Оптические иллюзии в искусстве, которые отметили 20-й век

Реальность не всегда фиксирована; или, по крайней мере, она может казаться такой человеческому разуму. То, во что мы верим, в какой-то степени основано на том, что мы воспринимаем, но то, что мы воспринимаем, также иногда определяется тем, во что мы верим. Оптическое иллюзия искусство, или Оп арт сокращенно, это эстетический стиль, который намеренно использует эту странность человеческого восприятия, которая дает человеческому глазу возможность обманывать человеческий мозг. Манипулируя узорами, формами, цветами, материалами и формами, Оп-художники стремятся создать феномены, которые обманывают глаз, сбивая зрителей с толку, заставляя их видеть больше, чем на самом деле есть. И поскольку вера может быть столь же влиятельной, как и факт, Оп-арт задает вопрос, что важнее: восприятие или истина.

Краткая история искусства оптических иллюзий

Оп-арт имеет свои корни в технике, называемой trompe-l'œil, что по-французски означает обмануть глаз. Самые ранние упоминания о таких тенденциях в искусстве восходят к античности, когда древнегреческие художники пытались создавать картины настолько реалистичными, что люди буквально обманывались, веря, что их изображения настоящие. Эта техника на протяжении веков неоднократно выходила и входила в моду, достигнув своего расцвета в 19 веке с trompe-l'œil картинами, такими как Убегая от критики, написанная в 1874 году Пером Боррелем дель Касо, на которой изображен гиперреалистичный образ ребенка, вылезущего из рамки картины.

Пере Боррель дель Касо - Избегая критики, 1874. Масло на холсте. Коллекция Банка Испании, Мадрид, © Пере Боррель дель Касо

Но хотя Оп-арт также предназначен для обмана глаза, он не является тем же самым, что и гиперреалистичное искусство. На самом деле, Оп-арт, как мы его знаем сегодня, чаще всего является абстрактным, полагаясь на геометрические композиции, чтобы убедить глаз в том, что существуют нереальные формы и пространственные плоскости. Первая абстрактная техника, которая была разработана для обмана глаза, называлась Пуантилизм. Вместо того чтобы заранее смешивать цвета, пуантилистские художники размещали немешанные цвета рядом друг с другом на холсте, создавая иллюзию сплошных цветных полей. Когда эти картины рассматриваются издалека, кажется, что цвета смешаны. Жорж Сёра изобрел пуантилизм и овладел эффектом с помощью таких картин, как Маяк в Онфлёре.

Жорж Сёра - Маяк в Онфлёре, 1886. Масло на холсте. Общие размеры: 66.7 x 81.9 см (26 1/4 x 32 1/4 дюйма), в раме: 94.6 x 109.4 x 10.3 см (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 дюйма). Коллекция г-на и госпожи Пол Меллон.

Абстрактные Иллюзии

Концепция, лежащая в основе пуантилизма, в конечном итоге привела к возникновению многих других техник, поскольку художники искали способы обмануть разум, чтобы завершить картину. Она вдохновила дивизионизм итальянских футуристов и четырехмерные плоскости кубизма. Но ее самое успешное применение произошло, когда она была объединена с эстетикой геометрической абстракции, как, например, в абстрактной геометрической гравюре Структурная Констелляция, написанной в 1913 году Йозефом Альберсом.

Согласно его собственным заявлениям, Альберс не пытался создать оптическую иллюзию с этой работой. Он занимался простыми композиционными экспериментами, касающимися восприятия линий и форм на двумерной поверхности. Тем не менее, он обнаружил, что расположение линий, форм и цветов на поверхности действительно может изменить то, как ум воспринимает то, что реально. И хотя он не пытался намеренно обмануть зрителей своими работами, он тем не менее провел всю жизнь, исследуя эти эффекты.

Йозеф Альберс - Структурная Констелляция, 1913. Белые линии, выгравированные на черном фоне на дереве. © 2019 Фонд Йозефа и Анни Альберс

Зебры и шахматные доски

Виктор Васарели, современник Альберса, тем не менее, сознательно стремился найти способы обмануть зрителей своим искусством. Васарели был как ученым, так и художником, и его особенно интересовало, как эти два занятия объединяются, чтобы влиять на восприятие. Уже в 1920-х годах художник узнал, что с помощью манипуляции линией он может полностью искажать двумерную поверхность таким образом, что обманывает разум, заставляя воспринимать ее как трехмерное пространство.

Одной из тем, к которой Васарели неоднократно обращался в своем творчестве, была зебра. Полосы этого животного на самом деле служат для обмана естественных хищников, которые не могут определить, в каком направлении бежит животное из-за взаимодействия его черных и белых полос с окружающей средой. Раскрыв секреты этого явления, он применил их к более сложным геометрическим композициям и к 1960-м годам создал свой фирменный стиль, который вдохновил то, что сегодня считается движением модернистского оп-арта. 

Виктор Васарели - Зебра, 1938. © Виктор Васарели

Черное и белое

Одним из самых известных художников оптических иллюзий XX века была британская художница Бриджет Райли, которая была непосредственно вдохновлена работами Виктора Васарели. Райли училась в Королевском колледже искусств в начале 1950-х годов. Ее ранние работы были фигуративными, но после того, как она устроилась на работу иллюстратором в рекламное агентство, она стала больше интересоваться созданием визуальных иллюзий. Она начала исследовать пуантилизм, затем дивизионизм и, наконец, разработала свой собственный фирменный стиль оп-арта, основанный в основном на черно-белой геометрической абстракции.

Райли так успешно создавала оптические иллюзии в своей работе, что зрители иногда сообщали о том, что испытывают чувства морской болезни или укачивания, глядя на её картины. Это явление завораживало Райли, которая стала уверена, что грань между восприятием и реальностью действительно довольно хрупка, и что вера, вызванная иллюзией, может на самом деле проявлять реальные последствия в физическом мире. Сказала Райли: “Было время, когда значения были сосредоточены, и реальность могла быть фиксированной; когда такая вера исчезла, всё стало неопределённым и открытым для интерпретации.”

Бриджет Райли перед одной из её крупных, гипнотических картин в стиле Оп Арт, © Бриджет Райли

Отзывчивый глаз

Высота движения модернистского оп-арта пришлась на выставку под названием "Чувствительный глаз", которая путешествовала по Соединённым Штатам в 1965 году. Эта выставка представила более 120 произведений искусства от десятков художников, представляющих широкий спектр эстетических позиций. В экспозиции были представлены высоко иллюзионистские работы Виктора Васарели и Бриджит Райли, а также более сдержанные геометрические абстракции от таких художников, как Фрэнк Стелла и Александр Либерман, и кинетические скульптуры от таких художников, как Вэнь-Инг Цай и Карлос Крус-Диес.

В группу "Чувствительный глаз" также входил скульптор Хесус Рафаэль Сото, который, безусловно, довел Оп-арт до предела в области трехмерного восприятия с помощью своего творческого проекта под названием Пенетраблес. Эти интерактивные создания состоят из сотен частично окрашенных, свисающих пластиковых труб, через которые зрители могут проходить. Когда они не тронуты, они создают поразительную иллюзию того, что конкретная форма парит в пространстве. Но когда зрители физически взаимодействуют со скульптурами, иллюзия растворяется, создавая восприятие того, что конкретная реальность может, на самом деле, быть искажена и изменена человеческим прикосновением.

Хесус Рафаэль Сото - Проницаемая. © Хесус Рафаэль Сото

Наследие оп-арта

"Благословение и проклятие Оп-арта заключается в его популярности. Когда движение достигло своего пика в 1960-х годах, многие критики презирали его, потому что его образы были ненасытно присвоены производителями китчевых товаров, таких как футболки, кофейные кружки и постеры. Но для таких художников, как Виктор Васарели и Хесус Рафаэль Сото, это и было самой сутью."

Эти креативщики верили, что ценность произведения искусства определяется тем, насколько зритель может участвовать в его завершении. Они создавали эстетические явления, которые адаптируются к каждому новому зрителю, создавая неограниченные интерпретационные возможности. Тот факт, что их искусство потреблялось на массовом уровне, полностью соответствовал их концепции, согласно которой не должно быть барьеров между людьми и искусством, и что любые барьеры, которые кажутся существующими, существуют только в нашем восприятии.

Изображение: Виктор Васарели - Вега-Нор, 1969. Акрил на холсте. 200 x 200 см. © Виктор Васарели
Все изображения используются только в иллюстративных целях.
От Филлипа Barcio