki, jak estetyczny. Podczas gdy Robert Delaunay był zapalonym teoretykiem i analitykiem, Sonia wolała pracować intuicyjnie, kładąc nacisk na eksplorację i eksperymentowanie. O tym rozdźwięku powiedziała kiedyś: „On mówił, a ja rozumiałam.” Mimo że Sonia używała języka form podobnego do kubistów, nie łączyły ich wspólne cele intelektualne. Jej formy były jedynie nośnikami koloru. „Jeśli pojawiają się formy geometryczne,” wyjaśniła kiedyś podczas wykładu na Sorbonie, „to dlatego, że te proste i łatwe do opanowania elementy okazały się odpowiednie do rozłożenia kolorów, których relacje stanowią prawdziwy przedmiot naszych poszukiwań.”

Sonia często porównywała malarstwo do poezji. Postrzegała siebie jako poszukiwaczkę kombinacji kolorów, które mogłyby wywołać wiele możliwych interpretacji i tworzyć jednoczesne znaczenia. Naturalne było dla niej rozszerzenie działalności artystycznej na świat wzornictwa, ponieważ, jak to odczuwała, nie było rozdziału między sztuką a życiem. Niezależnie od tego, czy jej kompozycje znajdowały się na boku samochodu, futrze, kostiumie teatralnym czy na powierzchni płótna, nie widziała różnicy. Wierzyła, że „kolory są słowami, ich relacje rytmami,” i że w jakiejkolwiek formie je połączy, stają się dzięki jej wysiłkowi „ukończonym poematem.”

Sonia Delaunay - Grande Helice Rouge, ok. 1970. Litografia. 72,5 x 88,5 cm (28,5 x 34,8 cala)

Zdjęcie główne: Sonia Delaunay - Syncopowany rytm, zwany Czarnym Wężem (szczegół), 1967
Wszystkie obrazy użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio