6 Exemplos de Arte Abstrata Pública à Beira do Representacional
Às vezes, as pessoas abraçam a arte pública abstrata, e às vezes elas definitivamente não o fazem. Algumas obras de arte públicas abstratas tornam-se partes amadas da paisagem pública; outras são mal compreendidas ou até mesmo odiadas por aqueles que convivem com elas todos os dias. De qualquer forma, o que muitas vezes acaba acontecendo é que, para compreender por que e como alguma nova obra de arte pública abstrata ocupou seu lar, o público cria uma narrativa personalizada sobre o que a obra é, o que representa ou o que significa. Algumas das obras de arte pública abstrata mais bem-sucedidas facilmente se cruzam para serem interpretadas em termos representacionais, oferecendo aos espectadores a opção de se relacionar com elas em múltiplos níveis diferentes. Aqui estão seis obras famosas de arte pública que são amadas pelas comunidades em que residem e que existem na fronteira de serem consideradas representacionais e abstratas.
Isamu Noguchi - Cubo Vermelho (Nova Iorque)
Localizado na 140 Broadway em Nova York, o “Cubo Vermelho” (1968) de Isamu Noguchi não é, na verdade, um cubo perfeito. A forma de aço pintada de vermelho é ligeiramente distorcida, como se tivesse sido esticada. Através de seu centro há um túnel circular oco. A peça é fácil de relacionar em termos figurativos, uma vez que um cubo é uma forma geométrica tão comum. No entanto, há muitos elementos abstratos e simbólicos na peça também. Abstratamente, ela contradiz seu entorno, uma vez que as linhas de todas as estruturas ao redor são verticais e horizontais, enquanto cada aresta do “Cubo Vermelho” é diagonal. O buraco circular desafia o voyeurismo das inúmeras janelas ao redor, oferecendo um olho mágico através do qual se pode ver o arranha-céu vizinho. Simbolicamente, Noguchi disse: “O cubo significa acaso, como o lançamento de dados”, uma referência à próxima Wall Street. O artista também observou que a forma se relaciona com blocos “feitos pelo homem”, enquanto o buraco circular se relaciona com “radiação solar.”
Isamu Noguchi - Cubo Vermelho, Broadway, Manhattan, Nova Iorque. Créditos da foto Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Pirâmide de Quatro Lados (Washington)
Localizada no Jardim de Esculturas da Galeria Nacional de Arte em Washington, D.C., “Pirâmide de Quatro Lados” (1999) é típica de muitas obras de LeWitt, já que a “estrutura”, como ele a chamou, foi projetada, mas não construída por ele. Uma equipe de pedreiros e engenheiros a construiu com base em suas instruções detalhadas. Simbolicamente, LeWitt disse que a forma faz referência a arranha-céus “recuados”, uma tendência arquitetônica comum na metade do século XX que imita a forma da pirâmide. Figurativamente, qualquer um poderia olhar para esta obra e supor que ela faz referência às pirâmides egípcias. Abstratamente, é profundamente conceitual, uma vez que LeWitt pretendia que pudesse ser recriada a qualquer momento, em qualquer lugar, por qualquer pessoa. Em um sentido abstrato formal, a obra oferece uma interação em constante mudança de linhas, formas, padrões e figuras, à medida que a luz natural em evolução interage com as inúmeras superfícies de concreto e argamassa.
Sol LeWitt - Pirâmide de Quatro Lados. primeira instalação 1997, fabricada 1999 blocos de concreto e argamassa. dimensões totais: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 in.). Doação da Família Donald Fisher 1998.149.1. Em Exibição: Jardim de Esculturas. © National Gallery of Art
Henry Moore - Duas Grandes Formas (Toronto)
Instalado originalmente em 1973 na calçada em frente à Galeria de Arte de Ontário, “Large Two Forms” de Henry Moore agora reside em um espaço aberto próximo chamado Grange Park. As duas formas de bronze epitomizam o interesse de Moore pela abstração biomórfica. Elas evocam referências a ossos, bem como a um par de corpos humanos interagindo entre si no espaço. Elas também se assemelham a formas de rochas naturais que poderiam ser esculpidas pela erosão. Quando esta peça foi movida para sua nova localização, suas qualidades abstratas mudaram significativamente, pois pela primeira vez era visível de 360 graus. Não mais flanqueada por um prédio alto, estava livre para expressar suas qualidades orgânicas naturais de forma mais completa. Cercada por grama e árvores, ela se assemelha muito menos a duas formas humanas e convida muito mais a uma interpretação puramente abstrata.
Henry Moore - Grandes Duas Formas. Galeria de Arte de Ontário. Créditos da foto M. Readey
Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)
Um dos exemplos mais óbvios de uma escultura pública abstrata sendo atribuída a uma interpretação representacional pelo público é "Cloud Gate" (2006) de Anish Kapoor. Instalado no Millennium Park em Chicago, a escultura de aço inoxidável de 10 metros de altura foi inspirada nas qualidades visuais do mercúrio líquido. Suas tendências abstratas incluem sua presença biomórfica em meio a uma selva imponente de estruturas geométricas manufaturadas, bem como sua capacidade de distorcer os reflexos que oferece do céu, da cidade e dos transeuntes. Apesar desses aspectos, o povo de Chicago deu-lhe um novo nome, chamando-o de "The Bean", baseado inteiramente em sua forma de feijão-de-corda.
Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Créditos da foto Nyx Ning
Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Agulha, Fio e Nó (Milão)
Projetado por Claes Oldenburg e sua esposa Coosje van Bruggen, “Agulha, Linha e Nó” (2000) foi instalado em Milão, Itália, como parte da renovação de uma estação ferroviária nas proximidades. Suas cores ecoam as da arquitetura circundante, e sua imagem, diz Oldenburg, representa um trem passando por um túnel. Esta escultura essencialmente figurativa experimentou a reação oposta à de “Cloud Gate” em Chicago. Em vez de responder às suas qualidades figurativas, os locais a admiram pela forma como suas linhas, cores e formas se juxtapõem com os elementos visuais da arquitetura ao redor. Sua presença destaca as qualidades visuais formais e abstratas de todo o espaço público, dando à rua, aos postes de luz e aos edifícios circundantes um novo toque, distintamente não figurativo.
Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Agulha, Fio e Nó, 2000. Milão, Itália. Aço inoxidável, plástico reforçado, gelcoat de poliéster, esmalte de poliuretano. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Créditos da foto MarkusMark
Alexander Calder - A Águia (Seattle)
Originalmente erguida em Fort Worth, Texas, “A Águia” (1974) de Alexander Calder claramente se assemelha a uma ave de rapina. A forma de aço pintada de vermelho, com 39 pés de altura, parece ter duas pernas, duas asas, uma cauda e um bico. No entanto, em sua localização original em frente a um arranha-céu de vidro, seus aspectos figurativos se perderam. Em meio ao imponente fundo de aço e vidro, seu tom vívido, curvas biomórficas e múltiplos planos conferiram à peça qualidades abstratas formais dramáticas. Mas na década de 1990, o edifício foi vendido e a escultura foi comprada por um grupo de investimento. Ela foi exibida brevemente no Museu de Arte da Filadélfia, antes de os colecionadores de arte da área de Seattle, Jon e Mary Shirley, a comprarem para o Museu de Arte de Seattle. Agora reside no Parque de Esculturas Olímpico à beira-mar, onde adquiriu uma presença visual completamente diferente. Sem outras estruturas altas para competir, os aspectos representacionais de “A Águia” vêm imediatamente à tona, especialmente considerando os milhares de pássaros marinhos residentes, cujas formas graciosas e primordiais são tão belamente ecoadas na obra.
Alexander Calder - A Águia, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 pés 9 pol × 32 pés × 32 pés 6 pol). Seattle, Washington. Proprietário: Museu de Arte de Seattle
Imagem em destaque: Isamu Noguchi - Cubo Vermelho, Broadway, Manhattan, Nova York. Créditos da foto Ken Lund.
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park
