การทาสีแบบ Impasto ในศิลปะนามธรรม
อาจจะเป็นอาคารที่มีสัญลักษณ์มากที่สุดในอเมริกาคือ One World Trade Center ใน Lower Manhattan ในฐานะที่เป็นจุดศูนย์กลางของการพัฒนาที่แทนที่หอคอยคู่ที่ถูกทำลายในปี 2001 การมีอยู่ของมันเองเป็นข้อความที่ทรงพลัง เพิ่มเติมความหมายให้กับสัญลักษณ์ของมันคือภาพวาดขนาดใหญ่สองภาพที่เป็น abstract impasto paintings ที่ติดตั้งถาวรในล็อบบี้ของทางเข้าทางใต้ อาคารนี้มีชื่อเล่นว่า Freedom Tower และเป็นอาคารที่สูงที่สุดในซีกโลกตะวันตก มันสูง 1776 ฟุต: เป็นการอ้างอิงอย่างตั้งใจถึงปีที่อเมริกาประกาศเอกราช ภาพวาด impasto ที่กล่าวถึงข้างต้นซึ่งประดับอยู่บนผนังล็อบบี้ทางใต้เป็นผลงานของศิลปินชาวอเมริกัน Donald Martiny หนึ่งในภาพวาดมีชื่อว่า Lenape, และอีกภาพหนึ่งมีชื่อว่า Unami ชื่อเหล่านี้อ้างอิงถึงประวัติศาสตร์ก่อนโคลัมเบียของนิวยอร์ก Lenape คือเผ่าพื้นเมืองที่เคยอาศัยอยู่บนพื้นดินที่ Freedom Tower ถูกสร้างขึ้น Unami เป็นภาษาถิ่นของ Lenape ที่ด้านบนของ Freedom Tower มีจุดชมวิวที่เรียกว่า One World Observatory จากจุดชมวิวสามารถมองเห็นได้ไกลสุดสายตา สภาพแวดล้อมโดยรอบทั้งหมดเคยสนับสนุนวัฒนธรรม Lenape ดังนั้นสิ่งที่ถูกสื่อสารโดยอาคารนี้คืออะไร? มันถูกออกแบบมาเพื่อเป็นอนุสรณ์สถานให้กับหนึ่งในการโจมตีด้วยอาวุธที่เลวร้ายที่สุดในประวัติศาสตร์มนุษย์ มันนำเสนอแนวคิดเกี่ยวกับโลกเดียว เสรีภาพ เอกราช และการค้า มันกระตุ้นให้ผู้เข้าชมมองในระยะยาว และผลงานศิลปะที่โดดเด่นที่สุดของมันมีชื่อเพื่อเป็นเกียรติแก่ผู้ที่ถูกกดขี่เพื่อสร้างชาติที่รับผิดชอบต่อการสร้างมันขึ้นมา การสนทนาที่เกิดขึ้นที่นี่คืออะไร? ความหมายของสัญลักษณ์ทั้งหมดนี้คืออะไร? อาจมีบางสิ่งที่สามารถเรียนรู้ได้จากผลงานศิลปะเอง และจากคุณสมบัติที่เป็นนามธรรมที่ impasto painting แสดงถึง.
เงาและแสง
คำว่า impasto มาจากคำภาษาอิตาลีที่หมายถึง แป้ง ในการวาดภาพ มันหมายถึงเทคนิคการทาเนื้อสีหนา ๆ บนพื้นผิวเพื่อให้มีมิติทางเนื้อสัมผัสในงานศิลปะ จิตรกรชาวอิตาลีในศตวรรษที่ 16 อย่าง Titian เป็นหนึ่งในศิลปินคนแรกที่รู้จักกันว่ามีการใช้เทคนิค impasto ในการวาดภาพของเขาอย่างตั้งใจ เขาเริ่มใช้เทคนิคนี้ในช่วงเวลาที่ภาพวาดได้รับการชื่นชมสำหรับพื้นผิวที่เรียบและไม่มีรอยแปรงที่มองเห็นได้ ในฐานะที่เป็นจิตรกรที่มีความสามารถในการสร้างสรรค์ภาพที่สมจริง Titian ตระหนักว่าการสะสมสีในบางพื้นที่บนพื้นผิวสามารถสร้างความแตกต่างในวิธีที่แสงสะท้อนออกจากมัน ทำให้ส่วนประกอบของภาพวาดมีความรู้สึกเหมือนมีชีวิต.
การปัดสีแบบอิมพาสโตแต่ละครั้งทำให้เกิดการเปลี่ยนแปลงใน สี ที่ปรากฏจากเงาที่เกิดขึ้นเมื่อแสงกระทบกับสีที่ยกขึ้น ขึ้นอยู่กับตำแหน่งของแสงและมุมมองของผู้ชม ภาพวาดแบบอิมพาสโตสามารถเปลี่ยนแปลงได้ในวิธีที่ละเอียดอ่อน เพิ่มความหลากหลายของความลึกและความรู้สึกของความเป็นจริงที่สูงขึ้น ในศตวรรษของเขา ทีเชียนได้ต่อต้านประเพณีโดยการทำให้การปัดสีของเขามองเห็นได้และให้คุณสมบัติของวัสดุของสื่อของเขาแสดงออกมา แต่เขามีความชำนาญในเทคนิคนี้มากจนมีอิทธิพลทำให้มันได้รับความนิยมอย่างรวดเร็ว ในศตวรรษที่ 17 เรมบรันด์ได้รวมการวาดภาพแบบอิมพาสโตเข้าไว้ในผลงานของเขาอย่างมีชื่อเสียง และในศตวรรษที่ 19 เทคนิคนี้ได้รับการยกย่องอย่างมากจนแวนโก๊ะทำให้มันเป็นสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขา.
Van Gogh - The Starry Night, 1889, 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4 in. MoMA Collection. © Van Gogh (Left) and detail (Right)
การแสดงออกเชิงนามธรรม
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 20 กลุ่มจิตรกรที่เรียกว่า เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ กำลังมองหาวิธีการแสดงอารมณ์ภายในในงานจิตรกรรมของพวกเขา แทนที่จะเป็นเพียงการจับภาพความเป็นจริงภายนอก พวกเขาได้นำเทคนิคการทาสีแบบอิมพาสโตมาใช้เป็นหนึ่งในเทคนิคที่ชื่นชอบ สีที่ทาเป็นชั้นหนามีคุณสมบัติมากมาย เช่น น้ำหนัก ความลึก และแรงโน้มถ่วง ยิ่งทาให้หนามากเท่าไหร่ ยิ่งสร้างเงามากขึ้นเท่านั้น มันทำให้ภาพลักษณ์เป็นนามธรรม บิดเบือนวิธีที่ผู้ชมมีปฏิสัมพันธ์กับเนื้อหา เอ็กซ์เพรสชันนิสต์พบว่ามันเหมาะสมสำหรับการสื่อสารความจริงจัง ความเข้มข้น และดราม่า.
ในช่วงเวลาเดียวกันที่อิมเพรสชันนิสม์เริ่มมีความโดดเด่น การทำงานเชิงนามธรรมก็เริ่มเป็นที่สนใจของศิลปินหลายคน การทาสีแบบอิมพาสโตกลายเป็นเทคนิคที่เหมาะสมสำหรับศิลปินนามธรรม เนื่องจากช่วยเปลี่ยนจุดสนใจของภาพวาดจากเนื้อหาไปยังคุณสมบัติทางรูปแบบของงาน ดังนั้น ภาพวาดนามธรรมแบบอิมพาสโตจึงไม่จำเป็นต้องเกี่ยวกับสิ่งใดนอกจากสี ฮันส์ ฮอฟมันน์ เป็นศิลปินนามธรรมที่มีอิทธิพลอย่างมากคนหนึ่งที่ยอมรับการทาสีแบบอิมพาสโตอย่างเต็มที่ ฮอฟมันน์เชื่อว่าการมุ่งเน้นไปที่องค์ประกอบทางรูปแบบของความงามแทนที่จะเลียนแบบความเป็นจริง ศิลปินสามารถแสดงความจริงที่ลึกซึ้งกว่า เขาใช้การทาสีแบบอิมพาสโตเพื่อแสดงคุณสมบัตินามธรรมของโครงสร้าง, พื้นที่, สี, รูปทรง และภาพลวงตา.
Hans Hofmann - Laburnum, 1954. Oil on linen. 40 x 50 in. (101.6 x 127 cm). Private collection. Courtesy Tom Powel Imaging (Left) and painting detail (Right)
มิติทางประติมากรรม
นอกจากการเป็นจิตรกรแล้ว ฮอฟมันน์ยังเป็นครูอีกด้วย นักเรียนหลายคนที่เขาสอน เช่น เฮเลน แฟรงเคนธาเลอร์ และ ลี คราสเนอร์ ภรรยาของ แจ็คสัน พอลล็อค ได้กลายเป็นบุคคลสำคัญในขบวนการนามธรรมการแสดงออก ฮอฟมันน์มีผลกระทบอย่างลึกซึ้งต่อวิธีที่จิตรกรเหล่านี้เกี่ยวข้องกับสื่อของพวกเขา เนื่องจากจุดสนใจของจิตรกรนามธรรมการแสดงออกหลายคนคือการถ่ายทอดความรู้สึกในจิตใต้สำนึกของพวกเขา และเพื่อจับอารมณ์และความเข้มข้นของการกระทำการวาดภาพบนผืนผ้าใบ ฮอฟมันน์ได้ปลูกฝังให้พวกเขาเห็นว่าคุณสมบัติทางวัสดุของสื่อของพวกเขาควรเป็นองค์ประกอบสำคัญในงานของพวกเขา.
เขาสอนพวกเขาว่า "แต่ละสื่อในการแสดงออกมีลำดับการมีอยู่ของมันเอง" ในมือของจิตรกรอย่างแจ็คสัน พอลล็อค และเจน แฟรงค์ การทาสีแบบอิมพาสโตได้กลายเป็นมิติใหม่โดยแท้จริง เจน แฟรงค์สร้างชั้นสถาปัตยกรรมของสื่อบนพื้นผิวอิมพาสโตของเธอ แจ็คสัน พอลล็อค สาด หยด และเทสีในปริมาณมากจนถึงขนาดที่น้ำหนักของชั้นอิมพาสโตของเขาขู่ว่าจะทำลายฐานรองของผลงานของเขา นอกจากนี้ กลุ่มศิลปินนามธรรมแสดงออกยังได้ขยายแนวคิดเกี่ยวกับการทาสีแบบอิมพาสโตให้รวมถึงสิ่งอื่นนอกเหนือจากสี เช่น สื่อที่ไม่ธรรมดาและเศษซาก เช่น แก้วที่แตก หิน และก้นบุหรี่ โดยการเพิ่มวัสดุและสื่อที่ไม่ธรรมดาเข้าไปในชั้นอิมพาสโตของพวกเขา ศิลปินเหล่านี้จึงแสดงออกถึงความลึกเชิงแนวคิดรวมทั้งความลึกทางกายภาพด้วย
Jane Frank - Crags and Crevices, 1961. Oil and spackle on canvas. 70 x 50 in. © Jane Frank
ทุกอย่างเกี่ยวกับสี
ในตอบสนองต่อความเข้มข้นทางอารมณ์ของ Abstract Expressionism การทาสีแบบ impasto ได้ตกเป็นที่นิยมน้อยลงในหมู่ศิลปินหลายคนในช่วงปี 1960 และ 70 โดยเฉพาะศิลปินที่เกี่ยวข้องกับ Minimalism ศิลปินเหล่านี้พยายามสร้างพื้นผิวที่เรียบเนียนซึ่งกำจัดหลักฐานของศิลปินแต่ละคนที่สร้างสรรค์ผลงานนั้น เพื่อสร้างพื้นผิวที่เรียบเนียนอย่างสุดขีด พวกเขาหันไปใช้เทคนิคต่างๆ เช่น การย้อมสีและการพ่นสี และใช้กระบวนการที่เป็นกลไกและอุตสาหกรรม แต่ในช่วงปี 1980 ความรักใน impasto กลับมาอีกครั้ง.
Alan Ebnother - Abide 95-11, 1995. Oil on linen. 28.25 x 28.25 in. 71.76 x 71.76 cm. Courtesy George Lawson Gallery. © Alan Ebnother
หนึ่งในเหตุผลที่เทคนิคนี้กลับมาเป็นที่นิยมอีกครั้งคือการตอบสนองต่อความรู้สึกที่ว่า Minimalism ขาดจิตวิญญาณ อีกเหตุผลคือความสนใจที่เพิ่มขึ้นในคุณสมบัติทางรูปแบบของวัสดุศิลปะ การแสดงออกที่ประสบความสำเร็จอย่างหนึ่งของความงามแบบ Minimalist คือการวาดภาพโมโนโครม โมโนโครม แสดงถึงสีบริสุทธิ์และความเรียบ ในปี 1980 จิตรกรเช่น James Hayward และ Alan Ebnother เริ่มจินตนาการใหม่เกี่ยวกับโมโนโครมผ่านการวาดภาพแบบอิมพาสโต โมโนโครมแบบอิมพาสโตของพวกเขายอมรับการแสดงออกของสี แต่เพิ่มมิติของความเป็นกายภาพและความเฉพาะเจาะจงของสื่อ โดยการกำจัดความไม่เป็นตัวตนของโมโนโครมแบบ Minimalist และนำกลับมาซึ่งรอยของศิลปิน พวกเขาได้จัดลำดับความสำคัญใหม่ให้กับอารมณ์และบุคลิกภาพ และนำความสนใจกลับมาสู่คุณสมบัติที่สำคัญของสีทา.
เจมส์ เฮย์เวิร์ด - อับสแตรกต์ 31, 2001. น้ำมันบนผ้าใบบนแผ่นไม้. 30 x 28 นิ้ว. © เจมส์ เฮย์เวิร์ด (ซ้าย) และ อสมมาตร โครมาคอร์ด 38, 2009. น้ำมันบนผ้าใบบนแผ่นไม้. © เจมส์ เฮย์เวิร์ด (ขวา)
เหนือกว่าแป้ง
เมื่อมองย้อนกลับไปในประวัติศาสตร์ของการทาสีแบบอิมพาสโต จะเห็นได้ชัดว่าเทคนิคนี้มีความสัมพันธ์เชิงนามธรรมที่หลากหลาย ในช่วงเริ่มต้น มันได้ก้าวไปสู่ขั้นตอนที่ไม่เคยมีมาก่อนโดยไม่ปิดบังความจริงที่ว่างานศิลปะนั้นทำจากสี ในแง่นี้ มันได้ทำลายภาพลวงตา มันยังทำหน้าที่เน้นความแตกต่างที่ละเอียดอ่อนและมักจะเปลี่ยนแปลงระหว่างความมืดและแสงสว่าง ในยุคโมเดิร์น อิมพาสโตได้กลายเป็นวิธีการแสดงออกถึงอารมณ์ลึกซึ้งและความรู้สึกดิบของจิตใต้สำนึก และในการใช้งานร่วมสมัยมันได้กลายเป็นการแสดงออกถึงพลังและความเรียบง่ายของการเคลื่อนไหวทางศิลปะเอง ดังนั้นเราสามารถสรุปอะไรเกี่ยวกับการสนทนาที่เกิดขึ้นระหว่าง One World Trade Center และภาพวาดอิมพาสโตนามธรรมโดย Donald Martiny ที่ตั้งอยู่ในล็อบบี้ของมัน?
แม้ว่าภาพวาดเหล่านี้จะดูเหมือนการใช้แปรงที่มีเนื้อสัมผัสหนา แต่จริง ๆ แล้วมันถูกสร้างขึ้นอย่างพิถีพิถันในกระบวนการที่ใช้ความพยายามอย่างมาก ในระหว่างที่มาร์ตินี่เท หยด และป้ายชั้นของสื่อทีละชั้น บางครั้งใช้มือเปล่าของเขา พวกมันแสดงถึงการทำงานหนัก การปรับตัว ความอดทน วิสัยทัศน์ และพลังที่มีอยู่ในความสร้างสรรค์อย่างระมัดระวังของชั้นต่าง ๆ ตลอดเวลา นอกจากนี้ เช่นเดียวกับภาพวาดแบบอิมพาสโต เลนาพี และ อูนามิ ยังเป็นสัญลักษณ์ของการทำลายภาพลวงตา ธรรมชาติที่พัฒนาไปของความมืดและแสง ความลึกทางอารมณ์และร่างกายที่หลากหลาย และความเป็นจริงดั้งเดิมของจิตใต้สำนึกของมนุษย์ เมื่อพิจารณาจากมุมมองนี้ พวกมันกลายเป็นมากกว่าวัตถุที่มีความสวยงาม และมากกว่าการแสดงออกเชิงสัญลักษณ์ พวกมันกลายเป็นตัวแทนที่เป็นนามธรรมที่สมบูรณ์แบบของสื่อของพวกเขา สภาพแวดล้อมของพวกเขา ชื่อของพวกเขา ประวัติศาสตร์ของพวกเขา และยุคของพวกเขา.
ภาพเด่น: Donald Martiny - Lenape, One World Trade Center, 2015, © Donald Martiny
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
