Por que a Crítica de Arte Rosalind Krauss Ainda é Crucial para a Abstração

Rosalind Krauss é considerada por muitos artistas, educadores de arte e profissionais do mundo da arte como a crítica de arte mais importante viva. E embora seja inegável que, por meio de seus escritos, ela tenha difundido algumas das teorias de arte mais influentes dos últimos cinquenta anos, para mim é impossível entender por que ela é rotulada com essa palavra: crítica. Segundo meu entendimento do que ela faz, Krauss não é uma crítica. Ela é uma anti-crítica. É alguém que pensa profundamente sobre arte e escreve sobre ela, mas que não define a forma como o resto de nós deve valorizá-la. Ela é uma escritora de arte. Ela é uma defensora da arte. Ela é uma protetora da arte. Mas crítica? Quem precisa disso? Artistas certamente não têm utilidade para crítica. A única coisa que um artista precisa ouvir é elogio. Crítica é para o mercado. É uma forma de manter padrões de gosto. Mas não existe algo como “arte boa” ou “arte ruim”. A única coisa que os críticos de arte realmente acabam fazendo é iniciar discussões, estragar a diversão e limitar possibilidades. Eles espalham entre as massas julgamentos de valor subjetivos e muitas vezes infundados. Influenciam a opinião pública com base nas opiniões de uma minoria de um. Mas o que Krauss passou a vida fazendo, na minha opinião, é exatamente o oposto. Ela ampliou as possibilidades dos artistas. Ela desafiou o status quo e, por mais de cinco décadas, ampliou continuamente a forma como as pessoas se sentem autorizadas a olhar, falar e escrever sobre arte. Quanto a mim, Krauss me ensinou por meio de seus escritos que a coisa mais importante que posso fazer a serviço de uma obra de arte é descrevê-la. Ela me mostrou que uma descrição cuidadosa e precisa é o maior elogio que posso dar a um artista ou a uma obra de arte, muito maior do que chegar à fase do julgamento: dizer que algo é “bom” ou que eu “gosto” de algo. Gosto é subjetivo. Julgamento é manipulativo. Descrição precisa demonstra que alguém respeitou a obra o suficiente para observá-la atentamente e traduzi-la honestamente em linguagem simples que todos possam entender.

A Jovem Rosalind Krauss

Rosalind Krauss nasceu em 1941 em Washington, D.C. Seu pai era advogado do Departamento de Justiça dos Estados Unidos. Ele frequentemente levava Rosalind para visitar a National Gallery of Art. Foi lá que ela começou a desenvolver o desejo e a habilidade de falar intelectualmente sobre o valor da arte Moderna. Em uma entrevista de 2016 com Dylan Kerr para a Artspace, Krauss lembrou que seu pai era crítico da arte Moderna. Mas mesmo jovem, ela se sentia impulsionada a defender a obra. Tinha a ideia de que ela era vital e frequentemente a defendia para seu pai enquanto visitavam o museu. “Adotei uma certa militância”, diz ela, “pois tinha que tentar convencer meu pai de que essas obras modernas de arte não eram falsas, que eram realmente importantes. Isso aguçou meu desejo de explicar.”

Ao ingressar no Wellesley College em 1958, ela iniciou o que se tornou uma carreira acadêmica vitalícia dedicada à ideia de explicar a importância da arte. Estudou história da arte e começou a ler seriamente o que outros escritores de arte diziam sobre as tendências predominantes do momento. Era uma época emocionante para a arte americana. O Expressionismo Abstrato estava no auge de seu poder, e artistas que eram contrários a ele ou inspirados por ele estavam movendo o cenário artístico americano em múltiplas direções fascinantes: Arte Conceitual, Arte de Instalação, Trabalhos Terrestres e Arte da Terra, Arte Performática, Arte da Luz e do Espaço, e Minimalismo, só para citar alguns. Krauss era perspicaz e perceptiva. Embora aprendesse rapidamente a história, também desenvolveu suas próprias ideias sobre o que estudava. E no processo enfrentou uma dura realidade da época: o ponto de vista estreito sobre como era aceitável falar sobre arte e o pequeno número de vozes influentes que a definiam.

Rosalind Krauss - A Originalidade da Vanguarda e Outros Mitos Modernistas (MIT Press), capa do livro

Os Bergs

Os dois críticos de arte mais influentes da metade do século XX foram Harold Rosenberg e Clement Greenberg. Clement Greenberg foi responsável por impulsionar as carreiras de alguns dos artistas mais famosos do período pós-guerra. Ele é mais conhecido por defender os Expressionistas Abstratos brancos e masculinos como Jackson Pollock e Willem de Kooning, e por ignorar mulheres e artistas negros. A forma mais simples de descrever como Greenberg escrevia sobre arte é dizer que ele era formalista. Ele falava sobre pinturas não em termos de seu conteúdo, narrativa ou significado cultural, mas em termos de cor, linha, forma, qualidades da superfície e especificidade do meio.

Harold Rosenberg falava sobre arte usando uma linguagem diferente da de Clement Greenberg. Rosenberg poderia ser descrito simplesmente como um crítico que focava nos elementos poéticos da arte. Ele escrevia sobre a capacidade de certos artistas de criar obras contemplativas e sobre as qualidades transcendentais de sua arte. Tanto Greenberg quanto Rosenberg eram amplamente respeitados e continuam a ser levados a sério hoje. Em grande medida, eles são heróis porque legitimaram amplamente a abstração na consciência americana. Cada um à sua maneira, esses dois críticos ensinaram aos americanos do pós-guerra que a arte abstrata era maior, mais profunda e mais complexa do que parecia para a maioria das pessoas na época. Eles elevaram a abstração ao mesmo prestígio da arte realista que preenchia museus e livros de história. Mas, de outra forma, ambos representavam uma forma antiga de falar sobre arte. Eles a abordavam de maneira estruturada, enraizada nas tradições do passado. Julgavam e faziam avaliações de valor baseadas em agendas que reforçavam a estrutura de poder existente na sociedade e, assim, limitavam o que a arte poderia se tornar.

Rosalind Krauss - Inventário Perpétuo (October Books), capa do livro

Escrita de Arte Pós-Estruturalista

Após se formar em Wellesley, Rosalind Krauss foi para Harvard, onde obteve seu doutorado em 1969. Ainda estudante, começou a escrever sobre arte na Artforum. Inicialmente, tinha afinidade pelo trabalho de Clement Greenberg. Mas com o tempo passou a adotar um ponto de vista Pós-Estruturalista. Basicamente, o Estruturalismo é a ideia de que o mundo pode ser compreendido em termos de estruturas identificáveis e descritíveis que, por sua vez, fazem todo o resto fazer sentido. A história é frequentemente tratada como uma série estruturada de eventos que levaram inevitavelmente ao mundo de hoje. Um crítico de arte estruturalista acredita que cada elemento de uma obra pode ser entendido em termos de como ele se relaciona a um sistema estruturado de pensamento existente. E, inversamente, o Pós-Estruturalismo desafia essencialmente essa ideia.

A escrita de arte Pós-Estruturalista não é crítica no sentido de buscar um julgamento final sobre uma obra de arte. O Pós-Estruturalismo convida a múltiplas interpretações. Defende a avaliação individual. Rejeita a autoridade de estruturas herdadas. Defende falar sobre as coisas de maneiras que questionem o status quo. Reconhece que as estruturas sociais históricas sustentam uma forma de ver e interagir com o mundo que se encaixa nas narrativas existentes dos detentores do poder. Os Pós-Estruturalistas acreditam que, ao desafiar essas formas de ver e interagir com o mundo, pode emergir um mundo mais diverso, justo, experimental e interessante: um que, em última análise, também será mais verdadeiro.

Rosalind Krauss - Solteiros, capa do livro

Sobre a Grade

Após dez anos escrevendo para a Artforum, Rosalind Krauss saiu para cofundar uma nova revista de arte com Annette Michelson, chamada October. A ideia da October era promover novas formas de pensar sobre arte. A revista foi nomeada em homenagem ao mês que marcou o início da Revolução Bolchevique. Nas páginas da October, Krauss publicou seus escritos de arte mais influentes. No Volume 8, publicou seu ensaio Escultura no Campo Expandido, que explicou um ponto de vista amplamente expandido da escultura. O ensaio não descreveu uma forma específica de definir escultura, mas iniciou uma conversa sobre encontrar uma maneira de falar sobre tendências da arte plástica sem precisar defini-las rigidamente. Este ensaio permanece como um fio condutor para artistas experimentais e multidisciplinares hoje.

E no Volume 9 da October, Krauss publicou um ensaio chamado Grades, que é considerado por muitas pessoas hoje como um dos ensaios mais importantes do século XX explicando a abstração. O ensaio explora a história do uso de grades na arte e contempla as várias formas pelas quais os artistas reduziram seu trabalho a explorações da grade. O que é notável no ensaio, na minha opinião, é que, apesar de ser academicamente informado e altamente descritivo, ele é aberto e chega a poucas conclusões. Uma generalização que Krauss faz é a ideia de que as grades são, em última análise, simbólicas. Mas quanto ao que simbolizam, isso fica em aberto. Krauss apresenta muitos exemplos, abrindo muitas possibilidades, e os fundamenta com exemplos educados. Mas, no final, ela descreve muito mais do que julga. E isso, para mim, é seu maior legado. Ela abre a porta para o que pode vir a seguir e permite que o futuro da arte se desenrole como quiser.

Rosalind Krauss - O Inconsciente Óptico, capa do livro

Imagem em destaque: Rosalind Krauss, foto de Judy Olausen, c.1978

Por Phillip Barcio