Pamiętając o abstrakcyjnych wzorach tekstylnych Lucienne Day
To rzadkie osiągnięcie dla projektanta przemysłowego, aby tak skutecznie uchwycić ducha epoki, że jego projekty trafiają nie tylko na produkty konsumenckie, ale także są wystawiane w galeriach sztuki i muzeach. Na czele tej krótkiej listy znajduje się nazwisko Lucienne Day. Przez niemal trzy dekady w połowie XX wieku Day dominowała na rynku funkcjonalnych tkanin, pięknie przekładając modernistyczne abstrakcyjne języki wizualne na użyteczne produkty codziennego użytku. Nigdy nie studiowała w Bauhausie, ale jej prace ucieleśniały etos tej szkoły, która głosiła, że sztuka, architektura i wzornictwo powinny współpracować w sposób istotny dla codziennego życia zwykłych ludzi. Day uznawana jest za pierwszą projektantkę, której prace oznaczono terminem „Wzornictwo współczesne”. Zdobyła wielką nagrodę na Triennale w Mediolanie w 1954 roku, a w 1962 roku Królewska Akademia Sztuk uhonorowała ją tytułem Królewskiego Projektanta Przemysłowego (RDI). Jednak był to tylko jeden etap jej wybitnej kariery. Po przejściu na emeryturę z branży projektowej w 1975 roku Day rozpoczęła nową karierę jako artystka abstrakcyjna, tworząc nową formę sztuki, którą nazwała „Jedwabną mozaiką”. Dziś jej projekty odkrywa nowe pokolenie. Jej klasyczne modernistyczne wzory są ponownie wydawane i reinterpretowane do zastosowania na współczesnych meblach. Tymczasem wystawa Lucienne Day: Living Design podróżuje po Wielkiej Brytanii, celebrując dziedzictwo tej wyjątkowej artystki wraz z archiwalnymi fotografiami dokumentującymi jej życie i twórczość.
Droga do Lucienne Day
Désirée Lucienne Lisbeth Dulcie Conradi urodziła się w Surrey w Anglii w 1917 roku. Mówiła, że już w młodym wieku miała świadomość, że chce studiować sztukę, ale wiedziała też, że nie chce prowadzić życia malarki. Zamiast tego pragnęła tworzyć rzeczy, które mogłyby być podziwiane i używane przez zwykłych ludzi. Gdy w wieku 17 lat zapisała się do Szkoły Sztuki w Croydon, skupiła się na sztuce tkanin. W wieku 20 lat, gdy przeniosła się do Royal College of Art, zaczęła studiować dzieła modernistycznych artystów abstrakcyjnych i wyobrażać sobie, jak ich teorie i języki wizualne można przetłumaczyć na wzory i projekty, które mogłyby być stosowane na masowo produkowanych tkaninach, takich jak ubrania, dywany, zasłony i ręczniki.
Wystawa Lucienne Day: Living Design. © 2018 Arts University Bournemouth
Jednak Day nie miała wówczas dobrego towarzystwa. Większość projektantów jej pokolenia w Wielkiej Brytanii trzymała się tradycyjnych metod projektowania i nie interesowała się łączeniem swojej pracy ze światem sztuk pięknych. Dopiero w ostatnim roku studiów poznała bratnią duszę podczas szkolnego tańca. Młody projektant mebli Robin Day, który ukończył RCA dwa lata wcześniej, wrócił na ten taniec z przyjaciółmi. Spotkał tam Lucienne i od razu dostrzegli wspólne zamiłowanie do modernistycznego wzornictwa i sztuki abstrakcyjnej. Pobrali się dwa lata później i zamieszkali w domu wypełnionym meblami i tkaninami własnego projektu. Jednak ich zawodowe ambicje musiały poczekać, ponieważ Europa była w stanie wojny. Braki i inne komplikacje wojenne uniemożliwiały rozpoczęcie działalności gospodarczej. Jednak w 1949 roku ich losy się odmieniły. Lucienne zdobyła kontrakt z Heal Fabrics, co ostatecznie zaowocowało międzynarodowym wydaniem ponad 70 jej projektów, a Robin nawiązał współpracę, która pozwoliła mu tworzyć nagradzane projekty dla prestiżowych klientów, takich jak Royal Festival Hall i Igrzyska Olimpijskie w Meksyku w 1968 roku.
Wystawa Lucienne Day: Living Design. © 2018 Arts University Bournemouth
Definiowanie estetyki epoki
Najbardziej znanym i popularnym projektem Lucienne Day był także jeden z jej pierwszych. Nazwany „Calyx”, wzór ten przypomina biomorficzne kształty używane w rzeźbach Alexandra Caldera oraz fantazyjne, faliste linie z obrazów Paula Klee. Formy wzoru unoszą się w niemal spłaszczonej pustce, jednocześnie przywołując tradycyjne motywy kwiatowe i nowatorską sztukę abstrakcyjną. „Calyx” to projekt, który przyniósł Day złoty medal na Triennale w Mediolanie w 1951 roku. Był tak popularny wśród publiczności, że sprzedał się znacznie lepiej niż oczekiwano. Sukces ten ugruntował pozycję Day jako czołowej postaci ruchu wzornictwa współczesnego i pozwolił jej rozszerzyć działalność o ręcznie drukowane tapety, serwetki, obrusy, modne tkaniny na ubrania oraz praktycznie każdy rodzaj tkanin domowych. W międzyczasie, gdy zmieniały się czasy i estetyczne tendencje świata sztuki, Day pozostawała na bieżąco, tworząc malarskie wzory przywodzące na myśl abstrakcyjny ekspresjonizm oraz optycznie żywe geometryczne wzory, które kojarzą się z pracami op-artystów takich jak Bridget Riley.
Wystawa Lucienne Day: Living Design. © 2018 Arts University Bournemouth
Po przejściu na emeryturę z projektowania przemysłowego Day całkowicie odmieniła swoje życie twórcze. Porzuciła ideę masowej produkcji i zaczęła ręcznie wyszywać jedwabne dekoracje ścienne — swoje „Jedwabne mozaiki”. Czasem figuralne, innym razem całkowicie abstrakcyjne, te prace przekazują osobisty język wizualny bardziej wyrazisty niż cokolwiek, co Day projektowała wcześniej. W swojej pracy projektantki przemysłowej zawsze dbała o to, by pozostawać w zgodzie z językami wizualnymi już popularnymi wśród publiczności, wprowadzając sztukę swoich czasów do codziennego kontaktu z ludźmi. Jednak dzięki „Jedwabnym mozaikom” uwolniła się, by wyrazić coś bardziej osobistego. Te dzieła ukazują głęboką i dojrzałą wiedzę o tym, jak łączyć kształty, kolory, wzory i formy w potężne abstrakcyjne kompozycje. Projektowała je z myślą o przestrzeniach architektonicznych, co pokazuje, że rozwinęła także wyczucie, jak sztuka wizualna współdziała z przestrzeniami budowanymi, by ożywić je dla ludzkiego użytku. Lucienne Day zmarła w 2010 roku, ale jej dziedzictwo, które ucieleśniało ideę łączenia modernistycznej abstrakcji z codziennym życiem, trwa nadal. Lucienne Day: Living Design jest prezentowana od 19 lipca do 15 września w Coach House Gallery w Zamku Dublińskim w Irlandii.
Zdjęcie główne: Wystawa Lucienne Day: Living Design. © 2018 Arts University Bournemouth
Wszystkie zdjęcia użyte wyłącznie w celach ilustracyjnych
Autor: Phillip Barcio
