มรดกของเซอร์ฮาวเวิร์ด ฮอดจ์กิน
จิตรกรและช่างพิมพ์นามเสียงชื่อดังชาวอังกฤษในแนวศิลปะนามธรรม Howard Hodgkin เป็นหนึ่งในศิลปินที่ได้รับเกียรติยศมากที่สุดในยุคของเขา เขาเป็นตัวแทนของอังกฤษในงาน Venice Biennale ปี 1984 และได้รับรางวัล Turner Prize ในปี 1985 ในปี 1976 เขาได้รับการแต่งตั้งเป็นสมาชิกของ Most Excellent Order of the British Empire (CBE); ได้รับการยกย่องเป็นอัศวินในปี 1992; และในปี 2003 สมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 2 ได้เชิญเขาเข้าร่วมใน Order of the Companions of Honour ซึ่งเขาได้เข้าร่วมในรายชื่อพิเศษที่มีศิลปินนามธรรมเพียงสามคนเท่านั้น—Henry Moore, Victor Pasmore และ Bridget Riley—ที่ได้รับเกียรติยศเช่นเดียวกัน สถานะที่โดดเด่นซึ่ง Hodgkin ได้รับในอาชีพของเขานั้นตรงกันข้ามอย่างชัดเจนกับความยากลำบากในช่วงต้นของชีวิตการทำงาน ในปี 1981 Hodgkin กล่าวไว้ว่า “ผมคิดว่าผมโชคดีที่ไม่ได้ประสบความสำเร็จเลยจนกระทั่งอายุกลางคน, แต่ก็มีช่วงเวลาที่ขมขื่นมากมายที่ต้องผ่านไปเมื่อไม่มีใครดูเหมือนจะสนใจภาพวาดของผมเลย” ในช่วงอายุ 30 ปี เขารู้สึกท้อแท้จากการถูกปฏิเสธจนเคยคิดฆ่าตัวตาย แต่แทนที่จะยอมแพ้ต่อความสิ้นหวัง เขากลับทุ่มเทตนเองใหม่เพื่อแสดงออกทางความงามของตัวตนภายใน ยิ่ง Hodgkin เจาะลึกเข้าไปภายในมากเท่าไหร่ เขาก็ยิ่งเข้าใจอย่างลึกซึ้งถึงความสัมพันธ์ระหว่างอารมณ์กับองค์ประกอบพื้นฐานของศิลปะ เช่น สีและสีทา และงานของเขาก็ยิ่งกลายเป็นนามธรรมมากขึ้นเรื่อยๆ เมื่อสิ้นสุดชีวิต Hodgkin ได้สร้างผลงานที่โดดเด่นโดยใช้สไตล์ที่ลดทอนลงซึ่งสื่อความรู้สึกดิบในรูปแบบที่เรียบง่ายและตรงไปตรงมาที่สุด
รูปทรงและความรู้สึก
มีการถกเถียงกันมานานแล้วว่าเราควรเรียก Howard Hodgkin ว่าเป็นศิลปินแนวรูปทรงหรือแนวนามธรรมหรือไม่ งานในช่วงแรกของเขาชัดเจนว่าอิงจากความจริง แสดงรูปทรงในพื้นที่ภายใน บางครั้งในสถานการณ์ทางสังคม แต่เมื่ออาชีพของเขาก้าวหน้า เขาได้เบลอเส้นแบ่งระหว่าง นามธรรม และรูปทรง สร้างภาพวาดที่อยู่ในจุดตัดระหว่างสองสิ่งนี้ แทนที่จะจัดการกับเนื้อหาเฉพาะจากชีวิตของเขาเท่านั้น เขาได้สำรวจวิธีที่องค์ประกอบทางรูปแบบ เช่น สี ลวดลาย และพื้นผิว สามารถกระตุ้นอารมณ์ภายในภาพของเขาได้ หลายสิบปีต่อมา ภาพวาดของเขามีองค์ประกอบรูปทรงเล็กๆ ซ่อนอยู่ใน สนามสี รูปทรง และลวดลายนามธรรม แต่แม้เมื่อเขาวาดสิ่งที่ผู้ชมส่วนใหญ่จะถือว่าเป็นนามธรรมล้วน Hodgkin เองก็ชอบพูดว่างานนั้นยังคงเป็นรูปทรง เพราะทั้งหมดเกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับเรื่องราวที่ดำเนินอยู่ซึ่งได้รับอิทธิพลจากความจริงส่วนตัวของเขา
Hodgkin เริ่มแสดงภาพวาดของเขาในปี 1950 เมื่ออายุ 18 ปี ขณะที่ยังเป็นนักเรียน ในความเป็นจริง หนึ่งในผลงานแรกๆ ของเขา คือภาพวาด กัวช บนแผ่นไม้ชื่อ Memoirs ที่เขาวาดตอนอายุเพียง 16 ปี ถือว่าโดยแฟนๆ บางคนว่าเป็นหนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขา เขาได้รับการจัดแสดงเดี่ยวครั้งแรกในปี 1962 ที่หอศิลป์ Arthur Tooth & Sons ที่มีชื่อเสียงในลอนดอน การผสมผสานที่เป็นเอกลักษณ์ระหว่างรูปทรงและนามธรรมที่กำหนดผลงานในนิทรรศการนั้นทำให้ Hodgkin โดดเด่นและกล้าหาญ แต่ประชาชนชาวอังกฤษไม่ได้เข้าใจงานนั้นในทันที และนิทรรศการนั้นก็ไม่ประสบความสำเร็จทางการค้า ต้องรอเกือบสิบปีกว่าผู้ชมในประเทศของเขาจะเริ่มชื่นชมความสามารถที่โดดเด่นของเขา
Howard Hodgkin - Memoirs, 1949, กัวชบนแผ่นไม้, 8 5/8 x 9 7/8 นิ้ว, © มรดกของ Howard Hodgkin
ความทรงจำเกี่ยวกับอินเดีย
ในช่วงต้นชีวิต Howard Hodgkin ตระหนักว่าภาพวาดที่เขาต้องการวาดนั้นเหมือนเป็นวัตถุโบราณทางความงามของความทรงจำของเขาเอง ในฐานะคนที่ชอบเดินทางเป็นพิเศษ ความทรงจำที่ทรงพลังที่สุดหลายอย่างของเขาเกี่ยวข้องกับทิวทัศน์ที่งดงามและผู้คนที่น่าทึ่งที่เขาได้พบขณะเดินทางไปต่างประเทศ บางส่วนของภาพพิมพ์ที่ประสบความสำเร็จมากที่สุดของเขาเกี่ยวข้องกับการเดินทางไปอินเดีย ในชุดภาพพิมพ์ซิลค์สกรีนที่เขาสร้างขึ้นชื่อว่า Indian Views เขาได้กล่าวถึงหน้าต่างเล็กแนวนอนที่พบได้ทั่วไปในด้านข้างของรถไฟในประเทศนั้น ภาพเหล่านี้ดูเหมือนภาพทิวทัศน์ง่ายๆ ที่มีเส้นขอบฟ้า แต่ก็สามารถพิจารณาเป็นสนามสีนามธรรมได้เช่นกัน
นอกจากการใช้สีที่สื่ออารมณ์แล้ว ภาพพิมพ์ซิลค์สกรีน Indian View ของเขายังโดดเด่นด้วยการมีองค์ประกอบความงามแบบกรอบ ซึ่งกลายเป็นสิ่งสำคัญอย่างยิ่งสำหรับ Hodgkin เมื่อเวลาผ่านไป ในภาพวาดนามธรรมหลายชิ้นของเขา เขาวาดกรอบสี่เหลี่ยมที่ล้อมรอบภาพ จากนั้นต่อมาเขาเริ่มใส่กรอบไม้จริงแล้ววาดภาพลงบนพื้นผิวและกรอบพร้อมกัน การวาดกรอบนี้ทำให้งานของเขาเป็นวัตถุที่ต้านทานการรบกวนจากภายนอก และชี้ชัดว่าสาระสำคัญของงานนั้นอยู่ภายในตัวมันเองทั้งหมด
Howard Hodgkin - Indian View H, 1971, ภาพพิมพ์ซิลค์สกรีนบนกระดาษ, 581 x 780 มม., © มรดกของ Howard Hodgkin
การยอมรับจากภายนอก
แม้จะขาดความเข้าใจในตอนแรกจากสาธารณชน Hodgkin ก็ยังคงจัดแสดงงานและมุ่งมั่นพัฒนาสไตล์เฉพาะตัวของเขา สร้างภาพผสมผสานระหว่างนามธรรมและรูปทรง และพัฒนาภาษาภาพที่มีสีสันและสื่ออารมณ์โดยอิงจากความรู้สึก ในปี 1971 เขาได้รับเชิญให้จัดแสดงงานครั้งแรกในต่างประเทศที่เมืองโคโลญ ประเทศเยอรมนี นิทรรศการนั้นประสบความสำเร็จ และปีถัดมาเขาได้จัดแสดงในนิทรรศการกลุ่มที่ปารีส และปีถัดไปเขาได้จัดแสดงครั้งแรกในสหรัฐอเมริกา ที่หอศิลป์ในนิวยอร์ก
ด้วยความยินดีของเขา ผู้ชมต่างประเทศมีความประทับใจต่อผลงานของเขาแตกต่างอย่างมาก หลังจากเปิดตัวที่นิวยอร์ก Hodgkin กล่าวว่า “พวกเขารู้ทันทีว่าผมเป็นศิลปินประเภทไหน…ปฏิกิริยานั้นทำให้ผมรู้สึกว่าผมสื่อสารกับผู้ชมได้ ผมแทบไม่เคยรู้สึกเช่นนี้ในอังกฤษเลย” อาจเป็นเพราะความสนใจจากต่างประเทศนี้ หรืออาจเป็นเพราะผู้ชมชาวอังกฤษเพิ่งตระหนักว่าพวกเขาพลาดอะไรไป ในช่วงหลายปีต่อมา Hodgkin ได้เห็นชื่อเสียงของเขาในอังกฤษดีขึ้นมาก ภายในปี 1976 เขาได้รับรางวัล CBE และได้รับการจัดแสดงผลงานย้อนหลังครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่อ็อกซ์ฟอร์ด
Howard Hodgkin - Not at Table, 1972, สีน้ำมันบนไม้, 33 x 36 นิ้ว, © มรดกของ Howard Hodgkin
โรงเรียนลอนดอน
ในปี 1976 Hodgkin ยังได้รับเกียรติให้เป็นส่วนหนึ่งของกลุ่มศิลปินชาวอังกฤษที่เกี่ยวข้องกับสิ่งที่เรียกว่า โรงเรียนลอนดอน จิตรกร R. B. Kitaj เป็นผู้บัญญัติคำว่า โรงเรียนลอนดอน ในบทความแคตตาล็อกที่เขาเขียนสำหรับนิทรรศการชื่อ The Human Clay Kitaj ตั้งใจให้คำนี้ดึงความสนใจไปที่ความจริงที่ว่า ตรงกันข้ามกับแนวโน้มทั่วโลกที่มุ่งไปสู่ศิลปะป็อป, มินิมัลลิสม์, ศิลปะเชิงแนวคิด และสไตล์ยอดนิยมอื่นๆ กลุ่มศิลปินชาวอังกฤษที่มีความสามารถได้สำรวจความสำคัญสมัยใหม่ของรูปทรงมนุษย์ในศิลปะอย่างขยันขันแข็ง
The Human Clay รวมผลงานของศิลปิน 48 คน; ในจำนวนนี้มี Kitaj และ Hodgkin รวมถึงศิลปินคนอื่นๆ ที่ต่อมาได้กลายเป็นผู้มีอิทธิพลสำคัญในระดับนานาชาติ เช่น Frank Auerbach, David Hockney, Francis Bacon, Henry Moore และ Lucian Freud แต่ละคนในเวลานั้นได้สำรวจรูปทรงในวิธีที่ทันสมัยเฉพาะตัว แต่ส่วนใหญ่ปฏิเสธคำว่า โรงเรียนลอนดอน เมื่อได้ยินครั้งแรก Howard Hodgkin ก็ปฏิเสธคำนี้เช่นกัน แม้ว่าเขาจะมีผลงานห้าชิ้นในนิทรรศการ ซึ่งเป็นจำนวนสูงเป็นอันดับสองของศิลปินใดๆ การได้รวมอยู่ในงานนี้ก็ยังเป็นการส่งเสริมและยืนยันความพยายามของ Hodgkin อย่างมาก
Howard Hodgkin - The Last Time I Saw Paris, 1988-1991, สีน้ำมันบนไม้, 44 1/4 x 50 นิ้ว, © มรดกของ Howard Hodgkin
น้อยแต่มาก
ตลอดอาชีพ Hodgkin ค้นหาวิธีแสดงออกให้มากขึ้นในขณะที่แสดงน้อยลง จนในที่สุดลดองค์ประกอบรูปทรงในงานของเขาจนแทบไม่มีอยู่เลย พร้อมกับการได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในช่วงปลายทศวรรษ 1970 Hodgkin ยังได้ผ่านการเปลี่ยนแปลงในชีวิตส่วนตัว หลังจากแต่งงานกับภรรยาชื่อ Julia เป็นเวลา 20 ปี Hodgkin ได้เปิดเผยว่าเขาเป็นเกย์ และมอบสิทธิ์ดูแลบุตรชายสองคนให้กับ Julia ชีวิตของเขากลายเป็นทั้งเรียบง่ายและซับซ้อนในเวลาเดียวกัน แม้ว่าชื่อผลงานของเขาตั้งแต่จุดนี้จะยังคงมีลักษณะเรื่องราวส่วนตัวที่เป็นที่รู้จัก โดยอ้างอิงถึงความทรงจำเฉพาะตัว แต่เนื้อหาของภาพกลับกลายเป็นนามธรรมอย่างมาก
แม้ว่าเขาอาจปฏิเสธข้อกล่าวหาเช่นนั้น แต่ก็เห็นได้ง่ายว่าการปลดปล่อยตัวเองจากความเท็จส่วนตัวอาจทำให้เขาปลดปล่อยจากความจำเป็นที่จะต้องใส่ความหมายแฝงในภาพของเขา ทำให้เขาสามารถแสดงออกถึงอารมณ์ได้อย่างตรงไปตรงมามากขึ้น ไม่ว่าจะเกี่ยวข้องกับสถานการณ์นั้นหรือไม่ ในทศวรรษสุดท้ายของชีวิต Hodgkin ได้ลดทอนภาษาภาพของเขาอย่างมาก เขากลายเป็นผู้ชำนาญในการสื่อสารศักยภาพในการแสดงออกของสี รอยพู่กัน พื้นผิว องค์ประกอบ และสีทา ในปีสุดท้ายของชีวิต ผลงานของเขาเป็นองค์ประกอบที่เรียบง่ายที่สุด และอาจลึกซึ้งที่สุด ถ่ายทอดแนวคิดสำคัญเกี่ยวกับพลังชั่วคราวของความทรงจำและอารมณ์ได้อย่างชำนาญ
Howard Hodgkin - Love and Death, 2015, สีน้ำมันบนไม้, 31 x 35 นิ้ว, © มรดกของ Howard Hodgkin
ภาพเด่น: Howard Hodgkin Brigid Seagrave (รายละเอียด), 1961-62, สีน้ำมันบนผืนผ้าใบ, 34 x 39 นิ้ว
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio
