Por que a Crítica de Arte Rosalind Krauss Ainda é Crucial para a Abstração

Rosalind Krauss é considerada por muitos artistas, educadores de arte e profissionais do mundo da arte como a crítica de arte mais importante viva. E embora seja inegável que, através de seus escritos, ela tenha disseminado algumas das teorias de arte mais influentes dos últimos cinquenta anos, não consigo entender por que ela é rotulada com essa palavra: crítica. De acordo com meu entendimento do que ela faz, Krauss não é uma crítica. Ela é uma anti-crítica. Ela é alguém que pensa profundamente sobre arte e escreve sobre isso, mas que não define a maneira como o resto de nós deve valorizá-la. Ela é uma escritora de arte. Ela é uma defensora da arte. Ela é uma protetora da arte. Mas crítica? Quem precisa disso? Artistas certamente não têm utilidade para críticas. A única coisa que um artista precisa ouvir é elogios. Crítica é para o mercado. É uma maneira de manter padrões de gosto. Mas não existe tal coisa como arte "boa" ou arte "ruim". A única coisa que os críticos de arte realmente acabam fazendo é iniciar discussões, arruinar a diversão e limitar possibilidades. Eles espalham entre as massas julgamentos de valor subjetivos e muitas vezes não fundamentados. Eles influenciam a opinião pública com base nas opiniões de uma minoria de um. Mas o que Krauss passou a vida fazendo, na minha opinião, é exatamente o oposto. Ela expandiu as possibilidades dos artistas. Ela desafiou o status quo e, por mais de cinco décadas, tem continuamente ampliado a maneira como as pessoas se sentem empoderadas para olhar, falar e escrever sobre arte. Quanto a mim, Krauss me ensinou através de sua escrita que a coisa mais importante que posso fazer em serviço de uma obra de arte é descrevê-la. Ela me mostrou que uma descrição cuidadosa e precisa é o maior elogio que posso dar a um artista ou a uma obra de arte, muito mais alto do que chegar à fase de julgamento: dizer que algo é "bom" ou que eu "gosto" de algo. O gosto é subjetivo. O julgamento é manipulativo. A descrição precisa demonstra que alguém respeitou a obra o suficiente para olhar de perto e traduzi-la honestamente em uma linguagem simples que todos possam entender.

A Jovem Rosalind Krauss

Rosalind Krauss nasceu em 1941 em Washington, D.C. Seu pai era advogado do Departamento de Justiça dos Estados Unidos. Ele frequentemente levava Rosalind para visitar a Galeria Nacional de Arte. Foi lá que ela começou a desenvolver o desejo e a habilidade de falar intelectualmente sobre o valor da arte moderna. Em uma entrevista de 2016 com Dylan Kerr para a Artspace, Krauss lembrou que seu pai era crítico da arte moderna. Mas mesmo quando jovem, ela se sentia impulsionada a defender o trabalho. Ela tinha a ideia de que era vital e defendia regularmente isso para seu pai enquanto passeavam pelo museu. “Eu adotei uma certa militância”, ela diz, “pois eu tinha que tentar convencer meu pai de que essas obras de arte modernas não eram falsas, que eram realmente importantes. Isso aguçou meu desejo de explicar.”

Matriculando-se no Wellesley College em 1958, ela começou o que se tornou uma carreira acadêmica vitalícia dedicada à ideia de explicar a importância da arte. Ela estudou história da arte e começou a ler seriamente o que outros escritores de arte tinham a dizer sobre as tendências predominantes do momento. Foi um período emocionante para a arte americana. O Expressionismo Abstrato estava no auge de seu poder, e artistas que se opunham a ele ou que eram inspirados por ele estavam movendo a paisagem da arte americana em uma infinidade de direções fascinantes: Arte Conceitual, Arte de Instalação, Earth Works e Land Art, Arte de Performance, Arte de Luz e Espaço, e Minimalismo, apenas para citar alguns. Krauss era perspicaz e perceptiva. Embora fosse uma rápida estudiosa da história, ela também desenvolveu suas próprias ideias sobre o que estudava. E, nesse processo, ela enfrentou uma dura realidade da época: o ponto de vista restrito de como era aceitável falar sobre arte e o pequeno número de vozes influentes que a definiam.

Rosalind Krauss - The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths (MIT Press), book cover

Os Bergs

Os dois críticos de arte mais influentes do meio do século XX foram Harold Rosenberg e Clement Greenberg. Clement Greenberg foi responsável por fazer as carreiras de alguns dos artistas mais famosos do período pós-guerra. Ele é mais conhecido por defender os Expressionistas Abstratos brancos e homens, como Jackson Pollock e Willem de Kooning, e por ignorar mulheres e artistas de cor. A maneira mais simples de descrever a forma como Greenberg escrevia sobre arte é dizer que ele era um formalista. Ele falava sobre pinturas não em termos de seu conteúdo, sua narrativa ou seu significado cultural. Ele falava sobre elas em termos de cor, linha, forma, qualidades de superfície e especificidade do meio.

Harold Rosenberg falou sobre arte usando uma linguagem diferente da que Clement Greenberg usou. Rosenberg poderia ser descrito de forma mais simples como um crítico que se concentrou nos elementos poéticos da arte. Ele escreveu sobre a capacidade de certos artistas de criar obras contemplativas e sobre as qualidades transcendentais de sua arte. Tanto Greenberg quanto Rosenberg eram amplamente respeitados e continuam a ser levados a sério hoje. Em grande medida, eles são heróis porque legitimaram em grande parte a abstração na consciência americana. Cada um à sua maneira, esses dois críticos ensinaram os americanos do pós-guerra que a arte abstrata era maior, mais profunda e mais complicada do que parecia para a maioria das pessoas na época. Eles elevaram a abstração ao mesmo prestígio que a arte realista que preenchia museus e livros de história. Mas, de outra forma, ambos os críticos representavam uma maneira antiga de falar sobre arte. Eles se engajavam com ela de uma maneira estruturada, enraizada nas tradições do passado. Eles a julgavam e faziam julgamentos de valor com base em agendas que se encaixavam na estrutura de poder existente da sociedade, e dessa forma limitavam o que a arte poderia se tornar.

Rosalind Krauss - Perpetual Inventory (October Books), book cover

Escrita Artística Pós-Estruturalista

Após sua graduação em Wellesley, Rosalind Krauss foi para Harvard, onde obteve seu Ph.D. em 1969. Enquanto ainda era estudante, começou a escrever sobre arte na Artforum. Inicialmente, ela tinha uma afinidade pelo trabalho de Clement Greenberg. Mas, com o tempo, ela passou a adotar um ponto de vista Pós-Estruturalista. Basicamente, o Estruturalismo é a ideia de que o mundo pode ser compreendido em termos de estruturas identificáveis e descritíveis que, por sua vez, fazem com que tudo o mais faça sentido. A história é frequentemente discutida como uma série estruturada de eventos que levaram inevitavelmente ao mundo de hoje. Um crítico de arte estruturalista acredita que cada elemento de uma obra de arte pode ser compreendido em termos de como se relaciona com um sistema de pensamento estruturado existente. E, inversamente, o Pós-Estruturalismo essencialmente desafia essa ideia.

A escrita de arte pós-estruturalista não é crítica na medida em que não busca um julgamento final de uma obra de arte. O pós-estruturalismo convida a múltiplas interpretações. Ele defende a avaliação individual. Rejeita a autoridade das estruturas herdadas. Defende falar sobre as coisas de maneiras que questionem o status quo. Reconhece que estruturas sociais históricas sustentam uma forma de ver e interagir com o mundo que se encaixa nas narrativas existentes dos detentores de poder. Os pós-estruturalistas acreditam que, ao desafiar essas formas de ver e interagir com o mundo, um mundo mais diverso, equitativo, experimental e interessante pode emergir: um que, em última análise, também será mais verdadeiro.

Rosalind Krauss - Bachelors, book cover

Na grade

Após dez anos escrevendo para a Artforum, Rosalind Krauss saiu para co-fundar um novo jornal de arte com Annette Michelson, chamado October. A ideia do October era promover novas maneiras de pensar sobre arte. O jornal foi nomeado em homenagem ao mês que marcou o início da Revolução Bolchevique. Nas páginas do October, Krauss publicou sua escrita sobre arte mais influente. No Volume 8, ela publicou seu ensaio Escultura no Campo Expandido, que explicou um ponto de vista vastamente expandido sobre escultura. O ensaio não descreveu uma maneira específica de definir escultura, mas sim iniciou uma conversa sobre como falar sobre tendências da arte plástica sem ter que definir rigidamente o que elas são. Este ensaio perdura como um fio de esperança para artistas experimentais e multidisciplinares hoje.

E no Volume 9 de outubro, Krauss publicou um ensaio chamado Grids, que é considerado por muitas pessoas hoje como um dos ensaios mais importantes do século XX que explicam a abstração. O ensaio explora a história do uso de grades na arte e contempla as várias maneiras pelas quais os artistas reduziram seu trabalho a explorações da grade. O que é notável sobre o ensaio, na minha opinião, é que, apesar de ser academicamente informado e altamente descritivo, é aberto e chega a poucas conclusões. Uma generalização à qual Krauss chega é a ideia de que as grades são, em última análise, simbólicas. Mas no que diz respeito ao que elas simbolizam, isso fica em aberto. Krauss apresenta muitos exemplos, abrindo muitas possibilidades, e os fundamenta com exemplos educados. Mas, no final, ela descreve muito mais do que julga. E isso, para mim, é seu maior legado. Ela abre a porta para o que pode vir a seguir e permite que o futuro da arte se desenrole como quiser.

Rosalind Krauss - The Optical Unconscious, book cover

Imagem em destaque: Rosalind Krauss, foto de Judy Olausen, c.1978

Por Phillip Park