Artyści zewnętrzni, których prace są postrzegane jako abstrakcyjne

Sztuka outsiderów to termin obejmujący artystów działających poza formalnym światem sztuki. Artyści outsiderzy zazwyczaj są samoukami. Czasami pracują w tradycjach ludowych. Innym razem są instytucjonalizowani, albo dlatego, że popełnili przestępstwa, albo dlatego, że zmagają się z pewnymi rzeczywistościami psychicznymi, które czynią ich poważnie wrażliwymi lub potencjalnie niebezpiecznymi. Oprócz estetycznej surowości, fascynujące w sztuce outsiderów jest niejednoznaczne lub nieznane zamierzenie artystów. Artyści formalnie wykształceni, niezależnie od tego, czy traktują to jako karierę, czy tylko hobby, prawie zawsze potrafią, a czasem nawet chcą, rozmawiać o swojej sztuce, wyjaśniać swoje intencje i uzasadniać ją tym, którzy nie rozumieją. Ale artyści outsiderzy nie szukają żadnej walidacji i prawie zawsze nie oferują żadnego uzasadnienia. Tworzą sztukę z własnych powodów, które zazwyczaj nie mają nic wspólnego z resztą z nas. Czy pamiętasz pierwszy raz, kiedy stworzyłeś sztukę? Dlaczego to zrobiłeś? Czy to był instynkt? Czy szukałeś czegoś, jak piękno? A może po prostu się bawiłeś? Ten najwcześniejszy artystyczny impuls—niepowstrzymany, niewinny iskra kreatywności, która popycha nas do manifestowania czegoś wizualnego—właśnie to tak często widzimy w sztuce outsiderów. W hołdzie bogatej historii sztuki outsiderów, dzisiaj przedstawiamy sześciu abstrakcyjnych artystów outsiderów. Ich intencje mogą nie być jasne, a znaczenie ich pracy może nigdy nie zostać uzgodnione. Ale w ich estetycznych kreacjach widzimy coś intuicyjnego i czystego, i podstawowego dla funkcji abstrakcji w sztuce.

Anna Zemankova

Tragedia, duchowość i piękno natury inspirowały twórczość Anny Zemánkovej. Urodziła się w 1908 roku w Morawach, w dzisiejszej Czechach, a w wieku 20 lat samodzielnie nauczyła się malarstwa pejzażowego. Jednak dopiero w latach 50-tych, po głębokiej depresji spowodowanej kilkoma przeprowadzkami i śmiercią jednego z jej dzieci, powróciła do sztuki. Podczas malowania wierzyła, że jest połączona z siłami duchowymi i że kanalizuje magnetyczną energię, której nie można obiektywnie przedstawić. Aby wyrazić siły, z którymi się łączyła, malowała abstrakcyjne kompozycje luźno inspirowane wzorami, kształtami i kolorami, które dostrzegała w naturze, szczególnie w kwiatach. Jej obrazy są tym, z czego jest najbardziej znana, ale oprócz malarstwa tworzyła również wyszukane klosze lamp, przebijając otwory w kloszach, aby stworzyć abstrakcyjne wzory z światła.

Anna Zemánková - Bez tytułu, lata 80., kolaż satynowy i techniki mieszane na papierze (Lewo) oraz Bez tytułu, pastel na papierze, lata 70. (Prawo)

Pascal Tassini

Belgijski artysta Pascal Tassini odkrył swoją pasję do tworzenia sztuki późno w życiu. Nie mogąc w pełni zadbać o siebie z powodu całe życie trwającego obsesyjnego schorzenia, mieszkał z rodzicami jako dorosły, aż do ich śmierci. Potem jeden z jego braci przejął nad nim opiekę i wprowadził go do Warsztatu Créahm w Liège w Belgii. Na początku Pascal był zadowolony z sprzątania i organizowania centrum, ale wkrótce zainspirował się do tworzenia sztuki. Na początku malował i rysował, ale potem zaczął tworzyć złożone obiekty z tkanin. Często otulał różne przedmioty, które znalazł lub które otrzymał w prezencie. Używając techniki, którą sam wymyślił, zbudował nawet dla siebie namiot studialny, w którym pracuje. Odwiedzający, którzy chcą go zobaczyć, muszą najpierw pozwolić mu założyć fartuch laboratoryjny i zmierzyć im puls, leczących ich z ich dolegliwości, zanim będą mogli wejść do jego studia.

Pascal Tassini - Untitled fabric assemblages

Pascal Tassini - Untitled fabric assemblages

Eugene Andolsek

Jak wielu outsiderów, Eugene Andolsek nigdy nie uważał się za artystę. Rysował długopisami na papierze milimetrowym dla relaksu przy swoim stole w kuchni, jako odskocznię od codziennego życia. Przez dziesięciolecia zbierał swoje spektakularne geometryczne rysunki w skrzyni, pracując jako stenograf kolejowy i opiekując się swoją chorą matką. Po przejściu na emeryturę i śmierci matki, ostatecznie stracił wzrok i musiał zgłosić się do placówki opiekuńczej. Tam pracownik odkrył jego dzieła i rozpoznał je jako coś wyjątkowego. W 2005 roku, w wieku 84 lat, trzy lata przed swoją śmiercią, Eugene zobaczył swoje prace po raz pierwszy na wystawie w Muzeum Amerykańskiej Sztuki Ludowej. Był zaskoczony pozytywną uwagą, jaką otrzymały jego obrazy, wcześniej uważając je co najwyżej za przydatne, być może jako kolorowe podkładki.

Eugene Andolsek - Dwa niezatytułowane geometryczne abstrakcyjne rysunki tuszem na papierze milimetrowym

Judith Scott

Abstrakcyjne rzeźbiarskie dzieła Judith Scott oferują poruszające wyrażenie człowieczeństwa tej outsiderowej artystki. Urodzona głucha, niema i z zespołem Downa, Judith spędziła prawie cztery dekady swojego życia w skandalicznych warunkach w różnych instytucjach. W końcu w 1986 roku, w wieku 44 lat, jej siostra bliźniaczka wzięła Judith pod swoją opiekę i zabrała ją do domu w Oakland w Kalifornii. Tam Judith mogła zapisać się na zajęcia w Creative Growth Art Center. To tam, po raz pierwszy, zaczęła tworzyć sztukę. Zbierała różne przedmioty, oplatając je skomplikowanymi sieciami włókien, aż ich forma stała się nieczytelna. Powstałe rzeźby czasami odzwierciedlają, a czasami nie odzwierciedlają formy przedmiotu, od którego zaczęła. Choć przypominają kokony, dokładniej byłoby powiedzieć, że przeszły odwrotny, choć wciąż transformujący proces. To tak, jakby przez zakrycie ich istotna obecność została ujawniona.

Abstrakcja w kokonie z włókien autorstwa Judith Scott (po lewej) oraz Judith Scott z jednym ze swoich dzieł (po prawej)

Tetsuaki Hotta

Japoński artysta Tetsuaki Hotta został umieszczony w instytucji w wieku 19 lat z powodu tego, co opisano jako upośledzenie psychiczne. Jednak gdy zaczął uczęszczać na zajęcia artystyczne w instytucji, w której mieszkał, szybko ujawniono, że jego zdolność do zaawansowanego myślenia abstrakcyjnego była nienaruszona. Od 1970 roku Hotta maluje wyłącznie abstrakcyjne kompozycje geometryczne przypominające domy. Jest całkowicie obojętny na formy obecne w jego pracach. Używa kompozycji wyłącznie jako badań koloru i przestrzeni na płaskiej płaszczyźnie. Widziane razem, te ekspresyjne, intuicyjne obrazy są jak odpowiednik sztuki outsiderów w pracy niemiecko-amerykańskiego artysty i nauczyciela Josefa Albersa, który przez całe życie podobnie badał kolor w swojej serii Hołd dla kwadratu.

Tetsuaki Hotta - dzieło sztuki

Dan Miller

Kalifornijski rodowity Dan Miller dorastał po drugiej stronie zatoki od San Francisco w miasteczku Castro Valley. Urodził się z autyzmem, podobnie jak Judith Scott, odnalazł swoje artystyczne powołanie w Creative Growth Art Center w Oakland. Dan Miller jest zafascynowany tekstem, używając go nie tyle jako wyrazistego bytu, co raczej jako estetycznego medium, przez które można wytworzyć znaczenie kompozycyjne i estetyczne. Jego kompozycje wywołały porównania do prac abstrakcyjnego artysty Cy Twombly'ego, który również wykorzystywał formy glifów i oszczędne palety kolorów w swoich obrazach. W przeciwieństwie do Twombly'ego, Miller czerpie z rzeczywistego tekstu, wydobywanego z jego wewnętrznego świata, a następnie nieustannie go nakłada, aż osiągnie punkt, który wykracza poza czytelność. Jego prace zostały szeroko docenione i są nawet uwzględnione w Nowojorskim MoMA.

Dan Miller - Bez tytułu, UD, akryl, marker na papierze, 57 x 76 cali

Dan Miller - Bez tytułu (biały na czarnym), 2013, akryl i tusz na papierze, 56 x 76 cali

Niezbędne instynkty

W trakcie naszych badań do tego artykułu natknęliśmy się na fascynującą historię brytyjskiego zoologa Desmonda Morrisa. Oprócz swojej pracy jako naukowiec, Morris był outsiderem artystą surrealistycznym. Pokazywał swoje dzieła w Londynie pod koniec lat 40. i na początku 50. XX wieku. Jednak jego największy wkład w sztukę zmaterializował się, gdy w 1957 roku wystawił abstrakcyjne obrazy jednego ze swoich kolegów z pracy: szympansa o imieniu Congo. Pomysł abstrakcyjnej sztuki stworzonej przez szympansa może brzmieć głupio. Może nawet wydawać się obraźliwy. Ale niektórzy z najsłynniejszych artystów na świecie poszukiwali Desmonda Morrisa, aby nabyć obrazy autorstwa Congo. Salvador Dali i Pablo Picasso każdy z nich posiadał jeden, a Joan Miro nawet wymienił jedno ze swoich dzieł na obraz autorstwa Congo.

To, co zrozumieli Dali, Picasso i Miro, to fakt, że ludzie dzielą pierwotną, abstrakcyjną estetyczną potrzebę z innymi zwierzętami. Akt twórczy jest naszym uniwersalnym dziedzictwem jako mieszkańców tej planety. Wiele różnych zwierząt czerpie przyjemność z eksploracji wzoru, kształtu, linii, koloru, tekstury i kompozycji. Dali posunął się nawet do stwierdzenia, że szympans maluje jak człowiek, a Jackson Pollock maluje jak zwierzę. Być może to wyjaśnia, dlaczego czerpiemy taką przyjemność z prac samouczonych artystów i innych ludzi, którzy tworzą sztukę outsiderów. Reprezentują naszą nadzieję, że w każdym z nas jest coś czystego, surowego, pierwotnego, istotnego i uniwersalnego, co można wyrazić, a być może zrozumieć, poprzez sztukę.

Obraz wyróżniający: Judith Scott - Jedna z jej abstrakcji otulonych włóknem
Wszystkie obrazy użyte tylko w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio