Mitchell-Innes e Nash Saúda a Arte de Julian Stanczak

O pintor Julian Stanczak faleceu no início deste ano em sua cidade natal, Cleveland, Ohio, aos 88 anos. Antes de sua morte, a Mitchell-Innes and Nash em Nova York estava planejando o que teria sido a segunda exposição solo de seu trabalho na galeria. Essa exposição abriu em 18 de maio, menos de dois meses após a morte de Stanczak, e se tornou mais do que apenas mais uma mostra. É uma celebração do trabalho e da vida de um artista verdadeiramente amado e influente. O subtítulo da exposição é A Vida da Superfície, Pinturas 1970-1975. Como indicado, apresenta apenas obras feitas em um período de cinco anos na década de 70. Mas o mais importante é a referência à vida que Stanczak trouxe ao seu trabalho e ao mundo da arte em geral. Como um dos progenitores do que eventualmente ficou conhecido como Op Art, Stanczak foi um pioneiro que descobriu as coisas extraordinárias que podem ser realizadas usando apenas os simples elementos de cor e linha.

Acidentalmente Inventando a Op Art

Hoje, o termo Op Art é entendido pela maioria dos amantes da arte, curadores, educadores e colecionadores como um tipo de arte geométrica e psicodélica que engana o olho, fazendo-o perceber movimento, espaço e luz onde na verdade não existem. O movimento geralmente está ligado a um punhado de grandes artistas como Bridget Riley e Victor Vasarely, que foram, nos primeiros dias, seus proponentes mais conhecidos. E o público contemporâneo tende a percebê-lo como um movimento coeso, no qual os artistas envolvidos tinham uma agenda compreendida, ou estavam pelo menos se movendo em uma direção estética coesa.

Mas a verdade sobre a Op Art é muito menos glamourosa do que isso. O termo Op Art surgiu do título de uma exposição do trabalho de ninguém menos que Julian Stanczak. A mostra foi sua primeira em Nova York e aconteceu na Martha Jackson Gallery em 1964. A própria Martha Jackson intitulou a exposição Julian Stanczak: Pinturas Ópticas. Quando ele viajou para Nova York de sua casa em Cleveland para ver a exposição, Stanczak soube do título pela primeira vez ao vê-lo escrito na janela da galeria. Em uma entrevista de 2011, Stanczak lembrou: “Eu disse, ‘Meu Deus, de onde você tirou isso? Martha, como você pode dizer óptico?’” Jackson tentou acalmá-lo respondendo: “Ei, Julian, isso é algo para os críticos de arte mastigarem.” E mastigaram, de fato. Na verdade, um jovem escultor chamado Donald Judd, que escrevia críticas para a revista Arts na época, revisou a exposição e, em referência ao seu título, cunhou a frase Op Art em sua crítica.

Julian Stanczak - Azul Estático, 1973, Acrílico sobre tela, 48x120in

Cor e Linha

Em retrospectiva, parece realmente ridículo destacar um tipo particular de pintura e chamá-lo de óptico. A palavra óptico se relaciona a qualquer fenômeno que existe dentro do espectro visível da luz. Mas no contexto das pinturas que foram incluídas naquela primeira exposição de Julian Stanczak na Martha Jackson Gallery, o termo foi interpretado não apenas para se referir ao que é visível, mas sim para ter algo a ver com ilusões ópticas. Stanczak empregou a combinação de cor e linha para dar a impressão de profundidade e movimento, e para sugerir que a luz estava emanando da superfície da obra. Mas nada sobre a obra era uma tentativa de enganar alguém. Era simplesmente uma investigação sobre as possibilidades do que a cor e a linha poderiam realizar por conta própria.

Sua atração inicial pelos elementos de cor e linha começou para Stanczak décadas antes daquela primeira exposição em Nova York, quando ele era um jovem em um campo de refugiados em Uganda durante a Segunda Guerra Mundial. Ele havia perdido o uso de seu braço direito dominante enquanto trabalhava em um campo de trabalho e depois teve o braço ainda mais ferido por médicos do exército incompetentes. A lesão acabou com seu sonho de ser músico, então, ao chegar na África e notar sua beleza e cor, ele aproveitou a oportunidade para aprender a desenhar e pintar com a mão esquerda. Seu trabalho daquela época é extraordinário, mostrando que mesmo com sua mão não dominante ele possuía uma habilidade incomum de pintar a partir da realidade. Mas ele não tinha desejo de pintar o que havia visto e vivido. Em vez disso, buscou assuntos abstratos que pudessem ajudá-lo a esquecer o passado e pintar algo universal.

Julian Stanczak - A Vida da Superfície, Pinturas 1970 – 1975, vista da instalação na Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

Chegando em Ohio

Assim que pôde, Stanczak veio para a América, onde se juntou a membros de sua família que estavam vivendo em Ohio. Ele achou a cidade de Cleveland bem adequada às suas ambições artísticas, descobrindo lá uma vibrante sinfonia e um museu de arte. Ele se matriculou em aulas de arte na Art Academy of Cincinnati, e foi lá que realmente começou a se concentrar especificamente no elemento da cor. Mas ele descobriu rapidamente que ninguém em sua escola era capaz de ensinar tudo o que ele queria saber. Disse Stanczak: “Eu estava apreciando a cor. E eu queria saber mais sobre isso. E ninguém respondeu às minhas perguntas. Então eu ouvi que Albers é um especialista. E onde ele está ensinando? Em Yale. Então eu vou para Yale."

Por Albers, Stanczak estava se referindo a Joseph Albers, um dos principais especialistas modernistas em cor. Joseph Albers e sua esposa Anni foram professores influentes na Bauhaus antes da Segunda Guerra Mundial. Quando os nazistas forçaram o fechamento da Bauhaus, eles viajaram para a Carolina do Norte a convite para ensinar no Black Mountain College. Mais tarde, mudaram-se para Yale. Ao ouvir que Albers era o principal especialista em cor do mundo, Stanczak se inscreveu em Yale para estudos de pós-graduação. E enquanto estudava sob Albers, ele se convenceu de que, de fato, tudo o que ele havia desejado expressar poderia ser expresso com cor, juntamente com a simples adição de linha.

Julian Stanczak - A Vida da Superfície, Pinturas 1970 – 1975, vista da instalação na Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

O Olho Responsivo

Dois anos após sua primeira exposição na Martha Jackson Gallery, aquela que levou à criação do termo Op Art, o Museu de Arte Moderna de Nova York montou sua ambiciosa exposição de arte abstrata geométrica chamada The Responsive Eye. Julian Stanczak foi incluído na mostra, assim como seu professor em Yale, Joseph Albers, a mencionada Bridget Riley e Victor Vasarely, e 95 outros artistas de 15 países. Essa exposição desde então se tornou famosa por introduzir o Op Art na imaginação pública mais ampla. Mas na época, o MoMA nunca usou o termo Op Art para se referir ao trabalho na mostra. Em vez disso, o museu usou termos como percepção para destacar sua exploração das novas maneiras que os artistas estavam usando geometria, cor, superfície, linha e luz para examinar como as pessoas veem.

Como disse William C. Seits, que dirigiu a exposição The Responsive Eye, no comunicado de imprensa do evento, “these works exist less as objects to be examined than as generators of perceptual responses in the eye and mind of the viewer. Using only lines, bands and patterns, flat areas of color, white, gray or black or cleanly cut wood, glass, metal and plastic, perceptual artists establish a new relationship between the observer and a work of art. These new kinds of subjective experiences...are entirely real to the eye even though they do not exist physically in the work itself.” The Responsive Eye deu um enorme impulso à carreira de Julian Stanczak, assim como a muitos outros artistas da exposição. Mas Stanczak não se mudou para Nova York, onde poderia facilmente ter desfrutado de imensa fama. Em vez disso, ele permaneceu baseado em Cleveland, onde atuou como professor de pintura por 38 anos no Cleveland Institute of Art.

Julian Stanczak - A Vida da Superfície, Pinturas 1970 – 1975, vista da instalação na Mitchell-Innes and Nash NY, 2017

Lembrando Julian Stanczak

De sua casa em Cleveland, longe das capitais do mundo da arte, Stanczak continuou explorando cor e luz em suas pinturas pelo resto de sua vida. Seu meticuloso processo de aplicar camadas de tinta com sua mão esquerda, que não era a dominante, era demorado e trabalhoso. Mas em seu processo ele encontrou alegria e libertação, as quais emanam em profusão de seu trabalho. Ao longo das décadas, suas pinturas foram adquiridas por quase 100 museus ao redor do mundo, embora ele tenha sido praticamente ignorado por galerias em Nova York.

Mas finalmente, em 2004, Stanczak retornou a Nova York com exposições solo consecutivas na Stefan Stux Gallery. E ao longo da próxima década, ele participou de várias exposições coletivas na cidade, gradualmente se tornando novamente proeminente na mente do público comprador de arte. Então, em 2014, ele teve sua primeira exposição na Mitchell-Innes & Nash. A atual exposição póstuma de seu trabalho é perfeitamente subtitulada, já que Stanczak realmente passou uma vida trazendo vida às superfícies de suas pinturas. Ela ficará em cartaz até 24 de junho de 2017, então apresse-se se você quiser vê-la. Mas se você perder, não se preocupe. À medida que o mundo percebe o gênio que perdeu, provavelmente será apenas a primeira exposição a celebrar o legado deste mestre da cor e da linha.

Imagem em destaque: Julian Stanczak - A Vida da Superfície, Pinturas 1970 – 1975, vista da instalação na Mitchell-Innes & Nash, NY, 2017

Todas as imagens cortesia de Mitchell-Innes e Nash

Por Phillip Park