Rosemarie Castoro, Lydia Okumura i Wanda Czelkowska w Krainie Chłopców, Krainie Rzęs

W czerwcu tego roku londyńska siedziba Galerie Thaddaeus Ropac w Ely House otworzy wystawę, która zapowiada się na jedną z najbardziej znaczących galerii tego lata. Land of Lads, Land of Lashes zestawi prace trzech artystek — Rosemarie Castoro (1939-2015), Lydii Okumury (ur. 1948) oraz Wandy Czelkowskiej (ur. 1930). Każda z nich osiągnęła to, co można nazwać dojrzałym głosem estetycznym w latach 60. i 70. Ich twórczość była wysoce eksperymentalna, konceptualnie rygorystyczna i technicznie zaawansowana. A jednak każda z tych rzeźbiarek pozostawała w cieniu, częściowo z powodu płci, a częściowo z powodu niezwykle osobliwego charakteru ich dzieł. Nie mieściły się one łatwo w żadnej kategorii estetycznej. Nie były nawet w pełni akceptowane w awangardzie. A jednak każda na swój sposób uosabiała podstawowe troski swojego pokolenia. Castoro, pochodząca z Brooklynu, stworzyła dzieła, które z szokującą jasnością ukazują wizualne i konceptualne przejście między minimalizmem a postminimalizmem; Czelkowska, urodzona w Brześciu, Polska, przedstawia z brutalną szczerością i pasją światy sztuki konceptualnej, arte povera i prymitywizmu; a Okumura, urodzona w São Paulo w rodzinie japońskich imigrantów, z pewnością i precyzją uchwyciła punkt styku między ruchem neo-konkretnym a humanistyczną, doświadczalną sztuką. Kuratorka gościnna tej wystawy, Anke Kempkes, zasługuje na uznanie nie tylko za odnalezienie tych trzech pomijanych artystek, ale także za znalezienie podstawowego intelektualnego i estetycznego wątku łączącego ich języki wizualne, wątek, który Land of Lads, Land of Lashes ukazuje w fascynujący i wizualnie ekscytujący sposób.

Rosemarie Castoro

Tytuł tej wystawy, Land of Lads, Land of Lashes, pochodzi od dwóch prac Castoro stworzonych w połowie lat 70. „Land of Lads” to zbiór prymitywnie wyglądających drabin z żywicy epoksydowej stojących pionowo w antropomorficznym tłumie. „Land of Lashes” przypomina paradę olbrzymich, pająkopodobnych rzęs z żywicy epoksydowej maszerujących naprzód niczym kolumna mrówek wojskowych. Te dwie prace uosabiają przemianę, jaką Castoro przeszła w swojej twórczości w latach 70. Rozpoczęła karierę jako tancerka, a następnie badała twardą, minimalistyczną abstrakcję. Stopniowo rozszerzała swoje zainteresowania o sferę marzycielską i symboliczną. Przez całą karierę jej dzieła cechowała pewna oszczędna prostota, a jednocześnie przekazywały coś w stanie surowym, będącym w trakcie stawania się. Jej dorobek obejmował rzeźbę, malarstwo, performance i poezję. Zmarła na raka w 2015 roku.

Rosemarie Castoro - Land of Lads, widok instalacji, 1976. © Rosemarie Castoro. Za zgodą Rosemarie Castoro oraz kuratorki i konsultantki Anke Kempkes

Lydia Okumura

Percepcja jest sercem wszystkiego, co tworzy Okumura. Jej najwcześniejsze zainteresowanie sztuką pochodziło od ojca, który był kaligrafem. Następnie krótko eksperymentowała z ceramiką, ale twierdzi, że wolała bezpośredniość malarstwa. Dorastając w Brazylii, była pod wpływem wielu różnych nurtów, od Land Artu po arte povera i minimalizm. Wspólnym mianownikiem tych wpływów był konceptualny sens, że sztuka może tworzyć doświadczenia percepcyjne, które pomagają uprościć życie, przez łączenie sprzeczności. Jej pionierskie prace ścienne, które są częścią tej wystawy, wymykają się klasyfikacji. Są częściowo malarstwem ściennym, częściowo rzeźbą, a częściowo instalacją doświadczalną. Stanowią znakomite pomosty do dzieł artystów kinetycznych, takich jak Jesús Rafael Soto oraz minimalistów, jak Sol LeWitt, lecz są odrębne od prac tych i innych artystów jej pokolenia.

Lydia Okumura - Labyrinth Variant II. Koncept po raz pierwszy zrealizowany w Museu de Arte Moderna, São Paulo, 1984-2018. © Lydia Okumura. Za zgodą Lydii Okumury oraz kuratorki i konsultantki Anke Kempkes

Wanda Czelkowska

Aby zrozumieć korzenie, z których wyewoluowała Czelkowska, spójrz na „Pomnik Wyzwolenia Regionu Warmii i Mazur” w Olsztynie. Współpracowała przy tej ogromnej rzeźbie w 1954 roku. Reprezentuje ona szczyt heroicznego, powojennego socrealizmu. Od tego punktu wyjścia Czelkowska stała się bardziej introspektywna i surowa. Jej twórczość przyjęła estetykę prymitywistyczną, aż w końcu w latach 70. stworzyła dzieło, które uosabia jej sposób postrzegania konceptualnych możliwości sztuki. Pracę tę, powstającą ponad 20 lat, zatytułowała „Absolutne wyeliminowanie rzeźby jako pojęcia formy”. Jak sama nazwa wskazuje, reprezentuje ona, jak pionierską artystką jest w przemyśleniu problemu przestrzeni i jej związku z tym, jak artyści i widzowie postrzegają swój związek ze sztukami plastycznymi.

Wanda Czelkowska - Głowa, 1972. © Wanda Czelkowska. Za zgodą Wandy Czelkowskiej oraz kuratorki i konsultantki Anke Kempkes

Siła odkrycia

Zawsze jest dla mnie rozczarowujące, gdy słyszę, że genialny artysta pracował przez dziesięciolecia, nie otrzymując należnego mu uznania. I chociaż wiem, że istnieje wiele powodów, dla których taka sytuacja może się rozwinąć, to jednak jest to prosta prawda, że często to uprzedzenia decydentów świata sztuki powstrzymują niektórych artystów przed zdobyciem rozgłosu. Nie mogę się powstrzymać od zastanawiania się, czy powodem, dla którego nigdy wcześniej nie słyszałem o Castoro, Okumurze ani Czelkowskiej, jest to, że były artystkami konkurującymi w świecie zdominowanym przez mężczyzn. Patrząc współczesnym okiem na przełomowe dzieła, które tworzyły pół wieku temu, jestem zdumiony, dlaczego ich nazwiska nie są tak dobrze znane jak niektórych ich męskich odpowiedników, takich jak Fred Sandback czy Sol LeWitt, a nawet niektórych bardziej znanych artystek, jak Eva Hesse czy Louise Bourgeois.

Przynajmniej teraz mogę cieszyć się faktem, że te trzy artystki otrzymują należne im uznanie. Jedną z sił sztuki jest to, że przypomina nam, iż jesteśmy czymś więcej niż tylko istotami fizycznymi z cechami, które mogą pozwolić innym nas umniejszać — mamy jeszcze inny aspekt, coś niewidzialnego i trudnego do opisania, co łączy nas z innymi na poziomie metafizycznym. Te trzy artystki, które pracowały nieprzerwanie przez ponad pół wieku, a których twórczości nigdy wcześniej nie spotkałem, dały mi to uczucie: przypomnienie, że jestem czymś więcej, niż się wydaję. Z niecierpliwością czekam na możliwość zobaczenia jeszcze większej ilości ich prac w przyszłości i mam nadzieję, że ta wystawa otworzy drzwi do większej ekspozycji i badań nad ich osiągnięciami. Land of Lads, Land of Lashes będzie prezentowana w londyńskiej siedzibie Galerie Thaddaeus Ropac w Ely House od 25 czerwca do 11 sierpnia 2018 roku.

Zdjęcie główne: Rosemarie Castoro - Land of Lads, widok instalacji, 1976. © Rosemarie Castoro. Za zgodą Rosemarie Castoro oraz kuratorki i konsultantki Anke Kempkes

Autor: Phillip Barcio