Почему Ричард Анусзкевич был важной силой оп-арта

Художественные движения никогда не умирают. Они просто дремлют, пока какой-нибудь новый гений не разбудит их снова, чтобы они могли продолжить с того места, где остановились их прошлые мастера. Или, как в редком случае Оп-арта, благодаря одному из его самых стойких пионеров, Ричарду Анускевичу, художественному движению предоставляется привилегия двигаться вперед без перерывов, поколение за поколением. Оп-арт возник в 1960-х годах, и он никогда по-настоящему не исчезал. Наряду с Бриджет Райли, Анускевич был, до 2020 года, одним из его живых легенд. Бывший ученик Йозефа Альберса в Йеле, Анускевич находился на переднем крае тенденции отхода от личных эмоций и драмы в искусстве к исследованию объективных формальных отношений и влияния этих отношений на наши глаза и умы. То, что выделяло Анускевича среди его современников и что сохраняло его актуальность долго после того, как большинство из них ушли, — это не только блеск его работ, но и серьезность и скромность, с которыми они были созданы.

Открытие цвета

Одной из самых трогательных историй о Ричарде Анушкевиче является история его первой персональной выставки в Нью-Йорке. История начинается в Огайо, где Анушкевич получил степень бакалавра искусств в Кливлендском институте искусств. На пятом и последнем курсе в этом учебном заведении он получил стипендию для изучения искусства в Европе. Но после того, как он выразил своему научному руководителю, что не интересуется Европой, его вместо этого призвали продолжить обучение в аспирантуре либо в Кранбруке, прогрессивной художественной школе под Детройтом, либо в Йеле. Узнав, что Йозеф Альберс, знаменитый колорист с корнями в Баухаусе, находится в Йеле, Анушкевич выбрал именно это место. Что касается его выбора, то позже он объяснил, что чувствовал, что цвет — это то, чего не хватает в его работах.

Хотя Альберс считался и по сей день считается гением, он не был универсально любимым учителем. Многие находили его уроки произвольными, скучными — даже бесполезными. Но Альберс не заботился о том, что думают его студенты. Он верил в внутреннюю ценность понимания цветовых отношений, и именно это он и преподавал. Если студент не понимал или не проявлял интереса, для Альберса это было все равно. Но Анускевич оказался тем редким студентом, который полностью осознал важность того, что преподавал Альберс. Он преуспел в своих занятиях. Он даже был убежден Альберсом отказаться от фигуративного искусства, приняв, что единственный способ по-настоящему исследовать силу цвета — это сделать его центральным объектом работы. Но для Анускевича оставалась одна центральная проблема: под тяжестью мощной личности Альберса было почти невозможно для его студентов развить индивидуальный стиль.

Ричард Анускевич - Rosafied; и Veridified, 1971, Два цветных шелкографических отпечатка на бумаге с вейвом, с полными полями, 36 × 26 дюймов, 91.4 × 66 см, © Ричард Анускевич

Успех в последнюю минуту

После завершения магистратуры в Йеле, Анускевич предпринял необычный шаг, вернувшись в Огайо, чтобы получить дополнительную степень в области образования на случай, если он когда-либо захочет преподавать. Именно там, наконец, свободный от влияния Альберса, он пришел к собственному стилю. Это было исследование того, как отношения между цветами и формами могут обмануть глаз и заставить ум видеть то, чего нет. Он нашел этот опыт трансцендентным и созерцательным, а его парадокс поэтичным. После завершения своей степени в области образования Анускевич почувствовал, что впервые у него есть сильная, идосинкразическая идея и множество хороших примеров его работ. Поэтому он переехал в Нью-Йорк и начал показывать свои работы галеристам. Но, несмотря на то, что многим работа казалась интригующей, ни один галерист не хотел рисковать, показывая ее. Это был 1957 год. Абстрактный экспрессионизм все еще был в моде. Дилеры просто не были уверены, будут ли продаваться плоские, цветные, жесткие работы, которые создавал Анускевич.

Прошло два года, прежде чем Анужкевич наконец был подписан Карлом Лунде в Галерее Современников. Лунде предложил ему персональную выставку в марте 1960 года. Эта выставка оказалась невероятно посещаемой. Многие критики и коллекционеры с радостью обсуждали работы. Но, как и предсказывали все остальные дилеры, никто не покупал. На самом деле, почти вся выставка прошла без единой продажи, пока, почти в последний день, один покупатель наконец не зашел: Альфред Ф. Барр-младший, который оказался директором Музея современного искусства. Барр купил картину под названием Флуоресцентный комплемент и выставил ее позже в том же году в MoMA вместе с другими недавними приобретениями. Как по часам, другие коллекционеры начали приобретать работы Анужкевича, включая некоторых из самых богатых коллекционеров города, таких как Нельсон Рокфеллер.

Ричард Анускевич - Флуоресцентный комплемент, 1960, Масло на холсте, 36 x 32 1/4 дюйма (91.5 x 82 см), Коллекция Музея современного искусства, © Ричард Анускевич

Эффект МоМА

Наличие Флуоресцентного Комплемента в MoMA дало понять публике, что пришло время для абстрактного экспрессионизма немного отдохнуть. В следующем году Уитни провел Геометрическую Абстракцию в Америке, включающую картину Анускевича, а затем MoMA объявила о крупной предстоящей выставке, посвященной "преимущественно визуальному акценту". Когда эта крупная выставка, названная Чувствительный Глаз, наконец состоялась, она включала работы множества художников и закрепила значение термина Оп Арт. И вместе с Виктором Васарели и Бриджит Райли Анускевич стал одним из самых важных художников на выставке.

Говорят, что то, что отделяло Васарели, была его мастерство света и тьмы, то, что отделяет Райли, — это ее мастерство линии, а то, что отделяло Анускевича, — это его мастерство цветовых отношений. Но есть нечто другое, что отличает всех троих — их серьезность. Все трое обладают врожденным любопытством и преданностью. А Анускевич также был особенным благодаря своей скромности. Пока писатели восторгаются его достижениями, он делает такие комментарии, как: “Что-то происходит, когда вы соединяете два цвета. Это имеет эффект.” Он приуменьшал блеск и силу своей работы, просто ссылаясь на то, что цвета и формы меняются в разных ситуациях, и размышления о таких изменениях могут напомнить людям, что мы никогда не можем быть уверены, действительно ли то, что мы видим, является реальным.

Ричард Анужкевич - Без номера (Ежегодное издание), 1978, Акрил и шелкография на мейсоните, 4 × 4 дюйма, 10.2 × 10.2 см, Галерея Лоретты Ховард, Нью-Йорк, Нью-Йорк © Ричард Анужкевич

Изображение: Ричард Анушкевич - Без названия (Годовое издание), 1980, Сериграфия на мейсоните, 5 3/4 × 5 3/4 дюйма, 14.6 × 14.6 см. © Ричард Анушкевич
Все изображения используются только в иллюстративных целях.