Den påverkan av abstrakt konst på modern och samtida design

Abstrakt konstdesign kan hittas överallt, på mode, möbler, arkitektur, reklam och nästan varje annan produkt av samtida design. Oavsett om det är en skokollektion inspirerad av Op Art, champagneglas inspirerade av en Dan Flavin-installation, eller scenografi i en hip hop-video inspirerad av James Turrell, är det bara den senaste manifestation av en gammal tendens: designers påverkade av konst. Det är vad Bauhaus byggde på; en total konst som omfattade alla estetiska fenomen. Och det är därför abstrakt konst är grunden för så mycket design i kulturen idag.

Abstrakt konst och design återuppbyggde världen

Efter andra världskriget behövde mänskligheten designers i en skala som var mer storslagen än någonsin tidigare. Mycket av Europa, Asien och Medelhavet behövde återuppbyggas efter att ha blivit bombade nästan till grus. Och det var inte bara byggnaderna och gatorna i städerna som behövde hjälp. En mänsklig befolkning som var förödad av år av depression, svält och krig behövde nya saker: bostäder, kläder, transport, verktyg, möbler, offentliga samlingsplatser, telekommunikationsenheter, och så vidare.

Världens industrialiseringskapacitet var på en historiskt hög nivå tack vare mobiliseringen för kriget, och samhällets tillämpade konstnärer fann oöverträffade möjligheter att omdesigna vad som skulle bli den nya världen och hjälpa till att återföra kulturen från avgrunden. Tillämpade konstnärer som arkitekter, möbeldesigners, modedesigners, bildesigners och industridesigners kastade sig huvudstupa in i praktikalitet, och skapade produkter som kunde massproduceras effektivt och tillgodose den bredaste möjliga konsumentbasen.

Charles and Ray Eames - Case Study House No. 8

Yin Yang-teorin i arbete

De rådande abstrakta konstnärerna vid den tiden strävade också efter att förstå vad som hade hänt med världen. Men istället för att återuppbygga samhället, vilket vanligtvis inte anses vara inom ramen för skön konst, arbetade de för att kontextualisera det. Efterkrigstidens abstrakta konstnärer försökte förstå något inneboende om sig själva. De konfronterade det okända, det undermedvetna och de djupt personliga aspekterna av sin mänsklighet.

Ett sätt att se på det är att en balans hölls. Formgivare svarade på krigets galenskap med effektivitet och logik. Abstrakta konstnärer svarade på det med intuition och känsla. Dessa komplementära krafter hade båda sin effekt på medvetandet i efterkrigssamhället. Å ena sidan blev den västerländska världen så kontemplativ och existentiellt djup som den någonsin hade varit. Å andra sidan blev den sin mest materialistiska.

Ugo Gianattasio - Untitled, 1920

I efterkrigstiden, två av de mest inflytelserika formgivarna var Charles och Ray Eames, skaparna av den berömda Eames-stolen. År 1949 designade och byggde de sitt Case Study House No. 8, som de använde som hem och studio. Byggnaden ansågs representera höjdpunkten av samtida arkitektonisk design vid den tiden. Enligt Eames Foundation var designen en del av ett projekt avsett att "uttrycka människans liv i den moderna världen." Huset såg ut som en Piet Mondrian-målning från cirka trettio år tidigare. Mondrian dog 1944. I New York City 1950 var en av de krönande arkitektoniska prestationerna en prisbelönt skyskrapa känd som Lever House. Hyllad som ett mästerverk av modern arkitektur, dess rena linjer, användning av stål och glas, supereffektiv användning av utrymme och fullständiga avsaknad av ornament gjorde det till ett utmärkt exempel på modernistisk arkitektur. Det uttryckte perfekt de estetiska bekymren hos 1920-talets ryska konstruktivism.

Lever House, New York City

Den största innovationen inom bildesign 1950 var uppfinningen av hardtop cabrioleten. Vad skulle kunna vara mer logiskt? Det är höjden av funktionalitet och stil, som utnyttjar billiga, nya, lätta material och en växande konsumentefterfrågan på alternativ. Och den eleganta designen av bilarna var verkligen futuristisk, nästan exakt lika futuristisk som 1920-talets italienska futurism.

1950 Chrysler Town & Country

Påverkade abstrakt konst modern design? Absolut. Piet Mondrian’s De Stijl-estetik hade uppenbarligen en djupgående effekt på Eames’ hus, det var bara decennier efter att neoplasticism hade introducerats. Lever House var den perfekta konstruktivistiska skyskrapan; den kom bara några decennier efter att konstruktivistisk arkitektur hade introducerat sig själv. Och hardtop cabrioleter var verkligen bilarna i framtiden; 1920-talets framtid och 1950-talets framtid.

Det som hände inom abstrakt konst på 1950-talet var detta: Det var året Jackson Pollock målade "Number 1, 1950" och Franz Kline målade "The Chief."

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olja, emalj och aluminium på duk, Ailsa Mellon Bruce-fonden, 1976.37.1

Den abstrakta expressionismen inom arkitektur

I takt med att innovationer inom telekommunikation avancerade snabbt, ökade också hastigheten med vilken abstrakt konst kunde påverka design. Istället för 30 år tog det bara cirka 10 år för Abstrakt Expressionism att sätta sin prägel på designens värld. Den estetiska och filosofiska grunden bakom Abstrakt Expressionism kom till genom en spridning av hela konstskapandeprocessen. Det var en återgång till intuition, till de uråldriga ursprungen av undermedvetna influenser. Det var uppfyllelsen av Abstraktions yttersta mål: upptäckten av originalitet och den sanna uttryckningen av essensen av den unika individen.

Den abstrakta expressionistiska filosofin manifesterades i arkitekturen i form av dekonstruktivism. Dekonstruktivismen strävade efter att uppnå ett inslag av oförutsägbarhet. Istället för att följa funktionella former som saknade ornamentik, strävade dekonstruktivistiska arkitekter efter originalformer som öppet utnyttjade ornamentala designelement. Många dekonstruktivistiska arkitekter designade byggnader som själva såg dekonstruktivistiska ut, som om de var fragmenterade i sektioner. Andra designade byggnader som efterliknar de gesturalestetiska dragen av abstrakt expressionistisk konst. Även om stilen inleddes i slutet av 1950-talet, fortsätter den att användas idag. Dess mest igenkännliga anhängare är förmodligen Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

I mitten av 1960-talet imiterade designtrender nästan omedelbart trender inom abstrakt konst, särskilt mode. Bridget Riley målade sitt banbrytande Op Art-verk, Movement in Squares, 1961. Time magazine myntade termen "Op Art" 1964 som svar på en utställning av Julian Stanczaks verk på Martha Jackson Gallery i New York. År 1965 var stilen så fullt återgiven i populärkulturen att den refererades i ett fotoreportage i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på hårdboard. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Med vänlig hälsning från Karsten Schubert, London

Minimala influenser

Under 1970-talet var en av de dominerande stilarna inom abstrakt konst Minimalism, och en av de mest inflytelserika rösterna inom Minimalism var en konstnär vid namn Donald Judd. Judd och hans samtida strävade efter att skapa verk som var fundamentalt olika från verken av tidigare abstraktionister, särskilt de abstrakta expressionisterna. Minimalismen eliminerade personliga biografiska element från verket och strävade efter förenklade former och ett nedskalat visuellt språk.

Det som gör Judd till en så fascinerande studie är att han inte bara var en minimalistisk konstnär, utan också en arkitekt och en möbeldesigner. Som en förespråkare för både skön konst och tillämpad konst kunde han samtidigt manifestera sina koncept över de olika områden där han arbetade. På vissa sätt var Judd personifieringen av idealen från Bauhaus, eller av Art Nouveau, som båda betonade ett simultant uttryck av alla konster som arbetar tillsammans med samma idéer.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA-samlingen. Gåva från 2011 års samlarkommitté. © Museum Associates/LACMA

Judd var också en ivrig författare och teoretiker, och hade detta att säga om skillnaden mellan de sköna konsterna och de tillämpade konsterna: "Konfigurationen och skalan av konst kan inte överföras till möbler och arkitektur. Avsikten med konst är annorlunda än den senare, som måste vara funktionell. Om en stol eller en byggnad inte är funktionell, om den bara verkar vara konst, är det löjligt..." Den filosofin är tydlig i det olika arbete som han gjorde.

Donald Judd - Untitled, 1971

Form kontra funktion

Den väsentliga skillnaden mellan abstrakt konst och design är att abstrakt konst, precis som all fin konst, är något som ska mötas på en kontemplativ nivå. Det kan vara intellektuellt, visceralt, inspirerande eller estetiskt vackert. Det är avsett att få oss att tänka, känna, överväga, utvecklas och undra över meningen med våra upplevelser. Designens funktion är helt annorlunda. Det är ett sätt att öka användbarheten eller njutningen av konsumentprodukter. Design måste tjäna en funktion, annars är det, som Judd sa, absurt.

Den djupa påverkan som abstrakta konstarter som Abstrakt Expressionism, Op Art, Neoplasticism och Minimalism har haft på alla tillämpade konstarter, från modedesign till möbeldesign till arkitektur och bortom, kan inte överdrivas. Och lyckligtvis lever vi idag i en tid då vi snabbt kan få tillgång till historien om både abstrakt konst och design, och se själva de djupa effekterna som estetiken och filosofin av abstrakt konst utövar på designtendenser.

Intressant nog lever vi också i en tid då vi kan se dessa effekter spela ut på ett omedelbart sätt. En abstrakt målare kan ladda upp ett fotografi av sin nya målning på Instagram och sekunder senare kan en modedesigner i Milano använda den bilden som inspiration för sin nya vårkollektion. Eller tvärtom. En modedesigner kan ladda upp en bild av en ny klänning, och det kan ha en visceral effekt på en abstrakt konstnär, som då kan göra framsteg in i nya områden av abstrakt konst. Idag kan allt påverka allt annat, när vår kultur glatt hoppar framåt för att möta det nya.

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio