Импасто живопись в абстрактном искусстве

Возможно, самым символичным зданием в Америке является One World Trade Center в Нижнем Манхэттене. Будучи центральным элементом комплекса, который заменил башни-близнецы, разрушенные в 2001 году, само его существование является мощным заявлением. К его символике заметно добавляют два огромных, абстрактных импасто живописи, постоянно установленных в вестибюле южного входа. Здание прозвали Башней Свободы, и оно является самым высоким зданием в Западном полушарии. Его высота — 1776 футов: сознательная отсылка к году, когда Америка провозгласила свою независимость. Упомянутые импасто картины, украшающие стены южного вестибюля, созданы американским художником Дональдом Мартини. Одна из картин называется Lenape, а другая — Unami. Названия отсылают к доколумбовой истории Нью-Йорка. Ленапе — коренной народ, который изначально населял землю, на которой построена Башня Свободы. Унами — диалект ленапе. На вершине Башни Свободы находится смотровая площадка под названием One World Observatory. Насколько хватает глаз с этой площадки, вся окружающая среда когда-то поддерживала культуру ленапе. Что же передаёт это здание? Оно было спроектировано как памятник одной из самых страшных террористических атак в истории человечества. Оно выдвигает идеи единого мира, свободы, независимости и торговли. Оно побуждает посетителей смотреть в долгосрочной перспективе. И его самые заметные произведения искусства названы в честь тех, кто был порабощён для создания нации, ответственной за его возведение. Какой диалог здесь происходит? Каков смысл всей этой символики? Возможно, есть чему научиться у самих произведений и у тех абстрактных качеств, которые представляет импасто живопись.

Тень и свет

Термин импасто происходит от итальянского слова, означающего тесто. В живописи он обозначает технику нанесения толстых слоёв краски на поверхность для придания произведению текстурного измерения. Итальянский художник XVI века Тициан был одним из первых, кто сознательно использовал технику импасто в своих работах. Он начал применять её в эпоху, когда картины ценились за гладкие поверхности и отсутствие видимых мазков кисти. Будучи мастером реалистичной живописи, Тициан понял, что, накапливая краску в определённых местах на поверхности, он может создавать вариации отражения света, придавая элементам картины живой вид.

Каждый мазок кисти в импасто живописи вызывает появление градаций цвета из теней, образующихся, когда свет падает на выступающую краску. В зависимости от положения источников света и точки зрения зрителя, импасто картина может изменяться тонкими способами, добавляя вариации глубины и усиливая ощущение реализма. В своём веке Тициан шёл против традиций, позволяя своим мазкам быть видимыми и показывая материальные свойства своего материала. Но он был настолько искусен в этой технике, что его влияние быстро распространилось. В XVII веке Рембрандт широко использовал импасто в своих работах. А к XIX веку техника была настолько признана, что Ван Гог сделал её своей фирменной манерой.

Ван Гог - Звёздная ночь, 1889. Масло на холсте. 29 x 36 1/4 дюйма. Коллекция MoMA. © Ван Гог (слева) и фрагмент (справа)

Абстрактные выражения

В начале XX века группа художников, называвших себя экспрессионистами, искала способы выразить внутренние эмоциональные состояния в своих картинах, а не просто запечатлеть внешнюю реальность. Они приняли импасто как одну из своих любимых техник. Толстые слои краски обладают множеством присущих качеств, таких как вес, глубина и тяжесть. Чем толще слой, тем больше тени он создаёт. Это абстрагирует изображение, искажая восприятие зрителем предмета. Экспрессионисты считали эту технику идеальной для передачи серьёзности, напряжённости и драмы.

В то же время, когда экспрессионизм набирал популярность, абстракция также становилась всё более важной для многих художников. Импасто оказалась идеальной техникой для абстрактных живописцев, поскольку помогала сместить акцент картины с сюжета на формальные качества произведения. Абстрактная импасто живопись, таким образом, не обязательно должна быть о чём-то, кроме самой краски. Ганс Хофманн был одним из особенно влиятельных абстрактных художников, который полностью принял импасто. Хофманн считал, что, сосредотачиваясь на формальных элементах эстетики, а не подражая реальности, художники могут выражать более глубокие истины. Он использовал импасто для выражения абстрактных качеств структуры, пространства, цвета, формы и иллюзии.

Ганс Хофманн - Лабурнум, 1954. Масло на льняном холсте. 40 x 50 дюймов (101,6 x 127 см). Частная коллекция. Предоставлено Tom Powel Imaging (слева) и фрагмент картины (справа)

Скульптурные измерения

Помимо того, что Хофманн был художником, он также был учителем. Многие из его учеников, такие как Хелен Франкенталер и Lee Krasner, жена Джексона Поллока, впоследствии стали ведущими фигурами движения абстрактного экспрессионизма. Хофманн оказал глубокое влияние на отношение этих художников к своим материалам. Поскольку целью многих абстрактных экспрессионистов было передать подсознательные чувства и запечатлеть на холсте эмоции и напряжённость самого процесса живописи, Хофманн внушил им, что материальные качества их материалов должны быть ключевым элементом их работ.

Он учил их, что «каждое средство выражения имеет свой собственный порядок бытия». В руках таких художников, как Джексон Поллок и Джейн Франк, импасто приобрело совершенно новое измерение, буквально. Джейн Франк создавала скульптурные слои материалов на своих импасто поверхностях. Джексон Поллок разбрызгивал, капал и лил краску в таких огромных количествах, что вес его импасто слоёв угрожал разрушить основу его работ. Абстрактные экспрессионисты также расширили понятие импасто, включая в него не только краску, но и необычные материалы и отходы, такие как битое стекло, камни, окурки. Добавляя необычные материалы и среды в свои импасто слои, эти художники выражали как концептуальную, так и физическую глубину.

Джейн Франк - Скалы и трещины, 1961. Масло и шпаклёвка на холсте. 70 x 50 дюймов. © Джейн Франк

Всё о краске

В ответ на эмоциональную напряжённость абстрактного экспрессионизма техника импасто вышла из моды у многих художников в 1960-х и 70-х годах, особенно у тех, кто был связан с минимализмом. Эти художники стремились создавать гладкие поверхности, устраняя следы индивидуального художника, создавшего работу. Для создания ультра гладких поверхностей они использовали такие техники, как окрашивание и распыление, а также механизированные и промышленные процессы. Но к 1980-м годам любовь к импасто вернулась.

Алан Эбнотер - Abide 95-11, 1995. Масло на льняном холсте. 28,25 x 28,25 дюйма (71,76 x 71,76 см). Предоставлено галереей George Lawson. © Алан Эбнотер

Одной из причин возвращения популярности техники стала реакция на воспринимаемую бездушность минимализма. Другой причиной стал растущий интерес к формальным качествам художественных материалов. Одним из особенно успешных выражений минималистской эстетики была монохромная живопись. Монохромы выражают чистый цвет и плоскостность. В 1980-х художники, такие как Джеймс Хейворд и Алан Эбнотер, начали переосмысливать монохром через импасто. Их импасто монохромы сохраняли выражение цвета, но добавляли измерение физичности и специфики материала. Устраняя промышленную анонимность минималистских монохромов и возвращая отпечаток художника, они переориентировали внимание на эмоции и личность, а также вновь обратили внимание на основные качества краски.

Джеймс Хейворд - Абстракт 31, 2001. Масло на холсте на доске. 30 x 28 дюймов. © Джеймс Хейворд (слева) и Асимметричный Хромахорд 38, 2009. Масло на холсте на деревянной панели. © Джеймс Хейворд (справа)

За пределами импасто

Оглядываясь на историю импасто живописи, становится ясно, что эта техника несёт с собой ряд абстрактных ассоциаций. В свои первые дни она сделала беспрецедентный шаг — не скрывать, что произведение искусства создано из краски. В этом смысле она разрушила иллюзию. Позже она служила для подчёркивания тонких и часто меняющихся различий между тьмой и светом. В эпоху модернизма импасто стала способом выразить глубокие эмоции и первобытные ощущения подсознания. А в современном использовании она стала выражением силы и простоты самого художественного жеста. Так что же можно понять из диалога между One World Trade Center и абстрактными импасто картинами Дональда Мартини, которые занимают его вестибюль?

Хотя эти картины кажутся огромными импасто мазками кисти, на самом деле они были тщательно созданы в кропотливом процессе, в ходе которого Мартини наливает, капает и размазывает слой за слоем материала, иногда используя свои голые руки. Они выражают тяжёлый труд, адаптацию, терпение, видение и силу, присущую аккуратному наращиванию слоёв с течением времени. Кроме того, как и все импасто картины, Lenape и Unami символизируют разрушение иллюзий, изменчивую природу тьмы и света, диапазон эмоциональной и физической глубины, а также первобытные реалии подсознательного человеческого разума. Рассматриваемые с этой точки зрения, они становятся не просто эстетическими объектами и не просто символическими жестами. Они становятся идеальными абстрактными представителями своего материала, своей среды, своих имён, своей истории и своего времени.

Изображение на обложке: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
Все изображения используются только в иллюстративных целях
Автор: Филлип Барцио