Dan Flavin i abstrakcyjne instalacje świetlne

Atmosfera duchowości często towarzyszy sztuce abstrakcyjnej. Mistycyzm kwitnie tam, gdzie piękno jest obfite, a znaczenie niejednoznaczne. Jednak niektórzy artyści abstrakcyjni zaprzeczają, że ich prace zawierają głębię, transcendentne cechy czy jakiekolwiek znaczenie poza estetycznymi formalnościami. Dan Flavin jest kwintesencją tego zjawiska. Jeden z najbardziej wpływowych artystów XX wieku, Flavin przełamał nowe granice w użyciu światła w sztuce modernistycznej. Jego prace są piękne i bezprecedensowe, co czyni je podatnymi na kreatywną interpretację. Ich eteryczna natura, świecąca luminescencja, a nawet ich tytuły zapraszają do skojarzeń z sacrum. Jednak Flavin utrzymywał, że takie skojarzenia nie mają sensu. Twierdząc, że jego sztuka składa się jedynie ze światła oświetlającego architekturę, Flavin powiedział: "Można nie myśleć o świetle jako o faktach, ale ja tak myślę. I jest to, jak powiedziałem, tak prosta, otwarta i bezpośrednia sztuka, jaką kiedykolwiek znajdziesz."

Ikoniczny czy ironiczny

Flavin dorastał w irlandzko-katolickim domu w Queens w Nowym Jorku. Jako nastolatek studiował, aby zostać księdzem. Jednak nieporuszony myślą o życiu w kościele, w wieku 19 lat wstąpił do wojska z bratem. Podczas swojej służby w Korei zaczął poważnie studiować sztukę, a po zakończeniu służby wrócił do Nowego Jorku, gdzie kontynuował naukę sztuki i pracował dorywczo w muzeach. W 1961 roku, po eksperymentowaniu z różnymi stylami malarstwa i kolażu, stworzył swoje pierwsze prace oparte na świetle, serię malowanych pudełek, które wisiały na ścianie i były podłączone do żarówek. Nazwał te prace „ikonami.”

Słowo ikona odnosiło się do świetlistych, świętych obrazów tworzonych przez rosyjskich malarzy prawosławnych w czasach bizantyjskich. Połączenie tego z jego własną historią wychowania w katolickiej rodzinie oraz pięcioletnim okresem nauki, aby zostać kapłanem, sprawia, że użycie przez Flavina słowa ikona w odniesieniu do tych obiektów może łatwo sugerować duchowe intencje. Tyle że bizantyjskie malowidła ikonowe były starannie wykonane zgodnie z rygorystycznymi standardami estetycznymi. Wykorzystywały drogie i rzadkie medium, aby osiągnąć swój świetlisty efekt, a ich celem było ozdobienie wnętrz wspaniałych, świętych przestrzeni zbudowanych, aby oddać cześć boskości. Ikony Flavina były puste, minimalistyczne obiekty zbudowane z tanich materiałów. Wykorzystywały masowo produkowane światło, aby osiągnąć swoją luminescencję i były, według Flavina, „skonstruowanymi koncentracjami celebrującymi jałowe pomieszczenia.” Były w każdym sensie przeciwieństwem swoich historycznych odpowiedników. Czy więc były ikoniczne, czy Flavin był ironiczny?

Dan Flavin - Bez tytułu (dla Véronique), 1987. Czerwone, żółte, niebieskie i zielone światło fluorescencyjne. 96 in; 243,8 cm. Waddington Custot, Londyn

Pomniki Światła

Dwa lata po stworzeniu swojego pierwszego ikony, Flavin doświadczył przełomu. Podjął decyzję o eliminacji malowanych pudełek, rezygnując z użycia jakichkolwiek drugorzędnych estetycznych wsparć i decydując się na bezpośrednie przymocowanie swoich świateł do ściany. Używając nieco zmodyfikowanych, kupionych w sklepie świetlówek jako obiektów sztuki, związał się z ruchami takimi jak Arte Povera i Dadaizm, ze względu na ich wykorzystanie codziennych materiałów i gotowych obiektów, oraz Minimalizm, z powodu polegania na materiałach i procesach przemysłowych. Flavin poświęcił swoją pierwszą pracę w tym nowym stylu artyście Constantinowi Brancusi, którego rzeźba Endless Column wpłynęła na jego myślenie.

Ograniczając się do surowej palety kolorów i niewielkiego zakresu rozmiarów żarówek, Flavin rozpoczął płodną eksplorację możliwości, jakie oferował jego nowy styl. Stworzył 50 piramidalnych „Pomników” dedykowanych rosyjskiemu artyście konstruktywistycznemu Włodzimierz Tatlin, a także stworzył setki beztytułowych kompozycji fluorescencyjnych dedykowanych innym artystom, którzy na niego wpłynęli, takim jak Aleksander Calder, Robert Ryman i Jasper Johns. To, co było niezwykłe, to fakt, że te kompozycje nie tylko pełniły funkcję estetycznych obiektów, ale także zmieniały postrzeganie przestrzeni, w której były wystawiane.

Dan Flavin - "Monument" 1 dla V. Tatlina, 1964. Rury świetlne fluorescencyjne (zimna biel). 96 1/10 × 23 1/5 cali; 244 × 59 cm. Wystawa "Czarny Słońce" w Fondation Beyeler, Riehen

Rogi, Bariery i Korytarze

W miarę jak zainteresowanie pracą Flavina rosło, zyskał dostęp do coraz szerszej gamy przestrzeni architektonicznych, w których mógł wystawiać swoje prace. Wykorzystał ten rozwój, aby głębiej zbadać, w jaki sposób jego kompozycje świetlne mogą wpływać na charakter przestrzeni architektonicznej. Sklasyfikował swoje różne pomysły według przestrzeni, które zamieszkiwały, używając nazw takich jak „kąty”, „barierki” i „korytarze”. Jego „kąty” zamieszkiwały przestrzeń architektoniczną kąta, tworząc albo zjawisko estetyczne w samym kącie, albo wykorzystując kąt jako punkt wyjścia, z którego można wpłynąć na resztę przestrzeni. Jego „barierki” tworzyły sztuczne podziały w przestrzeni, sprawiając, że światło działało zarówno jako punkt centralny, jak i zakłócacz doświadczenia widza.

"Korytarze" Flavina wykorzystywały światło do zmiany estetycznego doświadczenia korytarzy. W niektórych przypadkach zniekształcały sposób postrzegania korytarzy. W innych przypadkach korytarz wydawał się działać jako przestrzeń wystawowa dla kompozycji świateł. A w niektórych okolicznościach światła wydawały się po prostu podkreślać estetyczne piękno przestrzeni.

Dan Flavin - bez tytułu (na cześć Leo z okazji 30. rocznicy jego galerii), 1987. Czerwone, różowe, żółte, niebieskie i zielone światło fluorescencyjne. 96 × 96 cali; 243,8 × 243,8 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Sytuacje i Propozycje

Ambiwalencja dzieł Flavina skłoniła go do zaprzestania nazywania ich dziełami sztuki. Był świadomy, że jego kompozycje świetlne stanowiły tylko jedną część doświadczenia, jakie widzowie mogli mieć w obecności dzieła. Całość doświadczenia widza była znacznie większa, niż nawet on mógł przewidzieć. Dlatego zaczął nazywać swoje kreacje "sytuacjami" i "propozycjami", sugerując, że stanowią one tylko początek trwającego procesu estetycznego.

Niektóre „sytuacje” zamieszkiwały miejsca sakralne, takie jak kościoły. Inne zamieszkiwały przestrzenie przemysłowe. Jeszcze inne zamieszkiwały tradycyjne środowiska artystyczne, takie jak muzeum. Pełne doświadczenie Sytuacji Flavina zależy od światła, architektury, warunków atmosferycznych, a także od wszelkich osobistych czynników, które widz wnosi do środowiska na podstawie swojego wcześniejszego związku z danym typem przestrzeni.

Dan Flavin - Przekątna 25 maja 1963, 1963. Niebieskie światło fluorescencyjne. 96 in; 243,8 cm. Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Świecące światła

Jak więc kontekstualizujemy pracę Flavina? Czy jej abstrakcyjne cechy zawierają głębsze, ukryte znaczenie poza jej formalnymi właściwościami? To zależy, kogo zapytasz. Ponieważ instalacje świetlne Flavina tak pięknie integrują się w przestrzeniach, które zajmują, naturalne jest, że widzowie reagują emocjonalnie, gdy się z nimi stykają. Dla większości z nas przez większość czasu pokój to po prostu użytkowa przestrzeń, oświetlona nie dla przyjemności, ale dla funkcjonalności. Kiedy ktoś oświetla przestrzeń dla piękna, a nie dla biznesu, nazywamy to oświetleniem nastrojowym, ze względu na żywe reakcje emocjonalne, które zazwyczaj wywołuje.

Ale w odniesieniu do jego własnej insystencji na brak głębszego znaczenia jego dzieł, Flavin słynnie ukuł wyrażenie „Tak jest, jak jest”, kontynuując: „i nie jest niczym innym... Wszystko jest wyraźnie, otwarcie, jasno przekazane.” Niemniej jednak, jak dzieci używające śrubokrętu zamiast zamierzonego młotka do wbicia gwoździa, wciąż jesteśmy kuszeni, by re-kontekstualizować sztukę Flavina dla naszych własnych celów. Może to odzwierciedla poczucie uprawnienia. Uważamy to za nasze suwerenne prawo do obiektywizacji dzieła sztuki w dowolny sposób, który nam odpowiada, niezależnie od intencji artysty. A może powinniśmy to po prostu nazwać Wzrokiem Interpretatora: darem, który my, widzowie sztuki, nadajemy sobie, co pozwala wartości kombinacji dzieła sztuki i nas samych sumować się do więcej niż suma jego indywidualnych części.

Obraz wyróżniony: Dan Flavin - Przekątna 25 maja 1963 (do Constantina Brâncuși), 1963
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio