ความสุขของศิลปะนามธรรมที่มีสีสันที่แกลเลอรี Mnuchin
แกลเลอรี Mnuchin ในนิวยอร์ก กำลังจัดแสดงนิทรรศการกลุ่มเฉลิมฉลองศิลปะนามธรรมที่เต็มไปด้วยสีสันในชื่อ The Joy of Color ซึ่งรวบรวมผลงานตั้งแต่ปี 1939 ถึง 2018 นิทรรศการนี้นำเสนอภาพรวมที่ไม่เหมือนใครเกี่ยวกับวิธีที่ศิลปินใช้สีเป็นทั้งเนื้อหาและแนวคิด โดยมีผลงานของศิลปินสำคัญทางประวัติศาสตร์ที่แกลเลอรีเป็นตัวแทน เช่น Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis และ Sam Gilliam รวมถึงศิลปินผู้บุกเบิกในศตวรรษที่ 20 อย่าง Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland และ Jack Bush นอกจากนี้ยังมีภาพวาดของศิลปินร่วมสมัยที่มีความสำคัญ เช่น Laura Owens และ Sean Scully รวมถึงศิลปินหน้าใหม่อย่าง Sarah Crowner และ Nathlie Provosty สำหรับชาวนิวยอร์กบางคน นิทรรศการนี้อาจเป็นโอกาสที่สมบูรณ์แบบในการกลับไปเยี่ยมชมพื้นที่ของ Mnuchin ในปี 2016 นักวิจารณ์ศิลปะของนิตยสาร New York ชื่อ Jerry Saltz ได้เขียนบทความวิจารณ์ในหัวข้อ “ทำไมฉันถึงไม่ไปที่แกลเลอรี Mnuchin อีกต่อไป” โดยเขาอ้างถึง Steven Mnuchin—บุตรชายของเจ้าของแกลเลอรี Robert Mnuchin—ที่ได้รับแต่งตั้งเป็นหัวหน้าฝ่ายการเงินแคมเปญของผู้สมัครชิงตำแหน่งประธานาธิบดีในขณะนั้น Donald Trump เป็นเหตุผล หลังจากบทความนั้นเผยแพร่ Steven Mnuchin ได้รับแต่งตั้งเป็นรัฐมนตรีว่าการกระทรวงการคลังของสหรัฐอเมริกา ด้วยเหตุผลที่ไม่เกี่ยวข้องกับศิลปะ แต่เกี่ยวข้องกับอุดมการณ์ Saltz จึงสนับสนุนให้ผู้อ่านลงโทษบิดาผู้ขายงานศิลปะสำหรับบาปทางการเมืองที่เขาเห็นว่าเป็นของบุตรชาย ดราม่าที่แต่งขึ้นเช่นนี้น่าหัวเราะ แต่ไม่ว่าใครที่ยอมแพ้ต่อแรงกดดันทางสังคมก็ควรถือว่า The Joy of Color เป็นข้ออ้างที่สมบูรณ์แบบในการให้โอกาสแกลเลอรีอีกครั้ง นิทรรศการนี้เหมือนการเดินชมส่วนสมัยใหม่และร่วมสมัยของพิพิธภัณฑ์ขนาดเล็กแต่สำคัญ มากกว่าการเดินชมแกลเลอรีเชิงพาณิชย์ ผลงานแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนว่างานศิลปะนามธรรมที่ดีที่สุดมีความสามารถในการก้าวข้ามการเมืองเล็กน้อยและเปิดประตูใหม่สู่การรับรู้ในสิ่งที่งดงามและมีความหมายในโลกนี้
สีในฐานะกลยุทธ์
The Joy of Color เริ่มต้นด้วย โมบายของ Calder ที่แขวนอยู่ใต้เพดานข้างบันได รูปทรงนามธรรมสีแดง เหลือง ขาว และเทาหมุนอย่างอ่อนโยนในลมที่เกิดจากการเคลื่อนไหวและลมหายใจของเรา Calder ใช้สีเพื่อให้ผู้คนคิดถึง “แนวคิดของร่างกายที่ลอยอยู่ในอวกาศอย่างแยกจากกัน” รูปทรงสีสันเหล่านี้ให้ความเพลิดเพลินในขณะที่พินิจพิเคราะห์ประเด็นสากลอย่างฟิสิกส์และกลศาสตร์ นอกเหนือจากโมบายแล้ว ยังมีภาพวาดขนาดเล็กสองภาพวางอยู่ข้างซุ้มประตู ด้านซ้ายคือ “Lode” (2018) โดย Nathlie Provosty ด้านขวาคือภาพเขียนสีแบบไม่มีชื่อโดย Mark Rothko ประมาณปี 1959 ทั้งสองภาพมีโครงสร้างเป็นระนาบและรูปทรงสี่เหลี่ยม ทั้งคู่ใช้การเปลี่ยนแปลงสีอย่างละเอียดอ่อนเพื่อเชิญชวนผู้ชมเข้าสู่ประสบการณ์การพินิจพิเคราะห์ สีที่นี่ไม่ใช่เนื้อหาเท่าใดนัก แต่เป็นจุดเริ่มต้นของการเผชิญหน้าทางการรับรู้กับตัวตนภายใน ภาพของ Provosty โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ด้วยความแตกต่างเล็กน้อยของสีเหลือง เผยให้เห็นความแตกต่างที่ละเอียดอ่อนระหว่างสิ่งที่ดูเหมือนจะเหมือนกัน—เพียงแต่โดยทั่วไปแล้วเราจึงเรียกมันว่าสีเดียว ทุกสีเหลืองไม่เหมือนกัน
Nathlie Provosty - Lode, 2018. สีน้ำมันบนผ้าลินินบนแผ่นอลูมิเนียม ขนาด 19 x 15 นิ้ว (48.3 x 38.1 ซม.) © Nathlie Provosty. โดยความอนุเคราะห์ของ Mnuchin Gallery
ภาพวาดอื่น ๆ ในนิทรรศการที่ใช้สีเป็นกลยุทธ์เพื่อเชื่อมโยงกับเนื้อหาอื่น ๆ ได้แก่ “Aleph Series V” (1960) โดย Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) โดย Sean Scully, ภาพวาดไม่มีชื่อโดย Laura Owens จากปี 2006 และภาพวาดไม่มีชื่อจาก Joan Mitchell จากปี 1958 ภาพของ Louis ดึงดูดสายตาด้วยความสัมพันธ์ของสีที่สั่นไหวรอบขอบภาพ แต่เมื่อสีผสมกลืนเป็นความมืดในศูนย์กลาง เราจะรับรู้ถึงพื้นผิวมากขึ้น: ผ้าใบที่ไม่ได้รองพื้นกลายเป็นหนึ่งเดียวกับสี เช่นเดียวกับสีและรูปทรงที่กลายเป็นหนึ่งเดียวกัน—ทุกอย่างหลอมรวมเป็นหนึ่งเดียว ภาพของ Scully ใช้สีเพื่อเชิญชวนให้เราพิจารณาแปรงและพื้นผิว เป็นการเชื้อเชิญให้ชื่นชมคุณสมบัติของวัสดุสี ภาพของ Owens ใช้สีเป็นตัวกระตุ้นทางอารมณ์ พาเลตต์ที่ร่าเริงสะท้อนถึงลักษณะรูปธรรมของงานที่แสดงความสุขในความเป็นหญิง ความเปิดกว้าง และธรรมชาติ สุดท้าย รอยแปรงที่วุ่นวายบนผืนผ้าใบของ Mitchell แสดงให้เห็นว่าสีสามารถกลายเป็นสัญลักษณ์ของอารมณ์ แสดงความวิตกกังวลลึก ๆ ของจิตวิญญาณมนุษย์
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. สีน้ำมันบนอลูมิเนียม ขนาด 85 x 75 นิ้ว (215.9 x 190.5 ซม.) © Sean Scully. โดยความอนุเคราะห์ของ Mnuchin Gallery
สีในฐานะพื้นที่
ภาพวาดหลายชิ้นใน The Joy of Color ใช้สีในความหมายที่เป็นทางการมากขึ้น แสดงให้เห็นว่าสีเป็นผู้สร้างและกำหนดขอบเขตของพื้นที่ทางสายตาได้อย่างมีประสิทธิภาพ “Nature’s Red Impressions” (1968) โดย Alma Thomas นำเสนอการอธิบายแนวคิดนี้อย่างยิ่งใหญ่ จากระยะไกล สีประกาศโครงสร้างเชิงเส้น แบ่งสถาปัตยกรรมทางสายตาออกเป็นแท่งแนวตั้ง เมื่อมองใกล้ ๆ เสาเหล่านั้นจะแตกออกเป็นรูปร่างอินทรีย์จำนวนมาก พื้นที่ว่างสีขาวระหว่างรูปร่างและเสาแสดงตัวเองเป็นโลกที่อยู่นอกเหนือผิวหน้า มนตร์เสน่ห์ที่คล้ายกันยังปรากฏใน “Strawberry” (1970) โดย Jack Bush รูปทรง “U” สีชมพูขนาดใหญ่สะท้อนสีของชื่อภาพวาด ในขณะที่พื้นหลังสีชมพูอ่อนที่มีจุดสีเข้มสร้างมิติ แถบสีที่เสริมกันด้านล่างของผืนผ้าใบทั้งทำให้พื้นที่แบนราบและหลอกตาให้รู้สึกถึงเส้นขอบฟ้ารวมกับขบวนพาเหรดของรูปทรงเรขาคณิตที่เคลื่อนไหว
Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. สีอะคริลิกบนผืนผ้าใบ ขนาด 51 x 49 1/2 นิ้ว (129.5 x 125.7 ซม.) © Alma Thomas. โดยความอนุเคราะห์ของ Mnuchin Gallery
ในบรรดาภาพวาดที่มีองค์ประกอบเชิงพื้นที่ที่ดึงดูดสายตามากที่สุดในนิทรรศการ ได้แก่ “Elberta” (1975) โดย Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) โดย Kenneth Noland และ “The Wave (Urszula)” (2014) โดย Sarah Crowner Frankenthaler สร้างความกว้างใหญ่ในภาพที่ย้อมสีของเธอ เปิดโอกาสให้สายตาเห็นจักรวาลภาพที่กว้างขวางและเปล่งประกาย Noland สร้างผลตรงกันข้ามโดยทำให้พื้นที่เรียบง่ายและรวมศูนย์ด้วยองค์ประกอบวงกลมเป้าหมายที่คุ้นเคย Crowner จัดระเบียบพื้นที่เป็นความไม่กลมกลืนที่กลมกลืนด้วยรูปคลื่นสีแดงและส้มที่สั่นไหวและมีรูปร่างคล้ายสิ่งมีชีวิต แต่การสร้างพื้นที่ที่ลึกซึ้งที่สุดมาจาก “Atmosphere” (1972) โดย Sam Gilliam เทคนิคเฉพาะตัวของเขาในการตัดขอบผืนผ้าใบทำให้สีสร้างพื้นที่ที่เกินขอบเขตทางกายภาพของงาน ภาพวาดเชิญชวนให้เราฉงนใจเกี่ยวกับสิ่งที่อยู่เหนือขอบเขตของสิ่งที่เรามองเห็น—เรื่องสำคัญสำหรับเราในยุคนี้ และอาจเป็นสิ่งที่คุณ Saltz อาจอยากแวะมาที่แกลเลอรีเพื่อพิจารณา The Joy of Color จัดแสดงถึงวันที่ 8 ธันวาคม 2018
ภาพเด่น: The Joy of Color - นิทรรศการกลุ่มที่ Mnuchin Gallery, นิวยอร์ก, 2018 © Tom Powel Imaging. โดยความอนุเคราะห์ของ Mnuchin Gallery
โดย Phillip Barcio
