Met utforskar det djupa arvet av abstrakt expressionism

The Met Fifth Avenue i New York öppnade Epic Abstraction: Pollock to Herrera denna vecka. Med mer än 50 stora verk av några av de mest fängslande abstrakta konstnärerna från det senaste seklet, förtjänar utställningen sitt namn eftersom den utforskar effekten av storslagen skala. Storslagenhet uttrycks ibland genom massiva konstverk — som den galleridominerande skulpturen “Mrs. N’s Palace” (1964–77) av Louise Nevelson — ibland genom stora idéer — som att använda automatisk teckning för att skapa målningar som kanaliserar det undermedvetnas hemligheter — och ibland genom teknisk metod, som i det oerhört komplexa assemblagearbetet av Thornton Dial. Samtidigt refererar utställningens undertitel, Pollock to Herrera, till två allmänna idéer. Den första är teorin att det arbete Jackson Pollock gjorde på 1940-talet, det årtionde som kurateringen börjar med, innebar ett havsbyte inom abstrakt konst: ett ögonblick då större verkligen började anses vara bättre. För det andra att arbetet av relativt underskattade konstnärer som Carmen Herrera — den kubanskfödda minimalistiska konstnären som, vid 101 års ålder, fick sin första retrospektiv på Whitney Museum of American Art 2016 — är lika viktigt som de välkända superstjärnornas. Faktum är att det finns verk av många underexponerade konstnärer, såsom den tidigare nämnda assemblagekonstnären Thornton Dial; den ökända medlemmen av Gutai-gruppen Kazuo Shiraga, som skapade det banbrytande (bokstavligen) performanceverket “Challenging the Mud” (1955); och den nyskapande ungerska abstrakta målaren Ilona Keserü. Kurateringen sträcker sig också fram till nutid med verk av yngre abstrakta konstnärer som Chakaia Booker och Mark Bradford. En annan grundläggande förutsättning som kuratorerna anger i sin didaktik för utställningen är att existentiell ångest var drivkraften som inspirerade abstrakta konstnärer att börja skapa episka verk för 70 år sedan. Utställningen kan då få dig att fråga: har episk abstraktion gjort något för att lindra vår ångest? Eller har den bara hjälpt oss att acceptera existentiell oro som en grundläggande del av vår mänskliga tillvaro?

En plats i historien

Uppräkningen av berömda konstnärer som ingår i Epic Abstraction kommer att göra varje konsthistorieintresserad entusiastisk: förutom de jättar som nämnts ovan finns verk av Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold och Morris Louis. Och det finns gott om exempel på verk av konstnärer som är nya för de flesta besökare, såsom den japanske kalligrafiska abstraktionisten Inoue Yūichi, den filippinske abstrakta konstnären Alfonso Ossorio, minimalistiska skulptören Anne Truitt och den argentinska färggeni Alejandro Puente. Men bortsett från omfattningen av denna historiska anstormning är det jag fann mest episkt med kurateringen hur två verk särskilt undergräver själva berättelsen som döljer sig i utställningens undertitel. Genom att lista Pollock och Herrera och särskilja dem från alla andra konstnärer verkar det för mig som att kuratorerna antyder att abstrakt expressionism och minimalism är de mest inflytelserika rörelserna som beaktas, och att måleri är utställningens huvudsakliga fokus. Men verken, metoderna och bedrifterna av Pollock och Herrera, hur underbara de än är, är inte ens i närheten av att vara de mest episka i denna utställning.

Den äran, enligt min mening, tillhör Louise Nevelson och Thornton Dial. Nevelsons skulptur som visas kommer att få betraktare som aldrig tidigare stött på hennes verk att undra varför någon överhuvudtaget pratar om Pollock när Nevelson var hans samtida. Hennes verk är mer tekniskt krävande, mer konceptuellt fängslande och mer relevanta för New Yorks anda, där både hon och Pollock verkade. Pollock bröt, i praktiken, lite ny mark genom att låna och förfina idéer och metoder från andra konstnärer. Sedan, efter att ha blivit berömd för att ta nästa logiska steg, förstörde Pollock sig själv eftersom han var vän med en inflytelserik kritiker. Hans målningar är fängslande, men Nevelson åstadkom mycket mer än Pollock, var mer originell och arbetade mycket längre, och lämnade efter sig ett långt mer fascinerande och tankeväckande arv av konst och idéer.

En länge saknad röst

Sedan finns Thornton Dial. Hans “Shadows of the Field” (2008) är, för mina ögon och min själ, de mest gripande verken i utställningen. Dess episka natur finns i dess material, dess konstruktion, dess färger och de dolda världar — både fysiska och metafysiska — som lurar inom dess form. Sammansatt av funna och kasserade avfallsmaterial är verket avsett att väcka minnet av arrendebruket, det orättvisa och ofta brutala jordbrukssystem som Dial föddes in i 1928. Ett massivt assemblage av snöre, syntetisk bomullsvadd, säckväv, plåtbitar, tygtrasor och metall, det har en fysisk närvaro av utmattning. Det förkroppsligar mötet mellan hårdhet och sårbarhet. Skapat när konstnären var 80 år gammal, vittnar det också om hans självlärda hand. Medan Pollock blev rik och drack sig till döds levde Dial i fattigdom, arbetade sig till utmattning bara för att överleva i ett rasistiskt samhälle som höll de flesta svarta amerikaner borta från museer, inte bara som konstnärer utan även som betalande besökare.

Kanske kommer andra definitioner av vad som är episkt att framträda när denna utställning rör sig framåt i tiden, och andra ännu kraftfullare och mer fängslande verk kommer att tillkomma — utställningens datum är trots allt öppna och verken som visas, hämtade från The Mets permanenta samling, kommer att bytas ut med jämna mellanrum. Men för tillfället gör “Shadows of the Field”, som är ett av tio verk av Dial som Met nyligen förvärvat, det mest episka uttalandet. Det säger att en otränad svart arrendebonde från södern skapade några av de mest kraftfulla och meningsfulla abstrakta konstverken under de senaste 70 åren, och överträffade arbetet av konstnärer som hade långt större privilegier och möjligheter än han. Det signalerar också att även om ångest verkligen kan vara en oundviklig del av vår mänskliga tillvaro, kan den konst som flödar ur den vara, och ofta är, en räddande nåd.

Utvald bild: Louise Nevelson - Mrs. N's Palace, 1964–77. Målat trä, spegel, 140 x 239 x 180 tum (355,6 x 607,1 x 457,2 cm). The Metropolitan Museum of Art, Gåva från konstnären, 1985 © 2018 Estate of Louise Nevelson / Artists Rights Society (ARS), New York
Av Phillip Barcio