มรดกของเซอร์ฮาวเวิร์ด ฮอดจ์กิน

ศิลปินนามธรรมชาวอังกฤษที่มีชื่อเสียงและผู้สร้างสรรค์งานพิมพ์ Howard Hodgkin เป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับรางวัลมากที่สุดในรุ่นของเขา เขาเป็นตัวแทนของอังกฤษในงาน Venice Biennale ปี 1984 และได้รับรางวัล Turner Prize ในปี 1985 ในปี 1976 เขาได้รับการเข้าร่วมใน Most Excellent Order of the British Empire (CBE); เขาได้รับการแต่งตั้งเป็นอัศวินในปี 1992; และในปี 2003 สมเด็จพระราชินีเอลิซาเบธที่ 2 ได้มอบเขาเข้าสู่ Order of the Companions of Honour ซึ่งเขาได้เข้าร่วมในรายชื่อที่คัดเลือกมาเพียงสามศิลปินนามธรรมอื่น ๆ ได้แก่ Henry Moore, Victor Pasmore และ Bridget Riley ที่ได้รับเกียรติเช่นเดียวกัน สถานะที่มีชื่อเสียงที่ Hodgkin สร้างขึ้นในอาชีพของเขานั้นตรงกันข้ามอย่างชัดเจนกับความยากลำบากในช่วงต้นของชีวิตการทำงานของเขา ในปี 1981 Hodgkin กล่าวไว้ว่า "ฉันคิดว่าฉันโชคดีที่ไม่ประสบความสำเร็จเลยจนกระทั่งฉันมีอายุกลางคน, แต่มีช่วงเวลาที่ขมขื่นมากมายที่ต้องใช้ชีวิตผ่านไปเมื่อมันนานมากก่อนที่ใครจะดูภาพของฉันเลย" ในช่วงอายุ 30 ของเขา เขารู้สึกสิ้นหวังจากการถูกปฏิเสธจนพิจารณาการฆ่าตัวตาย แต่แทนที่จะยอมแพ้ต่อความสิ้นหวัง เขาได้มอบตัวเองใหม่ให้กับการแสดงออกทางสุนทรียศาสตร์ของตัวตนภายในของเขา ยิ่ง Hodgkin สำรวจภายในมากเท่าไหร่ เขาก็ยิ่งเข้าใจความสัมพันธ์ระหว่างอารมณ์และสิ่งที่จำเป็นพื้นฐานของศิลปะ เช่น สีและสีทา; และงานของเขาก็ยิ่งนามธรรมมากขึ้นเรื่อย ๆ ในช่วงท้ายของชีวิตของเขา Hodgkin ได้สร้างผลงานที่โดดเด่นซึ่งอิงจากสไตล์ที่ลดทอนลงซึ่งสื่อสารความรู้สึกดิบในรูปแบบที่เรียบง่ายและตรงไปตรงมาที่สุด.

ตัวเลขและความรู้สึก

มีการถกเถียงกันมานานเกี่ยวกับว่าเราควรเรียก Howard Hodgkin ว่าเป็นศิลปินเชิงรูปหรือเชิงนามธรรม ผลงานในช่วงแรกของเขาชัดเจนว่าอิงจากความเป็นจริง แสดงให้เห็นถึงรูปทรงในพื้นที่ภายใน บางครั้งในสถานการณ์ทางสังคม แต่เมื่ออาชีพของเขาพัฒนา เขาได้เบลอเส้นแบ่งระหว่าง นามธรรม และการสร้างภาพ สร้างภาพวาดที่ตั้งอยู่ในจุดตัดระหว่างทั้งสอง แทนที่จะจัดการเฉพาะเนื้อหาที่เฉพาะเจาะจงจากชีวิตของเขา เขาได้สำรวจวิธีที่องค์ประกอบทางรูปแบบ เช่น สี ลวดลาย และพื้นผิว สามารถกระตุ้นองค์ประกอบทางอารมณ์ภายในภาพของเขา ในหลายทศวรรษ ผลงานของเขามีองค์ประกอบเชิงรูปที่เล็กน้อยซึ่งซ่อนอยู่ภายใน สีพื้นนามธรรม รูปร่าง และลวดลาย แต่ถึงแม้ว่าเขาจะวาดสิ่งที่ผู้ชมส่วนใหญ่จะถือว่าเป็นนามธรรมอย่างแท้จริง Hodgkin เองก็ชอบที่จะบอกว่างานนั้นยังคงเป็นเชิงรูป เนื่องจากมันเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเรื่องราวที่ต่อเนื่องซึ่งได้รับอิทธิพลจากความเป็นจริงส่วนตัวของเขา.

ฮอดจ์กินเริ่มแสดงภาพวาดของเขาในปี 1950 เมื่ออายุ 18 ปี ขณะที่ยังเป็นนักเรียน ในความเป็นจริง หนึ่งในผลงานแรก ๆ ของเขา ซึ่งเป็นภาพวาด กัวช บนแผ่นไม้ที่มีชื่อว่า Memoirs ซึ่งเขาวาดเมื่ออายุเพียง 16 ปี ถือว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาโดยแฟน ๆ บางคน เขาได้รับการจัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกในปี 1962 ที่แกลเลอรีอาร์เธอร์ ทูธ & ซันส์ ในลอนดอน การผสมผสานที่เป็นเอกลักษณ์ระหว่างการแสดงออกและนามธรรมที่กำหนดผลงานในนิทรรศการนั้นทำให้ฮอดจ์กินโดดเด่นและกล้าหาญ แต่สาธารณชนชาวอังกฤษไม่ได้เข้าใจผลงานในทันที และนิทรรศการนั้นไม่ได้ประสบความสำเร็จทางการค้า มันจะใช้เวลานานเกือบสิบปีก่อนที่ผู้ชมในบ้านเกิดของเขาจะเริ่มชื่นชมความสามารถที่โดดเด่นของเขา.

Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, Gouache on board, 8 5/8 x 9 7/8 in, © The Estate of Howard Hodgkin

ความทรงจำของอินเดีย

ในช่วงต้นชีวิต ฮาวเวิร์ด ฮอดจ์กิน ตระหนักว่าภาพวาดที่เขาต้องการวาดนั้นมีลักษณะคล้ายกับสิ่งของทางสุนทรียศาสตร์ที่มาจากความทรงจำของเขาเอง ในฐานะที่เป็นคนที่ชอบเดินทางเป็นพิเศษ ความทรงจำที่ทรงพลังที่สุดของเขาหลายอย่างเกี่ยวข้องกับทิวทัศน์ที่งดงามและผู้คนที่น่าทึ่งที่เขาได้พบเจอในต่างประเทศ บางส่วนของภาพพิมพ์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดที่เขาสร้างขึ้นเกี่ยวข้องกับการเดินทางที่เขาไปยังอินเดีย ในชุดภาพพิมพ์สกรีนที่เขาสร้างขึ้นซึ่งมีชื่อว่า Indian Views เขาได้พูดถึงหน้าต่างแนวนอนขนาดเล็กที่พบได้ทั่วไปในด้านข้างของรถไฟในประเทศนั้น ภาพเหล่านี้อ่านเหมือนภูมิทัศน์ที่เรียบง่ายพร้อมเส้นขอบฟ้า แต่ก็สามารถพิจารณาได้ว่าเป็นสนามสีที่เป็นนามธรรมได้เช่นกัน.

นอกเหนือจากการใช้สีที่มีอารมณ์แล้ว สกรีนพริ้นท์ Indian View ของเขายังมีความโดดเด่นในแง่ที่ว่ามันมีองค์ประกอบทางสุนทรียศาสตร์แบบอาร์chetypal ของกรอบ ซึ่งเมื่อเวลาผ่านไปกลายเป็นสิ่งที่สำคัญต่อฮอดจ์กิน ในหลาย ๆ งานจิตรกรรมเชิงนามธรรมของเขา เขาได้วาดกรอบสี่เหลี่ยมผืนผ้าซึ่งบรรจุภาพไว้ จากนั้นเขาเริ่มกรอบพื้นผิวของเขาในกรอบไม้จริงแล้วจึงวาดภาพลงบนพื้นผิวและกรอบเช่นกัน โดยการรวมทั้งสองอย่างเข้าด้วยกัน กรอบที่ถูกวาดขึ้นกำหนดให้ภาพวาดของเขาเป็นวัตถุที่ต้านทานต่อการรบกวนจากภายนอก และชี้แจงว่าความหมายของมันถูกบรรจุอยู่ภายในตัวมันเองทั้งหมด.

Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, Screenprint on paper, 581 x 780 mm, © The Estate of Howard Hodgkin

การรับรู้จากภายนอก

แม้จะขาดความเข้าใจที่ฮอดจ์กินได้รับจากสาธารณชนในตอนแรก เขายังคงจัดแสดงผลงานและยังคงติดตามสไตล์ที่เป็นเอกลักษณ์ของเขา สร้างภาพที่เป็นนามธรรม-รูปทรงผสมผสานและพัฒนาภาษาทัศนศิลป์ที่มีอารมณ์และมีสีสันซึ่งอิงจากความรู้สึก ในปี 1971 เขาได้รับเชิญให้จัดแสดงผลงานในต่างประเทศเป็นครั้งแรกที่โคโลญ ประเทศเยอรมนี การจัดแสดงนั้นประสบความสำเร็จ และในปีถัดมาเขาได้จัดแสดงในงานกลุ่มที่ปารีส และในปีถัดไปเขาได้จัดแสดงผลงานในสหรัฐอเมริกาเป็นครั้งแรกที่แกลเลอรีในนิวยอร์ก.

เขารู้สึกดีใจที่ผู้ชมต่างประเทศมีความประทับใจที่แตกต่างจากผลงานของเขา หลังจากการเปิดตัวในนิวยอร์ก ฮอดจ์กินกล่าวว่า “พวกเขาตระหนักในทันทีว่าฉันเป็นศิลปินประเภทไหน...ปฏิกิริยานั้นทำให้ฉันรู้สึกว่าฉันกำลังสื่อสารกับผู้ชม ฉันรู้สึกเช่นนั้นได้ยากในอังกฤษ” อาจเป็นเพราะความสนใจจากต่างประเทศนี้ หรืออาจเป็นเพราะผู้ชมชาวอังกฤษเพียงแค่ตระหนักว่าพวกเขาขาดอะไรไป ในอีกไม่กี่ปีข้างหน้า ฮอดจ์กินเห็นชื่อเสียงของเขาในอังกฤษดีขึ้น จนถึงปี 1976 เขาได้รับรางวัล CBE และได้รับการจัดแสดงนิทรรศการย้อนหลังครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่แห่งออกซ์ฟอร์ด.

Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, oil on wood, 33 x 36 in, © The Estate of Howard Hodgkin

โรงเรียนแห่งลอนดอน

ในปี 1976 ฮอดจ์กินได้รับเกียรติให้รวมอยู่ในกลุ่มศิลปินชาวอังกฤษที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่เรียกว่า โรงเรียนลอนดอน ศิลปิน R. B. Kitaj เป็นผู้สร้างคำว่า โรงเรียนลอนดอน ในบทความแคตตาล็อกที่เขาเขียนสำหรับนิทรรศการที่ชื่อว่า ดินมนุษย์ คิตาจตั้งใจให้คำนี้ดึงดูดความสนใจไปที่ความจริงที่ว่าในทางตรงกันข้ามกับแนวโน้มทั่วโลกที่มุ่งไปสู่ ป๊อปอาร์ต, มินิมัลลิซึม, ศิลปะเชิงแนวคิด และสไตล์ยอดนิยมอื่น ๆ กลุ่มศิลปินชาวอังกฤษที่มีความสามารถได้สำรวจความเกี่ยวข้องสมัยใหม่ของรูปมนุษย์ในศิลปะอย่างขยันขันแข็ง.

The Human Clay รวมผลงานของศิลปิน 48 คน; ในจำนวนนี้มี Kitaj และ Hodgkin รวมถึงศิลปินคนอื่น ๆ ที่ต่อมาได้กลายเป็นผู้มีอิทธิพลอย่างมากในระดับนานาชาติ เช่น Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore และ Lucian Freud แต่ละคนในขณะนั้นได้สำรวจการสร้างภาพในรูปแบบที่ทันสมัยอย่างไม่เหมือนใคร อย่างไรก็ตามส่วนใหญ่ยังคงปฏิเสธป้ายชื่อ School of London เมื่อพวกเขาได้ยินเป็นครั้งแรก Howard Hodgkin ปฏิเสธป้ายชื่อดังกล่าว แม้ว่าเขาจะมีผลงานห้าชิ้นในนิทรรศการ ซึ่งเป็นจำนวนที่สูงเป็นอันดับสองของศิลปินคนใดคนหนึ่ง การถูกนำเสนอในงานนี้ยังเป็นการสนับสนุนสำหรับ Hodgkin และเป็นการยืนยันความพยายามของเขาในที่สาธารณะอย่างยิ่ง.

Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, Oil on wood, 44 1/4 x 50 in, © The Estate of Howard Hodgkin

น้อยแต่มาก

ตลอดอาชีพของเขา ฮอดจ์กินได้ค้นหาวิธีการแสดงออกมากขึ้นในขณะที่แสดงออกน้อยลง จนกระทั่งลดองค์ประกอบเชิงรูปภาพในงานของเขาจนแทบจะไม่เหลืออยู่เลย ในช่วงเวลาเดียวกับที่เขาได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในช่วงปลายทศวรรษ 1970 ฮอดจ์กินยังได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงในชีวิตส่วนตัว หลังจากแต่งงานกับภรรยาของเขา จูเลีย เป็นเวลา 20 ปี ฮอดจ์กินได้ออกมาเป็นเกย์ และมอบสิทธิการดูแลลูกชายทั้งสองคนให้กับจูเลีย ชีวิตของเขากลายเป็นทั้งเรียบง่ายและซับซ้อนในเวลาเดียวกัน แม้ว่าชื่อของงานของเขาตั้งแต่นั้นมา จะยังคงคุณภาพของเรื่องราวส่วนตัวที่ทำให้งานของเขาเป็นที่รู้จัก โดยอ้างอิงถึงความทรงจำส่วนตัวเฉพาะ แต่เนื้อหาของภาพของเขากลับกลายเป็นนามธรรมมากขึ้นอย่างมาก.

แม้ว่าเขาน่าจะปฏิเสธข้อกล่าวหาดังกล่าว แต่ก็เห็นได้ชัดว่าการปลดปล่อยตัวเองจากความเท็จส่วนตัวอาจทำให้เขาหลุดพ้นจากความจำเป็นในการลงทุนภาพลักษณ์ของเขาด้วยนัยยะ ทำให้เขาสามารถแสดงออกถึงอารมณ์ได้โดยตรงมากขึ้น ไม่ว่าจะเกี่ยวข้องกับสถานการณ์นั้นหรือไม่ ในทศวรรษสุดท้ายของชีวิต ฮอดจ์กินได้ลดทอนภาษาทัศนศิลป์ของเขาลงอย่างมากกว่าที่เคยเป็นมา เขาเก่งขึ้นในการสื่อสารศักยภาพในการแสดงออกของสี แปรงสี พื้นผิว การจัดองค์ประกอบ และสีทา ในปีสุดท้ายของเขา การจัดองค์ประกอบของเขาเรียบง่ายที่สุด และอาจจะลึกซึ้งที่สุด สื่อสารแนวคิดที่สำคัญของเขาเกี่ยวกับพลังที่ผ่านไปของความทรงจำและอารมณ์ได้อย่างชำนาญ.

Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, Oil on wood, 31 x 35 in, © The Estate of Howard Hodgkin

ภาพเด่น: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (รายละเอียด), 1961-62, สีน้ำมันบนผ้าใบ, 34 x 39 นิ้ว
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ