Den påverkan av abstrakt konst på modern och samtida design

Abstrakta konstformer finns överallt, inom mode, möbler, arkitektur, reklam och nästan alla andra produkter av samtida formgivning. Oavsett om det är en skokollektion inspirerad av Op-konst, champagneglas inspirerade av en installation av Dan Flavin, eller scenografi i en hiphopvideo inspirerad av James Turrell, är det bara den senaste uttrycksformen av en urgammal tendens: formgivare påverkade av konst. Det var grunden för Bauhaus; en total konst som omfattade alla estetiska fenomen. Och det är därför abstrakt konst är grunden för så mycket formgivning i dagens kultur.

Abstrakt konst och formgivning byggde om världen

Efter andra världskriget behövde mänskligheten formgivare i en större skala än någonsin tidigare. Stora delar av Europa, Asien och Medelhavsområdet behövde återuppbyggas efter att ha bombats nästan till ruiner. Och det var inte bara byggnader och stadsgator som behövde hjälp. En befolkning som drabbats hårt av år av depression, svält och krig behövde allt nytt: bostäder, kläder, transporter, verktyg, möbler, offentliga samlingsplatser, telekommunikationsapparater och mycket mer.

Världens industriella kapacitet var på en rekordnivå tack vare mobiliseringen för kriget, och samhällets tillämpade konstnärer fann oöverträffade möjligheter att omforma det som skulle bli den nya världen och hjälpa till att föra tillbaka kulturen från avgrunden. Tillämpade konstnärer som arkitekter, möbelformgivare, modedesigners, bildesigners och industridesigners kastade sig huvudstupa in i praktiken och skapade produkter som kunde massproduceras effektivt och tillgodose den bredast möjliga konsumentbasen.

Charles och Ray Eames - Case Study House Nr 8

Yin Yang-teorin i praktiken

De ledande abstrakta konstnärerna vid den tiden försökte också förstå vad som hade hänt i världen. Men istället för att återuppbygga samhället, vilket vanligtvis inte anses höra till bildkonstens område, arbetade de med att sätta det i ett sammanhang. Efterkrigstidens abstrakta konstnärer försökte förstå något inneboende i sig själva. De konfronterade det okända, det undermedvetna och de djupt personliga aspekterna av sin mänsklighet.

Ett sätt att se det på är att en balans hölls. Formgivare svarade på krigets galenskap med effektivitet och logik. Abstrakta konstnärer svarade med intuition och känsla. Dessa kompletterande krafter påverkade medvetandet i efterkrigssamhället. Å ena sidan blev västvärlden lika eftertänksam och existentiellt djup som aldrig förr. Å andra sidan blev den sin mest materiella.

Ugo Gianattasio - Untitled, 1920

Under efterkrigstiden var två av de mest inflytelserika formgivarna Charles och Ray Eames, skaparna av den berömda Eames-stolen. År 1949 ritade och byggde de sitt Case Study House Nr 8, som de använde som hem och ateljé. Byggnaden ansågs representera höjdpunkten av samtida arkitektur vid den tiden. Enligt Eames Foundation var designen en del av ett projekt som syftade till att ”uttrycka människans liv i den moderna världen.” Huset liknade en målning av Piet Mondrian från ungefär trettio år tidigare. Mondrian dog 1944. I New York City 1950 var en av de främsta arkitektoniska prestationerna en prisbelönt skyskrapa känd som Lever House. Hyllad som ett mästerverk inom modern arkitektur, med sina rena linjer, användning av stål och glas, högst funktionella utnyttjande av utrymme och fullständiga avsaknad av utsmyckning, var det ett ypperligt exempel på modernistisk arkitektur. Det uttryckte perfekt de estetiska frågorna från 1920-talets ryska konstruktivism.

Lever House, New York City

Den största nyheten inom bildesign 1950 var uppfinningen av hardtop-cabriolen. Vad kunde vara mer logiskt? Det är höjden av funktionalitet och stil, med användning av billiga, nya, lätta material och en växande konsumentefterfrågan på valmöjligheter. Och bilarnas slanka design var verkligen futuristisk, nästan lika futuristisk som 1920-talets italienska futurism.

1950 Chrysler Town & Country

Påverkade abstrakt konst modern formgivning? Absolut. Piet Mondrians De Stijl-estetik hade uppenbarligen en djupgående effekt på Eames-huset, det var bara några decennier efter att neoplastismen hade introducerats. Lever House var den perfekta konstruktivistiska skyskrapan; den kom bara några decennier efter att konstruktivistisk arkitektur hade gjort sitt intåg. Och hardtop-cabrioler var verkligen framtidens bilar; 1920-talets framtid och 1950-talets framtid.

Vad som hände inom abstrakt konst på 1950-talet var detta: Det var året då Jackson Pollock målade ”Number 1, 1950” och Franz Kline målade ”The Chief.”

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olja, emalj och aluminium på duk, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Arkitekturens abstrakta expressionism

När telekommunikationsinnovationerna snabbt avancerade ökade också hastigheten med vilken abstrakt konst kunde påverka formgivning. Istället för 30 år tog det bara ungefär 10 år för abstrakt expressionism att göra avtryck i formgivningens värld. Estetiken och filosofin bakom abstrakt expressionism uppstod genom en spridning av hela konstskapandeprocessen. Det var en återgång till intuition, till de ursprungliga källorna för undermedvetna influenser. Det var uppfyllelsen av abstraktionens yttersta mål: upptäckten av originalitet och det sanna uttrycket av den unika individens väsen.

Den abstrakta expressionistiska filosofin manifesterades i arkitekturen i form av dekonstruktivism. Dekonstruktivismen sökte uppnå ett inslag av oförutsägbarhet. Istället för att hålla sig till funktionella former utan utsmyckning sökte dekonstruktivistiska arkitekter originella former som tydligt använde dekorativa designelement. Många dekonstruktivistiska arkitekter ritade byggnader som såg ut att vara sönderdelade, som om de var fragmenterade i sektioner. Andra ritade byggnader som efterliknade den gestiska estetiken i abstrakt expressionistisk konst. Trots att stilen startade i slutet av 1950-talet används den fortfarande idag. Dess mest kända företrädare är förmodligen Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

I mitten av 1960-talet efterhärmade formgivningstrender nästan omedelbart trender inom abstrakt konst, särskilt modedesign. Bridget Riley målade sitt banbrytande Op-konstverk, Movement in Squares, 1961. Time Magazine myntade begreppet ”Op Art” 1964 som svar på en utställning med Julian Stanczaks verk på Martha Jackson Gallery i New York. År 1965 var stilen så fullt etablerad i populärkulturen att den refererades i ett bildreportage i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på hårdboard. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Med tillstånd av Karsten Schubert, London

Minimalistiska influenser

På 1970-talet var en av de dominerande stilarna inom abstrakt konst minimalism, och en av de mest inflytelserika rösterna inom minimalismen var en konstnär vid namn Donald Judd. Judd och hans samtida sökte skapa verk som var fundamentalt annorlunda än tidigare abstraktionisters, särskilt de abstrakta expressionisternas. Minimalismen eliminerade personliga biografiska inslag från verken och sökte förenklade former och ett avskalat bildspråk.

Det som gör Judd så fascinerande är att han inte bara var minimalistisk konstnär, utan också arkitekt och möbelformgivare. Som förespråkare för både bildkonst och tillämpad konst kunde han samtidigt förverkliga sina idéer inom de olika områden han verkade i. På många sätt var Judd personifieringen av Bauhaus ideal, eller Art Nouveau, som båda betonade ett samtidigt uttryck för alla konstarter som arbetar tillsammans med samma idéer.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA Collection. Gåva från 2011 års samlarkommitté. © Museum Associates/LACMA

Judd var också en ivrig skribent och teoretiker och sade detta om skillnaden mellan bildkonst och tillämpad konst: ”Konfigurationen och skalan av konst kan inte överföras till möbler och arkitektur. Konstens avsikt är annorlunda än den senare, som måste vara funktionell. Om en stol eller en byggnad inte är funktionell, om den bara verkar vara konst, är det löjligt...” Den filosofin är tydlig i de olika verk han skapade.

Donald Judd - Untitled, 1971

Form kontra funktion

Den grundläggande skillnaden mellan abstrakt konst och formgivning är att abstrakt konst, liksom all bildkonst, är något man möter på ett eftertänksamt plan. Den kan vara intellektuell, känslomässig, inspirerande eller estetiskt vacker. Den är avsedd att få oss att tänka, känna, överväga, utvecklas och undra över meningen med våra upplevelser. Formgivningens funktion är helt annorlunda. Den är ett sätt att öka användbarheten eller nöjet med konsumtionsprodukter. Formgivning måste tjäna en funktion, annars är den, som Judd sade, absurd.

Den djupa påverkan som abstrakta konsttendenser som abstrakt expressionism, Op-konst, neoplastism och minimalism haft på alla tillämpade konstarter, från modedesign till möbeldesign till arkitektur och vidare, kan inte överdrivas. Och lyckligtvis lever vi idag i en tid då vi snabbt kan ta del av historien om både abstrakt konst och formgivning och själva se de djupa effekterna som abstrakt konsts estetik och filosofi har på formgivningstendenser.

Intressant nog lever vi också i en tid då vi kan se dessa effekter spela ut på ett omedelbart sätt. En abstrakt målare kan ladda upp ett fotografi av sin nya målning på Instagram och sekunder senare kan en modedesigner i Milano använda den bilden som inspiration för sin nya vårkollektion. Eller tvärtom. En modedesigner kan ladda upp en bild på en ny klänning, och det kan få en stark känslomässig effekt på en abstrakt konstnär, som då kan göra framsteg inom nya områden av abstrakt konst. Idag kan allt påverka allt annat, medan vår kultur glatt hoppar framåt för att möta det nya.

Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio