Den påverkan av abstrakt konst på modern och samtida design

Abstrakta konstdesigner finns överallt: inom mode, möbler, arkitektur, reklam och i nästan alla andra produkter inom samtida design. Oavsett om det handlar om en skokollektion inspirerad av opkonst, champagneglas inspirerade av en installation av Dan Flavin eller scenografi i en hiphopvideo inspirerad av James Turrell, är det bara den senaste manifestationen av en urgammal tendens: designers som påverkas av konst. Det är vad Bauhaus byggde på: en total konst som omfattade alla estetiska fenomen. Och det är därför abstrakt konst utgör grunden för så mycket av dagens designkultur.

Abstrakt konst och design byggde om världen

Efter andra världskriget behövde mänskligheten designers i en större skala än någonsin tidigare. Stora delar av Europa, Asien och Medelhavsområdet behövde återuppbyggas efter att i praktiken ha bombats sönder till ruiner. Och det var inte bara byggnaderna och stadsgatorna som behövde hjälp. En befolkning som hade ödelagts av åratal av depression, svält och krig behövde allt på nytt: bostäder, kläder, transporter, verktyg, möbler, offentliga samlingsplatser, telekommunikationsapparater och så vidare.

Världens industrialiseringskapacitet var på sin högsta nivå någonsin tack vare mobiliseringen under kriget, och samhällets tillämpade konstnärer fick aldrig tidigare skådade möjligheter att omforma det som skulle bli den nya världen och hjälpa till att återföra kulturen från randen. Tillämpade konstnärer som arkitekter, möbeldesigners, modedesigners, bildesigners och industridesigners kastade sig huvudstupa in i det praktiska arbetet och skapade produkter som effektivt kunde massproduceras och tillgodose den bredast möjliga konsumentbasen.

Charles och Ray Eames - Case Study House nr 8

Yin yang-teorin i praktiken

Tidens framstående abstrakta konstnärer strävade också efter att förstå vad som hade hänt med världen. Men i stället för att återuppbygga samhället, vilket vanligtvis inte anses ligga inom bildkonstens område, arbetade de med att sätta det i ett sammanhang. Efterkrigstidens abstrakta konstnärer försökte förstå något inneboende hos sig själva. De konfronterade det okända, det undermedvetna och de djupt personliga aspekterna av sin mänsklighet.

Ett sätt att se på det är att en balans höll på att uppstå. Designers svarade på krigets vansinne med effektivitet och logik. Abstrakta konstnärer svarade med intuition och känsla. Dessa kompletterande krafter påverkade båda efterkrigssamhällets medvetande. Å ena sidan blev västvärlden mer kontemplativ och existentiellt djupsinnig än någonsin. Å andra sidan blev den mer materialistisk än någonsin.

Ugo Gianattasio - Utan titel, 1920

Under tiden efter andra världskriget var Charles och Ray Eames, skaparna av den berömda Eames-stolen, två av de mest inflytelserika formgivarna. År 1949 ritade och byggde de Case Study House nr 8, som de använde som hem och studio. Byggnaden ansågs representera höjdpunkten inom samtida arkitektonisk design vid den tiden. Enligt Eames Foundation var designen en del av ett projekt som skulle ”uttrycka människans liv i den moderna världen”. Huset såg ut som en målning av Piet Mondrian från omkring trettio år tidigare. Mondrian dog 1944. I New York 1950 var en prisbelönt skyskrapa, känd som Lever House, en av de främsta arkitektoniska bedrifterna. Den hyllades som ett mästerverk inom modern arkitektur. Dess rena linjer, användning av stål och glas, ytterst funktionella utnyttjande av utrymmet och totala avsaknad av ornament gjorde den till ett lysande exempel på modernistisk arkitektur. Den uttryckte på ett perfekt sätt de estetiska frågeställningarna inom 1920-talets ryska konstruktivism.

Lever House, New York

Den största innovationen inom bildesign 1950 var uppfinningen av cabrioleten med fast tak. Vad kunde vara mer logiskt? Den förenade funktion och stil på ett idealiskt sätt genom att använda billiga, nya och lätta material samt möta en växande efterfrågan hos konsumenterna på valmöjligheter. Bilarnas eleganta design var verkligen futuristisk, nästan exakt lika futuristisk som 1920-talets italienska futurism.

Chrysler Town & Country från 1950

Påverkade abstrakt konst den moderna designen? Absolut. Piet Mondrians De Stijl-estetik hade uppenbart ett djupgående inflytande på Eames-huset, som kom bara några decennier efter att neoplasticismen hade introducerats. Lever House var den perfekta konstruktivistiska skyskrapan; den uppfördes bara några decennier efter att den konstruktivistiska arkitekturen hade introducerats. Och cabrioleter med fast tak var faktiskt framtidens bilar - både 1920-talets framtid och 1950-talets framtid.

Detta var vad som hände inom den abstrakta konsten på 1950-talet: Det var året då Jackson Pollock målade ”Number 1, 1950” och Franz Kline målade ”The Chief”.

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olja, emalj och aluminium på canvas, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Arkitekturens abstrakta expressionism

I takt med att innovationerna inom telekommunikation utvecklades snabbt ökade också den hastighet med vilken abstrakt konst kunde påverka design. I stället för 30 år tog det bara omkring 10 år för den abstrakta expressionismen att sätta sitt avtryck i designvärlden. Estetiken och filosofin bakom abstrakt expressionism växte fram genom en spridning av hela processen att skapa konst. Det var en återgång till intuitionen, till de uråldriga ursprungen för undermedvetna influenser. Det var uppfyllelsen av abstraktionens yttersta mål: att upptäcka originalitet och det sanna uttrycket för den unika individens väsen.

Den abstrakta expressionismens filosofi manifesterade sig inom arkitekturen i form av dekonstruktivism. Dekonstruktivismen strävade efter att uppnå ett element av oförutsägbarhet. I stället för att hålla sig till funktionella former utan ornament sökte dekonstruktivistiska arkitekter originella former som öppet använde dekorativa designelement. Många dekonstruktivistiska arkitekter ritade byggnader som själva såg dekonstruerade ut, som om de hade splittrats i sektioner. Andra ritade byggnader som efterliknade den gestiska estetiken i abstrakt expressionistisk konst. Stilen inleddes i slutet av 1950-talet men används fortfarande i dag. Dess mest välkända företrädare är sannolikt Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim-museum i Bilbao

Vid mitten av 1960-talet började designtrender nästan omedelbart imitera trender inom abstrakt konst, särskilt inom modedesign. Bridget Riley målade sitt banbrytande verk inom opkonsten, Movement in Squares, 1961. Tidskriften Time myntade begreppet ”Op Art” 1964 som svar på en utställning med verk av Julian Stanczak på Martha Jackson Gallery i New York. År 1965 var stilen så etablerad i populärkulturen att den uppmärksammades i ett bildreportage i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på masonit. 123.2 x 121.2cm. © 2018 Bridget Riley. Med tillstånd av Karsten Schubert, London

Minimalismens influenser

På 1970-talet var minimalismen en av de dominerande stilarna inom abstrakt konst, och en av minimalismens mest inflytelserika röster var konstnären Donald Judd. Judd och hans samtida strävade efter att skapa verk som i grunden skilde sig från tidigare abstraktionisters verk, särskilt de abstrakta expressionisternas. Minimalismen avlägsnade personliga biografiska element från verken och sökte förenklade former och ett avskalat visuellt språk.

Det som gör Judd så fascinerande att studera är att han inte bara var minimalistisk konstnär, utan också arkitekt och möbeldesigner. Som förespråkare för både bildkonst och tillämpad konst kunde han samtidigt förverkliga sina idéer inom de olika områden där han arbetade. På vissa sätt personifierade Judd Bauhausets eller jugendstilens ideal, där båda betonade ett samtidigt uttryck för alla konstarter som arbetade tillsammans utifrån samma idéer.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA:s samling. Gåva från 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA

Judd var också en flitig skribent och teoretiker, och sade följande om skillnaden mellan bildkonst och tillämpad konst: ”Konstens konfiguration och skala kan inte överföras till möbler och arkitektur. Konstens avsikt skiljer sig från den senares, som måste vara funktionell. Om en stol eller en byggnad inte är funktionell, om den bara verkar vara konst, är den löjlig...” Den filosofin är tydlig i de olika verk han skapade.

Donald Judd - Utan titel, 1971

Form kontra funktion

Den väsentliga skillnaden mellan abstrakt konst och design är att abstrakt konst, liksom all bildkonst, är något som ska upplevas på ett kontemplativt plan. Den kan vara intellektuell, visceral, inspirerande eller estetiskt vacker. Den är avsedd att få oss att tänka, känna, reflektera, utvecklas och fundera över innebörden i våra erfarenheter. Designens funktion är helt annorlunda. Den är ett sätt att öka konsumentprodukters användbarhet eller njutning. Design måste fylla en funktion, annars är den, som Judd sade, absurd.

Det djupgående inflytande som abstrakta konstriktningar som abstrakt expressionism, opkonst, neoplasticism och minimalism har haft på all tillämpad konst, från modedesign till möbeldesign, arkitektur och vidare, kan inte överskattas. Och lyckligtvis lever vi i dag i en tid då vi snabbt kan få tillgång till historien om både abstrakt konst och design och själva se de djupgående effekter som den abstrakta konstens estetik och filosofi har på designtrender.

Intressant nog lever vi också i en tid då vi kan se dessa effekter utspela sig omedelbart. En abstrakt målare kan ladda upp ett fotografi av sin nya målning på Instagram och några sekunder senare kan en modedesigner i Milano använda bilden som inspiration till sin nya vårkollektion. Eller tvärtom. En modedesigner kan ladda upp en bild av en ny klänning, och den kan få en visceral effekt på en abstrakt konstnär, som sedan kanske tar sig in på nya områden inom abstrakt konst. I dag kan allt påverka allt annat, medan vår kultur glatt hoppar framåt för att möta det nya.

Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio 2016
Redigerad av IdeelArt (2026)