Artigo: Cubismo Sintético Explicado - Planos, Formas e Pontos de Vista
Cubismo Sintético Explicado - Planos, Formas e Pontos de Vista
Pablo Picasso, o pai do Cubismo, era famoso por sua vontade de evoluir. Depois de inventar o Cubismo Analítico em 1907, ele poderia facilmente ter continuado pintando nesse estilo por décadas e ainda assim ter ficado rico e famoso. Mas, em vez disso, continuou experimentando e ajudou a inventar o que ficou conhecido como Cubismo Sintético em 1911, acrescentando ao Cubismo Analítico uma paleta de cores ampliada, novas texturas, formas mais simples, novos materiais e uma simplificação do uso do ponto de vista e do plano. Desde sua invenção até por volta de 1920, o Cubismo Sintético foi considerado o auge da vanguarda. Ele ampliou o leque de maneiras pelas quais os pintores podiam explorar a realidade e contribuiu para o surgimento dos dadaístas, dos surrealistas e até da Pop Art.
O Cubismo Sintético em 200 palavras
O Cubismo Sintético resultou do afastamento dessas mesmas técnicas, em uma tentativa de criar algo ainda mais real. Picasso, Braque e o pintor Juan Gris acrescentaram uma gama vibrante de cores às suas obras, reintroduziram a profundidade e reduziram o número de perspectivas e planos simultâneos em suas imagens. Mais importante ainda, para dar a maior sensação de realidade possível às suas pinturas, começaram a acrescentar papel, tecido, papel-jornal, texto e até areia e sujeira às suas obras, tentando trazer à tona a essência total de seu tema.
Pablo Picasso - Natureza-morta com empalhamento de cadeira, 1912, Óleo sobre oleado aplicado sobre tela com bordas de corda
Musée National Picasso, Paris, © Artists Rights Society (ARS), New York
Novos materiais e técnicas
Em 1912, Picasso criou a obra de arte considerada o primeiro exemplo de colagem e um exemplo marcante do Cubismo Sintético: Natureza-morta com empalhamento de cadeira. A obra é uma representação cubista de uma mesa de café com uma seleção de alimentos, um jornal e uma bebida. Além das técnicas tradicionais, Picasso acrescentou à superfície da pintura um trecho do entrançado de uma cadeira de vime, tradicionalmente encontrado em cadeiras de café. Essa adição aparentemente trivial teve consequências enormes para a Arte Moderna. Em vez de pintar uma cadeira, parte de uma cadeira foi de fato colocada sobre a pintura. Em vez de mostrar algo de múltiplas perspectivas para que parecesse real, Picasso simplesmente colocou o objeto real, ou pelo menos parte dele, diretamente na obra.
Picasso também adicionou texto a essa obra, escrevendo as letras “JOU” em parte da superfície. Essa palavra, “Jou”, poderia ser literalmente traduzida como “jogo” em francês, fato que contribuiu para a impressão de muitas pessoas de que Picasso pretendia que o cubismo sintético trouxesse de volta à arte um senso de frivolidade após a seriedade acadêmica do cubismo analítico. No entanto, “JOU” também poderia facilmente ter sido pensado como o início do termo francês para jornal diário, ou journal, uma referência ao fragmento de jornal visto na imagem.
Embora tenha sido o primeiro a adicionar aquele pedaço de palhinha de cadeira à sua obra, Picasso não foi o primeiro cubista a adicionar texto a uma pintura. Em 1911, Georges Braque havia criado uma obra chamada O português, que foi a primeira obra cubista a introduzir letras. Tanto na primeira colagem de Picasso quanto na primeira obra textual de Braque, é evidente um afastamento da natureza séria e excessivamente complexa de algumas de suas obras cubistas analíticas posteriores. Há uma simplicidade lúdica nas imagens dessas obras de arte. As perspectivas são simplificadas e as imagens estão se tornando quase divertidas, semelhantes às imagens antropomórficas em anúncios publicitários.
Georges Braques - O português, 1911, óleo sobre tela, Musée National Picasso, Paris
© Artists Rights Society (ARS), Nova York
Em 1912, Braque romperia novos limites pelo menos mais duas vezes. Naquele ano, ele se tornou o primeiro pintor cubista a adicionar areia a uma pintura para conferir níveis de textura e profundidade à obra, além de se tornar o primeiro a incorporar a técnica conhecida como papier collé, que se refere à colagem de pedaços de papel recortados sobre uma superfície. As duas técnicas foram usadas em sua obra intitulada Fruteira e copo. Nessa pintura, ele aplicou pedaços recortados de papel de parede diretamente sobre a superfície e, em seguida, sombreou a obra usando tinta misturada com areia, adicionando profundidade e textura à imagem.
Braque também incluiu texto nesta obra, usando as palavras claramente definidas e fáceis de ler “Ale” e “Bar”. Essas palavras desafiam as linhas que separam as imagens publicitárias da chamada alta arte. A combinação dessas três técnicas acabaria se tornando uma grande influência para os dadaístas, que dependiam muito da colagem e do texto para confundir e obscurecer os significados aparentes de suas obras e desafiar as noções burguesas de arte.
Georges Braque - Fruteira e copo, 1912, 62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), Nova York
Planos, formas, pontos de vista e cores
O artista mais responsável por introduzir cores vibrantes no Cubismo Sintético foi o pintor cubista espanhol Juan Gris. Gris também utilizou uma linguagem visual substancialmente simplificada, que demonstra com maestria o número reduzido de pontos de vista e o uso simplificado de formas e planos que definem o Cubismo Sintético. Em sua obra Natureza-morta com jornal e fruteira, vemos todos esses elementos em ação. Também podemos perceber, nessa mesma pintura, muitas das razões pelas quais o Cubismo Sintético é frequentemente visto como um precursor da Pop Art.
Não se trata apenas do fato de os cubistas sintéticos brincarem com as noções de uma fronteira indistinta entre a arte erudita e a arte popular, e entre a arte e a publicidade. Esta pintura também evoca de maneira surpreendente os pontos Ben-Day de Roy Lichtenstein e parece antecipar quase identicamente a repetição, a disposição das imagens e a paleta de cores de Buffalo II, de Robert Rauschenberg.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, Óleo e tinta serigráfica sobre tela.
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
As primeiras pinturas cubistas analíticas incorporavam tantos pontos de vista diferentes que a complexidade das imagens se tornava quase impossível de desvendar. Seus temas pareciam abstraídos a ponto de serem irreconhecíveis: cada ponto de vista era representado por formas geométricas separadas em um plano distinto, e cada plano parecia empilhado sobre os demais e depois novamente achatado. E as formas geométricas utilizadas nas pinturas cubistas analíticas às vezes pareciam quase transparentes. Elas eram pintadas de uma maneira que demonstrava velocidade, vibração e movimento. Representavam diferentes momentos do dia, diferentes iluminações e diferentes pontos de vista.
Juan Gris - Natureza-morta com jornal e fruteira, 1916, Óleo sobre tela
Museu Solomon R. Guggenheim, Nova York
Ao adicionar uma paleta de cores vibrantes de volta às pinturas cubistas, Juan Gris conferiu ao estilo uma sensação de ludicidade e entusiasmo que faltava nas obras cubistas anteriores. E o vocabulário visual simplificado de Gris apresentou a ideia de que o Cubismo poderia alcançar seus objetivos de maneira direta, simplificada e esteticamente agradável. Em sua pintura O Violino, Gris utiliza o número mínimo absoluto de pontos de vista, formas e planos para que a obra ainda seja considerada cubista. A imagem resultante parece mais um exemplo da sugestão do Cubismo do que de sua definição rigorosa.
Juan Gris - O Violino, 1916, Óleo sobre painel triplo
Kunstmuseum, Basileia
Sintético: Outra Palavra Para Falso?
Ao adicionar escrita e pedaços de objetos do cotidiano às suas pinturas, Picasso, Braque e Gris buscavam estabelecer uma conexão com uma percepção ampliada da realidade de seus temas. Mas, ao acrescentar esses elementos artificiais às suas obras, também criavam algo patentemente irreal e diferente de qualquer obra cubista que havia surgido antes. Às vezes, chegavam a pintar formas que pareciam colagens, misturando elementos de colagem imitados com elementos reais de colagem na mesma obra. Esse novo estilo recebeu o nome de cubismo sintético precisamente por esse motivo: pela natureza artificial das técnicas utilizadas em relação à seriedade da obra cubista que o havia precedido.
O cubismo sintético era mais simbólico do que o cubismo analítico. Não buscava alcançar uma visão ampliada da realidade quadridimensional. Em vez disso, buscava sugerir a realidade, mas de forma distorcida. Foi uma transformação que contribuiu imensamente para as teorias e investigações em torno do surrealismo.
O cubismo sintético também desafiou as diferenças entre pintura e escultura. Em vez de fragmentar a imagem e depois remontá-la a partir de várias perspectivas diferentes, o cubismo sintético montava a imagem, construindo-a a partir de uma superfície plana até transformá-la em um objeto com várias camadas, como um objeto tridimensional apoiado sobre uma superfície bidimensional. Em todos esses aspectos, o cubismo sintético alcançou suas realizações por meio de um paradoxo claro e intencional: ao criar obras cada vez mais falsas, eles alcançaram algo cada vez mais real.
Cor, Colagem e Espaço Construído na Arte Contemporânea
O cubismo sintético também oferece uma forma de observar a abstração contemporânea. Uma pintura não precisa representar um violão ou uma mesa de café para levantar questões sobre formas montadas, planos sobrepostos e a relação entre uma imagem e sua superfície. Os artistas a seguir abordam essas questões de maneiras distintas. Suas obras não são exemplos do cubismo sintético histórico, mas convidam a comparações com seus experimentos de construção e cor.
Jeremy Annear: Planos Sobrepostos e Espaço Pictórico
Jeremy Annear constrói suas pinturas por meio de camadas de formas, cor e tinta, e seu trabalho compartilha afinidades reconhecidas com Braque e Picasso, assim como com os artistas de St Ives. Em Metrographic II No.8, um plano branco inclinado interrompe um campo terroso, enquanto estruturas pretas, curvas vermelhas e áreas de textura estabelecem relações espaciais conflitantes. O olhar se move entre a aparente solidez das formas e a abertura das linhas desenhadas. Para um leitor atraído pela interação entre superfície e estrutura em Braque, isso oferece um ponto de comparação contemporâneo sem reproduzir temas cubistas.
Dana Gordon: Formas Coloridas Dentro de um Todo Maior
As composições caleidoscópicas de Dana Gordon foram relacionadas ao cubismo órfico, uma comparação distinta, não um sinônimo de cubismo sintético. Seu trabalho oferece outro caminho para o prazer da cor e da forma construída discutido aqui. Em New Space, quadrados de cores sólidas pontuam uma densa grade de motivos espirais pintados. Esses blocos mais discretos parecem flutuar sobre a superfície movimentada, criando uma tensão entre as formas individuais e a composição como um todo. Gordon considera as formas adjacentes e os agrupamentos como pequenas pinturas dentro de uma pintura maior, uma ideia que recompensa tanto o olhar atento quanto a observação à distância.
Anne Katrine Senstad: Colagem a partir de Negativos Coloridos Escaneados
Nas Cosmosis Collages de Anne Katrine Senstad, a construção assume uma forma fotográfica. Como explica a artista, seus negativos originais foram escaneados e depois colados, não fotografados. Eles têm origem em seus primeiros trabalhos fotográficos abstratos de campos de cor, The Pink Project (2004–2007). Em Composition no 2C4 Blue, barras finas rosas, cor de pêssego e amarelas atravessam um campo azul-escuro, enquanto planos retangulares translúcidos sugerem camadas sob a superfície. A cor e a disposição, e não um objeto representado, estabelecem as relações espaciais da composição. Ao contrário do papel colado de Braque, esses elementos são reunidos por meio de um processo fotográfico escaneado. Com suas inspirações suprematistas e construtivistas documentadas, a série oferece uma comparação contemporânea com a capacidade da colagem de gerar uma imagem por meio das relações entre elementos separados.
Colecionando abstração contemporânea: materiais, preço e contexto
Para quem está considerando uma aquisição, essas comparações podem ajudar a esclarecer seu gosto. A atração está em uma superfície texturizada, em uma disposição rítmica de cores ou na ilusão de planos sobrepostos? Identificar essa preferência é um ponto de partida mais útil do que buscar uma obra contemporânea simplesmente porque ela se assemelha a uma famosa pintura histórica.
O que você deve procurar antes de comprar?
Comece pela obra individual: seus materiais, dimensões, estado de conservação e documentação. Pergunte como ela se insere na prática mais ampla do artista e analise o histórico de exposições e os registros de coleções que fundamentam sua apresentação. Para pinturas em camadas ou obras em técnica mista, solicite fotografias em close e informações sobre a construção da superfície. Para uma edição fotográfica como a obra Cosmosis selecionada de Senstad, oferecida em uma edição de seis exemplares mais duas provas do artista, confirme os detalhes da edição, as especificações de impressão e a documentação que a acompanha. Uma colagem fotográfica e uma pintura única podem compartilhar preocupações visuais e, ainda assim, ser objetos muito diferentes de possuir.
Como você deve pensar sobre preço e valor de mercado?
Importância histórica, afinidade visual e valor de mercado são questões distintas. A relação de um artista contemporâneo com ideias cubistas não coloca sua obra no mesmo mercado de um Picasso, Braque ou Gris original. Ao comparar preços, procure obras realmente comparáveis do mesmo artista, levando em conta o meio, a escala, a data e se a obra é única ou produzida em edição. Um preço pedido não é o mesmo que um preço de venda realizado, e uma edição limitada, por si só, não determina a demanda futura. O histórico de exposições e o reconhecimento crítico oferecem contexto, não uma promessa de valorização ou de revenda fácil.
O que envolve conviver com a obra?
Considere o enquadramento, a entrega, o seguro e qualquer instalação especializada além do preço de compra. Peça orientações de conservação adequadas aos materiais, especialmente para superfícies fotográficas e construções em camadas, e pense na luz e no espaço em que a obra será exposta. A conexão mais gratificante com a história da arte pode, no fim, ser pessoal: entender por que uma obra prende sua atenção e descobrir como sua cor, estrutura e superfície continuam a mudar ao ser observada repetidamente.
Imagem em destaque: Pablo Picasso - Três músicos, 1921 (detalhe), ©Artists Rights Society (ARS), Nova York
Todas as imagens são usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio (2016)
Editado pelo Editorial da IdeelArt (2026)
Obras de arte relacionadas
