Rosemarie Castoro, Lydia Okumura i Wanda Czelkowska w Krainie Chłopców, Krainie Rzęs

W czerwcu tego roku, londyńska lokalizacja Galerie Thaddaeus Ropac w Ely House otworzy wystawę, która obiecuje być jedną z najbardziej wpływowych wystaw galerijnych lata. Kraj Chłopców, Kraj Rzęs zestawi prace trzech artystek: Rosemarie Castoro (1939-2015), Lydii Okumura (ur. 1948) i Wandy Czelkowskiej (ur. 1930). Każda z nich osiągnęła to, co można by nazwać dojrzałym głosem estetycznym w latach 60. i 70. Ich prace były wysoce eksperymentalne, koncepcyjnie rygorystyczne i technicznie zaawansowane. A jednak każda z tych rzeźbiarek była w cieniu, częściowo z powodu swojego genderu, a częściowo z powodu niezwykle idiosynkratycznej natury ich prac. Nie mieściły się w wąskiej kategorii estetycznej. Nie były nawet akceptowane w awangardzie. A jednak każda z nich w różny sposób ucieleśniała fundamentalne zagadnienia swojej generacji. Castoro, pochodząca z Brooklynu, tworzyła prace, które z szokującą klarownością oddają wizualną i koncepcyjną transformację, która miała miejsce między minimalizmem a postminimalizmem; Czelkowska, urodzona w Brześciu, Polska, reprezentuje z brutalną szczerością i pasją światy sztuki konceptualnej, Arte Povera i prymitywizmu; a Okumura, urodzona w São Paulo w rodzinie japońskich imigrantów, uchwyca z pewnością i precyzją punkt styku między ruchem neo-konstruktywistycznym a humanistyczną, doświadczalną sztuką. Kuratorka tej wystawy, Anke Kempkes, zasługuje na uznanie nie tylko za odkrycie tych trzech niedocenianych artystek, ale także za znalezienie leżącej u podstaw intelektualnej i estetycznej nici, która łączy ich języki wizualne, nić, którą Kraj Chłopców, Kraj Rzęs wydobywa na światło dzienne w fascynujący i wizualnie ekscytujący sposób.

Rosemarie Bóbr

Tytuł tej wystawy, Kraj Chłopców, Kraj Rzęs, pochodzi z dwóch prac, które Castoro stworzyła w połowie lat 70. „Kraj Chłopców” to zbiór prymitywnie wyglądających epoksydowych drabin stojących w pionie w antropomorficznie wyglądającym tłumie. „Kraj Rzęs” przypomina paradę gigantycznych, pajęczo-podobnych epoksydowych rzęs maszerujących do przodu niczym linia armijnych mrówek. Te dwie prace epitomizują przejście, jakie Castoro przeszła w swojej twórczości w latach 70. Rozpoczęła swoją karierę jako tancerka, a następnie eksplorowała Hard Edge Minimalist Abstraction. Stopniowo rozszerzała swoje zainteresowania, aby obejmowały sferę marzycielską i symboliczną. W trakcie swojej kariery jej prace uchwyciły pewną zredukowaną prostotę, jednocześnie przekazując coś w surowym stanie stawania się. Jej dorobek obejmował rzeźbę, malarstwo, performans i poezję. Zmarła na raka w 2015 roku.

Rosemarie Castoro - Kraj Chłopców, widok instalacji, 1976. © Rosemarie Castoro. Dzięki uprzejmości Rosemarie Castoro i Anke Kempkes, kuratorstwo i konsultacje.

Lydia Okumura

Percepcja jest sercem wszystkiego, co tworzy Okumura. Jej wczesne zainteresowanie sztuką pochodziło od ojca, który był kaligrafem. Następnie krótko eksperymentowała z ceramiką, ale twierdzi, że woli bezpośredniość malarstwa. Dorastając w Brazylii, była pod wpływem wielu różnych ruchów, od Land Art po Arte Povera i Minimalizm. Wspólnym mianownikiem wszystkich jej wpływów było koncepcyjne poczucie, że sztuka może tworzyć doświadczenia percepcyjne, które mogą pomóc uprościć życie, łącząc sprzeczności. Jej pionierskie prace ścienne, które są częścią tej wystawy, wymykają się klasyfikacji. Są częściowo malowidłem ściennym, częściowo rzeźbą i częściowo instalacją doświadczalną. Oferują wspaniały most do prac artystów Kineticznych, takich jak Jesús Rafael Soto, oraz artystów Minimalistycznych, takich jak Sol LeWitt, a jednak są odrębne od prac tych oraz innych artystów jej pokolenia.

Lydia Okumura - Wariant Labiryntu II. Koncept po raz pierwszy zrealizowany w Museu de Arte Moderna, Sao Paulo, 1984-2018. © Lydia Okumura. Udział Lydia Okumura oraz kuratorstwo i konsultacje Anke Kempkes.

Wanda Czelkowska

Aby zrozumieć korzenie, z których wyewoluowała Czelkowska, spójrz na „Pomnik Wyzwolenia Ziemi Warmii i Mazur” w Olsztynie, w Polsce. Współpracowała przy tej ogromnej rzeźbie w 1954 roku. Reprezentuje ona kwintesencję heroicznego, powojennego realizmu socjalistycznego. Od tego punktu wyjścia Czelkowska stała się bardziej introspektywna i bardziej surowa. Jej prace przyjęły prymitywistyczną estetykę, aż w końcu w latach 70. stworzyła dzieło sztuki, które miało uosabiać jej sposób postrzegania konceptualnych możliwości sztuki. Ponad 20 lat w realizacji, to dzieło nosi tytuł „Absolutna Eliminacja Rzeźby jako Pojęcia Kształtu”. Jak sugeruje jego nazwa, reprezentuje to, jakim pionierem jest ta artystka w przemyśleniu problemu przestrzeni i jak odnosi się to do sposobu, w jaki artyści i widzowie postrzegają swoją relację z sztukami plastycznymi.

Wanda Czelkowska - Głowa, 1972. © Wanda Czelkowska. Dzięki uprzejmości Wanda Czelkowska i Anke Kempkes kuratorstwo i konsultacje.

Potęga Odkrycia

Zawsze jest to dla mnie rozczarowujące, gdy słyszę, że genialny artysta pracował przez dziesięciolecia, nie otrzymując uznania, na jakie zasługuje. I chociaż wiem, że istnieje niezliczona ilość powodów, dla których taka sytuacja może się rozwinąć, to jest to prosta rzeczywistość, że często to uprzedzenia brokerów mocy w świecie sztuki są tym, co powstrzymuje niektórych artystów przed osiągnięciem ekspozycji. Nie mogę się powstrzymać od zastanawiania się, czy powodem, dla którego nigdy wcześniej nie słyszałem o Castoro, Okumurze ani Czelkowskiej, jest to, że były to artystki rywalizujące w zdominowanym przez mężczyzn świecie. Patrząc współczesnymi oczami na przełomową pracę, którą tworzyły pół wieku temu, jestem zdumiony, dlaczego ich nazwiska nie są tak dobrze znane jak niektórych ich męskich odpowiedników, takich jak Fred Sandback i Sol LeWitt, czy nawet niektórych ich bardziej znanych żeńskich odpowiedników, takich jak Eva Hesse i Louise Bourgeois.

Przynajmniej teraz mogę świętować fakt, że ci trzej artyści otrzymują to, na co zasługują. Jedną z mocy sztuki jest to, że może przypomnieć nam, że jesteśmy czymś więcej niż tylko fizycznymi istotami z cechami, które mogą umożliwić innym nas umniejszać—mamy inny aspekt, coś niewidzialnego i trudnego do opisania, co łączy nas z innymi na metafizycznym poziomie. Ci trzej artyści, którzy pracują nieprzerwanie od ponad pół wieku, a których prace nigdy wcześniej nie napotkałem, dali mi to uczucie: to przypomnienie, że jestem czymś więcej, niż się wydaję. Z niecierpliwością czekam na zobaczenie jeszcze większej ilości ich prac w przyszłości i mam nadzieję, że ta wystawa otworzy drzwi do większej ekspozycji i dalszych badań nad ich osiągnięciami. Kraj Chłopców, Kraj Rzęs będzie wystawiane w londyńskiej lokalizacji Ely House Galerie Thaddaeus Ropac od 25 czerwca do 11 sierpnia 2018.

Obraz wyróżniający: Rosemarie Castoro - Ziemia Chłopców, widok instalacji, 1976. © Rosemarie Castoro. Dzięki uprzejmości Rosemarie Castoro i Anke Kempkes, kuratorstwo i konsultacje.

Autor: Phillip Barcio