Artyści zewnętrzni, których prace są postrzegane jako abstrakcyjne

Sztuka outsiderów to ogólne określenie opisujące artystów działających poza formalnym światem sztuki. Artyści outsiderzy zazwyczaj są samoukami. Czasem pracują w tradycjach ludowych. Innym razem są instytucjonalizowani, albo dlatego, że popełnili czyny karalne, albo dlatego, że zmagają się z pewnymi stanami psychicznymi, które czynią ich bardzo wrażliwymi lub potencjalnie niebezpiecznymi. Poza surowością estetyczną, to co zwykle fascynuje w sztuce outsiderów, to niejasny lub nieznany zamiar artystów. Formalnie wykształceni artyści, czy to dla kariery, czy dla hobby, niemal zawsze potrafią, a czasem nawet chcą, mówić o swojej sztuce, wyjaśniać swoje intencje i uzasadniać je przed tymi, którzy nie rozumieją. Ale artyści outsiderzy nie szukają uznania i niemal nigdy nie oferują uzasadnienia. Tworzą sztukę z własnych powodów, które zazwyczaj nie mają nic wspólnego z resztą z nas. Czy pamiętasz, kiedy po raz pierwszy stworzyłeś sztukę? Dlaczego to zrobiłeś? Czy to był instynkt? Czy szukałeś czegoś, na przykład piękna? A może po prostu się bawiłeś? Ten najwcześniejszy impuls artystyczny — niepowstrzymana, niewinna iskra twórczości, która popycha nas do wyrażenia czegoś wizualnego — to właśnie często widzimy w sztuce outsiderów. Na cześć bogatej historii sztuki outsiderów, dziś przedstawiamy sześciu abstrakcyjnych artystów outsiderów. Ich intencje mogą być niejasne, a znaczenie ich dzieł może nigdy nie zostać uzgodnione. Ale w ich estetycznych dziełach widzimy coś intuicyjnego i czystego, co jest podstawą funkcji abstrakcji w sztuce.

Anna Zemánková

Tragedia, duchowość i piękno natury kształtowały twórczość Anny Zemánkovej. Urodzona w 1908 roku na Morawach, w dzisiejszej Republice Czeskiej, nauczyła się malować pejzaże samodzielnie w wieku dwudziestu lat. Jednak dopiero w wieku pięćdziesięciu lat, po pogrążeniu się w głębokiej depresji spowodowanej kilkoma przeprowadzkami i śmiercią jednego z jej dzieci, powróciła do sztuki. Podczas malowania wierzyła, że jest połączona z siłami duchowymi i kanałuje magnetyczną energię, której nie da się przedstawić obiektywnie. Aby wyrazić siły, z którymi się łączyła, malowała abstrakcyjne kompozycje luźno inspirowane wzorami, kształtami i kolorami, które dostrzegała w naturze, szczególnie w kwiatach. Jej obrazy są tym, z czego jest najbardziej znana, ale oprócz obrazów tworzyła także misternie zdobione abażury, nakłuwając w nich dziurki, by tworzyć abstrakcyjne wzory światła.

Anna Zemánková - Bez tytułu, lata 80., satynowa kolaż i techniki mieszane na papierze (po lewej) oraz Bez tytułu, pastel na papierze, lata 70. (po prawej)

Pascal Tassini

Belgijski artysta Pascal Tassini odkrył swoją pasję do tworzenia sztuki późno w życiu. Nie mogąc w pełni o siebie zadbać z powodu wieloletniego obsesyjnego schorzenia, mieszkał z rodzicami jako dorosły, aż do ich śmierci. Następnie jeden z jego braci przejął opiekę nad nim i wprowadził go do warsztatu Créahm w Liège w Belgii. Na początku Pascal zadowalał się sprzątaniem i organizowaniem centrum, ale wkrótce zainspirował się do tworzenia sztuki. Najpierw malował i rysował, a potem zaczął tworzyć złożone obiekty z tkanin. Często otulał różne znalezione przedmioty lub te, które otrzymał w prezencie. Używając techniki wymyślonej przez siebie, zbudował nawet namiot-studio, w którym pracuje. Odwiedzający, którzy chcą go zobaczyć, muszą najpierw pozwolić mu założyć fartuch laboratoryjny i zmierzyć puls, uzdrawiając ich z dolegliwości, zanim wejdą do jego pracowni.

Pascal Tassini - Bez tytułu, kompozycje z tkanin

Pascal Tassini - Bez tytułu, kompozycje z tkanin

Eugene Andolsek

Jak wielu outsiderów, Eugene Andolsek nigdy nie uważał się za artystę. Rysował długopisami na papierze milimetrowym dla relaksu przy kuchennym stole, jako odskocznię od codzienności. Przez dziesięciolecia zbierał swoje spektakularne geometryczne rysunki w kuferku, pracując jako stenograf kolejowy i opiekując się chorą matką. Po przejściu na emeryturę i śmierci matki, ostatecznie stracił wzrok i musiał zamieszkać w ośrodku opieki. Tam pracownik odkrył jego dzieła i rozpoznał ich wyjątkowość. W 2005 roku, w wieku 84 lat, trzy lata przed śmiercią, Eugene po raz pierwszy zobaczył swoje prace wystawione w American Folk Art Museum. Był zaskoczony pozytywnym odbiorem swoich obrazów, wcześniej uważając je co najwyżej za przydatne jako kolorowe podkładki pod talerze.

Eugene Andolsek - Dwa bez tytułu geometryczne abstrakcyjne rysunki tuszem na papierze milimetrowym

Judith Scott

Abstrakcyjne rzeźby Judith Scott oferują poruszająco silne wyrażenie człowieczeństwa tej artystki outsiderki. Urodzona głucha, niema i z zespołem Downa, spędziła prawie całe pierwsze cztery dekady życia w opłakanych warunkach w różnych instytucjach. Wreszcie w 1986 roku, w wieku 44 lat, jej bliźniacza siostra przejęła opiekę nad Judith i zabrała ją do domu w Oakland w Kalifornii. Tam Judith mogła zapisać się na zajęcia w Creative Growth Art Center. To właśnie tam po raz pierwszy zaczęła tworzyć sztukę. Zbierała różne przedmioty, owijając je w misterną sieć włókien, aż ich forma stała się nieczytelna. Powstałe rzeźby czasem odzwierciedlają, a czasem nie, formę przedmiotu, od którego zaczęła. Choć przypominają kokon, trafniej jest powiedzieć, że przeszły odwrotny, choć równie przemieniający proces. To tak, jakby przez zakrycie ich istotna obecność została ujawniona.

Abstrakcja owinięta włóknami autorstwa Judith Scott (po lewej) oraz Judith Scott z jedną ze swoich prac (po prawej)

Tetsuaki Hotta

Japoński artysta Tetsuaki Hotta został instytucjonalizowany w wieku 19 lat z powodu opisywanego jako upośledzenie umysłowe. Jednak gdy zaczął uczęszczać na zajęcia artystyczne w instytucji, w której mieszkał, szybko okazało się, że jego zdolność do zaawansowanego abstrakcyjnego myślenia jest nienaruszona. Od 1970 roku Hotta maluje wyłącznie abstrakcyjne geometryczne kompozycje przypominające domy. Nie interesują go formy obecne w jego pracach. Używa kompozycji wyłącznie jako badań koloru i przestrzeni na płaskiej powierzchni. Widziane razem, te ekspresyjne, intuicyjne obrazy są odpowiednikiem sztuki outsiderów dla dzieł niemiecko-amerykańskiego artysty i nauczyciela Josefa Albersa, który całe życie badał kolor w swojej serii Hołd dla kwadratu.

Tetsuaki Hotta - dzieło

Dan Miller

Rodowity Kalifornijczyk Dan Miller wychował się po drugiej stronie Zatoki od San Francisco, w mieście Castro Valley. Urodzony jako osoba autystyczna, podobnie jak Judith Scott, odnalazł swoje artystyczne powołanie w Creative Growth Art Center w Oakland. Dan Miller skupia się na tekście, używając go nie tyle jako wyrazistej jednostki samej w sobie, ile jako estetycznego medium, przez które można tworzyć znaczenie kompozycyjne i estetyczne. Jego kompozycje wywołały porównania do dzieł abstrakcyjnego artysty Cy Twombly’ego, który również wykorzystywał formy glificzne i oszczędne palety kolorów w swoich obrazach. Jednak w przeciwieństwie do Twombly’ego, Miller czerpie z rzeczywistego tekstu, pochodzącego z jego wewnętrznego świata, a następnie nakłada go warstwami aż do momentu, gdy staje się nieczytelny. Jego prace zostały szeroko docenione i znajdują się nawet w nowojorskim MoMA.

Dan Miller - Bez tytułu, UD, akryl, marker na papierze, 57 x 76 cali

Dan Miller - Bez tytułu (biały na czarnym), 2013, akryl i tusz na papierze, 56 x 76 cali

Podstawowe instynkty

Podczas naszych badań do tego artykułu natknęliśmy się na fascynującą historię brytyjskiego zoologa Desmonda Morrisa. Oprócz pracy naukowej, Morris był outsiderem surrealistą. Pokazywał swoją sztukę w Londynie pod koniec lat 40. i na początku 50. XX wieku. Jednak jego największy wkład w sztukę ujawnił się, gdy w 1957 roku wystawił abstrakcyjne obrazy jednego ze swoich współpracowników z pracy: szympansa o imieniu Congo. Pomysł abstrakcyjnej sztuki stworzonej przez szympansa może brzmieć śmiesznie, a nawet obraźliwie. Jednak niektórzy z najsłynniejszych artystów świata szukali Desmonda Morrisa, by zdobyć obrazy Congo. Salvador Dali i Pablo Picasso mieli po jednym, a Joan Miro nawet wymienił jedno ze swoich dzieł na obraz Congo.

Dali, Picasso i Miro zrozumieli, że ludzie dzielą pierwotny, abstrakcyjny zmysł estetyczny z innymi zwierzętami. Akt twórczy jest naszym uniwersalnym dziedzictwem jako mieszkańców tej planety. Wiele różnych zwierząt czerpie radość z eksploracji wzoru, kształtu, linii, koloru, faktury i kompozycji. Dali posunął się nawet do stwierdzenia, że szympans malował jak człowiek, a Jackson Pollock malował jak zwierzę. Być może to wyjaśnia, dlaczego tak bardzo cieszymy się z dzieł samouków i innych twórców outsiderów. Reprezentują naszą nadzieję, że jest w nas coś czystego, surowego, pierwotnego, istotnego i uniwersalnego, co można wyrazić, a być może zrozumieć, przez sztukę.

Zdjęcie główne: Judith Scott - jedna z jej abstrakcji owiniętych włóknami
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio