Met utforskar det djupa arvet av abstrakt expressionism

Met Fifth Avenue i New York öppnade Epic Abstraction: Pollock to Herrera den här veckan. Utställningen innehåller mer än 50 stora verk av några av de mest fängslande abstrakta konstnärerna under det senaste seklet, och den får sitt namn eftersom den utforskar påverkan av grandios skala. Grandiositet uttrycks ibland genom massiva konstverk — som den galleri-dominerande Louise Nevelson-skulpturen "Mrs. N’s Palace" (1964–77) — ibland genom massiva idéer — som att använda automatisk teckning för att skapa målningar som kanaliserar hemligheterna i det omedvetna — och ibland genom teknisk metod, som med det enormt komplexa assemblage-arbetet av Thornton Dial. Samtidigt refererar undertiteln till utställningen, Pollock to Herrera, till två allmänna idéer. Den första är teorin att det arbete som Jackson Pollock gjorde på 1940-talet, det decennium där kureringen börjar, betydde en förändring i världen av abstrakt konst: ett ögonblick när större verkligen kom att anses vara bättre. För det andra, att arbetet av relativt undervärderade konstnärer som Carmen Herrera — den kubansk-födda minimalistiska konstnären som, vid 101 års ålder, fick sin första retrospektiv på Whitney Museum of American Art 2016 — är lika viktigt som de välkända superstjärnornas. Faktum är att det finns verk på visning av många underexponerade konstnärer, såsom den nämnda funna-objekt assemblage-konstnären Thornton Dial; den beryktade Gutai-gruppmedlemmen Kazuo Shiraga, som skapade det banbrytande (bokstavligen) performanceverket "Challenging the Mud" (1955); och den innovativa ungerska abstrakta målaren Ilona Keserü. Kureringen sträcker sig också till nutid med verk av yngre abstrakta konstnärer som Chakaia Booker och Mark Bradford. Den andra grundläggande antagandet som kuratorerna anger i sin didaktik för utställningen är att existentiell ångest var den drivande kraften som inspirerade abstrakta konstnärer att börja skapa episka verk för 70 år sedan. Utställningen kan då få dig att fråga: har episk abstraktion gjort något för att lindra vår ångest? Eller har den helt enkelt hjälpt oss att acceptera existentiell ångest som grundläggande för vår mänskliga tillvaro?

En plats i historien

Rollcallen av berömda konstnärer som ingår i Epic Abstraction kommer att få alla konsthistorieentusiaster att bli exalterade: förutom de stora namnen som nämns ovan, finns det verk av Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold och Morris Louis. Och det finns gott om exempel på verk av konstnärer som kommer att vara nya för de flesta besökare, såsom den japanska kalligrafiska abstraktionisten Inoue Yūichi, den filippinska abstrakta konstnären Alfonso Ossorio, minimalistskulptören Anne Truitt och den argentinska kromatiska genien Alejandro Puente. Men förutom storleken på denna historiska offensiv, är det som jag fann mest episkt med kurateringen hur två verk i synnerhet faktiskt undergräver den berättelse som döljer sig inom undertiteln av utställningen. Genom att lista Pollock och Herrera och sätta dem åtskilda från alla andra konstnärer, verkar det för mig som att kuratorerna föreslår att Abstrakt expressionism och Minimalism är de mest inflytelserika rörelserna som beaktas, och att måleri är det primära fokuset för utställningen. Men verken, metoderna och prestationerna av Pollock och Herrera, så underbara som de är, är inte ens nära att vara de mest episka i denna utställning.

Den äran, enligt min mening, går till Louise Nevelson och Thornton Dial. Nevelson-skulpturen som visas kommer att få åskådare som aldrig tidigare har stött på hennes arbete att fråga sig varför i hela världen någon pratar om Pollock när Nevelson var hans samtida. Hennes arbete är mer tekniskt rigoröst, mer konceptuellt intressant och mer relevant för New Yorks anda, där både hon och Pollock arbetade. Pollock, för alla praktiska syften, bröt lite ny mark genom att låna och perfektionera idéerna och metoderna från andra konstnärer. Sedan, efter att ha blivit berömd för att ta det nästa logiska steget, eftersom han var kompis med en inflytelserik kritiker, självdestruerade Pollock. Hans målningar är fängslande, men Nevelson åstadkom mycket mer än Pollock, var mer originell och arbetade mycket längre, och lämnade efter sig ett mycket mer intressant och tankeväckande arv av konst och idéer.

En Långt Saknad Röst

Då finns det Thornton Dial. Hans "Shadows of the Field" (2008) är, i mina ögon och mitt sinne, det mest spöklika verket i utställningen. Dess episka natur är innesluten i dess material, dess konstruktion, dess färger och de dolda världarna — både fysiska och metafysiska — som lurar inom dess form. Sammanställd av hittade och kasserade avfallsprodukter, är verket avsett att väcka minnen av delägarjordbruk, det orättvisa och ofta brutala jordbrukssystem som Dial föddes in i 1928. En massiv sammansättning av snöre, syntetisk bomullsvadd, säckväv, plåt, tygtrasor och metall, har den en fysisk närvaro av utmattning. Den personifierar sammanslutningen av hårdhet och sårbarhet. Skapad när konstnären var 80 år gammal, förnekar den också hans självlärda hand. Faktiskt, medan Pollock blev rik och drack sig till döds, levde Dial i fattigdom, arbetade sig till benet bara för att försöka överleva i ett rasistiskt socialt system som höll de flesta svarta amerikaner borta från museer, inte bara som konstnärer utan även som betalande besökare.

Kanske, när denna utställning går framåt i tiden, kan andra definitioner av vad som är episkt dyka upp, och andra, ännu mer kraftfulla och mer fascinerande verk kommer att träda in i striden – utställningsdatumen är trots allt öppna, och verken som visas, hämtade från den permanenta samlingen av The Met, kommer att bytas ut periodiskt. Men för nu gör "Shadows of the Field", som är ett av tio verk av Dial som Met nyligen har förvärvat, det mest episka uttalandet. Det säger att en otränad svart andelsjordbrukare från södern skapade några av de mest kraftfulla och meningsfulla abstrakta konstverken under de senaste 70 åren, och överträffade verken av konstnärer som hade mycket mer privilegier och möjligheter än han. Det signalerar också att medan ångest kanske verkligen är en oundviklig del av vår mänskliga tillvaro, kan konsten som flödar från den vara, och ofta är, en räddande nåd.

Utvald bild: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Målad trä, spegel, 140 x 239 x 180 tum. (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Gåva från konstnären, 1985 © 2018 Louise Nevelsons egendom / Artists Rights Society (ARS), New York
Av Philip Barcio