เมโทรโพลิแทนสำรวจมรดกอันลึกซึ้งของการแสดงออกเชิงนามธรรม
พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทนที่ Fifth Avenue ในมหานครนิวยอร์กได้เปิดนิทรรศการ Epic Abstraction: Pollock to Herrera ในสัปดาห์นี้ โดยมีผลงานสำคัญมากกว่า 50 ชิ้นจากศิลปินนามธรรมที่น่าสนใจที่สุดในศตวรรษที่ผ่านมา นิทรรศการนี้ได้รับชื่อว่า "Epic Abstraction" เนื่องจากสำรวจผลกระทบของขนาดที่ยิ่งใหญ่ ความยิ่งใหญ่บางครั้งถูกแสดงออกผ่านงานศิลปะขนาดใหญ่ — เช่น ประติมากรรม "Mrs. N’s Palace" (1964–77) ของ Louise Nevelson ที่ครอบงำห้องแสดง — บางครั้งผ่านแนวคิดขนาดใหญ่ — เช่น การใช้การวาดอัตโนมัติเพื่อสร้างภาพวาดที่สื่อถึงความลับของจิตใต้สำนึก — และบางครั้งผ่านวิธีการทางเทคนิค เช่น งานประกอบที่ซับซ้อนอย่างมากของ Thornton Dial ในขณะเดียวกัน ชื่อรองของนิทรรศการ "Pollock to Herrera" อ้างอิงถึงแนวคิดทั่วไปสองประการ ประการแรกคือทฤษฎีที่ว่างานของ Jackson Pollock ในปี 1940 ซึ่งเป็นทศวรรษที่การจัดแสดงเริ่มต้นขึ้น แสดงถึงการเปลี่ยนแปลงครั้งใหญ่ในโลกของศิลปะนามธรรม: ช่วงเวลาที่ขนาดใหญ่เริ่มถูกพิจารณาว่าดีกว่า ประการที่สองคือ งานของศิลปินที่ได้รับการชื่นชมไม่มากนัก เช่น Carmen Herrera — ศิลปินมินิมัลลิสต์ที่เกิดในคิวบา ซึ่งในวัย 101 ปี ได้รับการจัดแสดงผลงานย้อนหลังครั้งแรกที่พิพิธภัณฑ์ Whitney Museum of American Art ในปี 2016 — มีความสำคัญไม่แพ้กับซูเปอร์สตาร์ที่มีชื่อเสียงจริงๆ ในความเป็นจริง มีผลงานที่จัดแสดงโดยศิลปินที่ยังไม่เป็นที่รู้จักมากมาย เช่น ศิลปินที่ทำงานจากวัตถุที่พบอย่าง Thornton Dial; สมาชิกกลุ่ม Gutai ที่มีชื่อเสียง Kazuo Shiraga ซึ่งสร้างผลงานการแสดงที่เปลี่ยนแปลงวงการ (ในความหมายที่แท้จริง) ชิ้น "Challenging the Mud" (1955); และจิตรกรนามธรรมชาวฮังการีที่สร้างสรรค์ Ilona Keserü การจัดแสดงยังขยายไปถึงปัจจุบันด้วยผลงานของศิลปินนามธรรมรุ่นใหม่ เช่น Chakaia Booker และ Mark Bradford สมมติฐานหลักอีกประการหนึ่งที่คณะผู้จัดแสดงระบุในคำอธิบายสำหรับนิทรรศการคือ ความวิตกกังวลเชิงปรัชญาเป็นแรงผลักดันที่ทำให้ศิลปินนามธรรมเริ่มสร้างสรรค์ผลงานที่ยิ่งใหญ่เมื่อ 70 ปีที่แล้ว นิทรรศการนี้อาจทำให้คุณตั้งคำถามว่า: ความนามธรรมที่ยิ่งใหญ่ได้ทำอะไรเพื่อบรรเทาความวิตกกังวลของเราหรือไม่? หรือมันช่วยให้เรายอมรับความวิตกกังวลเชิงปรัชญาเป็นสิ่งพื้นฐานในสภาพความเป็นมนุษย์ของเราหรือไม่?
สถานที่ในประวัติศาสตร์
การเรียกชื่อศิลปินที่มีชื่อเสียงในงาน Epic Abstraction จะทำให้ผู้ที่ชื่นชอบประวัติศาสตร์ศิลปะตื่นเต้น: นอกจากยักษ์ใหญ่ที่กล่าวถึงข้างต้นแล้ว ยังมีผลงานของ Helen Frankenthaler, Joan Snyder, Cy Twombly, Barnett Newman, Franz Kline, Willem de Kooning, Clyfford Still, Mark Rothko, Hedda Sterne, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly, Robert Mangold, และ Morris Louis อีกมากมาย และยังมีตัวอย่างผลงานของศิลปินที่อาจจะเป็นใหม่สำหรับผู้เข้าชมส่วนใหญ่ เช่น ศิลปินการเขียนพู่กันญี่ปุ่น Inoue Yūichi, ศิลปินนามธรรมชาวฟิลิปปินส์ Alfonso Ossorio, ประติมากรแนวมินิมอลลิสต์ Anne Truitt, และอัจฉริยะด้านสีชาวอาร์เจนตินา Alejandro Puente อย่างไรก็ตาม นอกจากขนาดของการโจมตีทางประวัติศาสตร์นี้แล้ว สิ่งที่ฉันพบว่ายิ่งใหญ่ที่สุดเกี่ยวกับการจัดแสดงคือวิธีที่ผลงานสองชิ้นโดยเฉพาะนั้นกลับทำลายเรื่องราวที่ซ่อนอยู่ภายในชื่อรองของการแสดง โดยการระบุ Pollock และ Herrera และแยกพวกเขาออกจากศิลปินคนอื่น ๆ ดูเหมือนว่าผู้จัดแสดงกำลังเสนอว่า Abstract Expressionism และ Minimalism เป็นขบวนการที่มีอิทธิพลมากที่สุดที่กำลังพิจารณา และการวาดภาพเป็นจุดสนใจหลักของการแสดง แต่ผลงาน วิธีการ และความสำเร็จของ Pollock และ Herrera แม้ว่าจะยอดเยี่ยมเพียงใด ก็ยังไม่ใกล้เคียงกับการเป็นสิ่งที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในนิทรรศการนี้เลย.
เกียรตินั้นในความเห็นของฉันตกเป็นของ Louise Nevelson และ Thornton Dial. ประติมากรรมของ Nevelson ที่จัดแสดงจะทำให้ผู้ชมที่ไม่เคยพบกับผลงานของเธอมาก่อนตั้งคำถามว่าทำไมใคร ๆ ถึงพูดถึง Pollock ในเมื่อ Nevelson เป็นคนร่วมสมัยกับเขา. ผลงานของเธอมีความเข้มงวดทางเทคนิคมากกว่า น่าสนใจในเชิงแนวคิดมากกว่า และมีความเกี่ยวข้องกับจิตวิญญาณของนิวยอร์ก ซึ่งทั้งเธอและ Pollock ทำงานอยู่ที่นั่น. Pollock ในทางปฏิบัติได้เปิดพื้นที่ใหม่เล็กน้อยโดยการยืมและปรับปรุงแนวคิดและวิธีการของศิลปินคนอื่น. แล้วหลังจากที่เขาโด่งดังจากการก้าวไปสู่ขั้นตอนถัดไปที่สมเหตุสมผล เพราะเขาเป็นเพื่อนกับนักวิจารณ์ที่มีอิทธิพล, Pollock ก็ทำลายตัวเอง. งานจิตรกรรมของเขาน่าหลงใหล แต่ Nevelson ทำได้มากกว่า Pollock มีความเป็นต้นฉบับมากกว่า และทำงานได้นานกว่ามาก โดยทิ้งมรดกทางศิลปะและแนวคิดที่น่าสนใจและกระตุ้นความคิดมากกว่า.
เสียงที่หายไปนาน
แล้วมี ธอร์นตัน ไดอัล ผลงาน "เงาของทุ่ง" (2008) ของเขา เป็นผลงานที่น่าหลงใหลที่สุดในนิทรรศการนี้ในสายตาและความคิดของฉัน ธรรมชาติที่ยิ่งใหญ่ของมันถูกบรรจุอยู่ในวัสดุ การก่อสร้าง สีสัน และโลกที่ซ่อนอยู่ — ทั้งทางกายภาพและทางจิตวิญญาณ — ที่ซ่อนอยู่ภายในรูปแบบของมัน ประกอบขึ้นจากวัสดุที่พบและทิ้งแล้ว ผลงานนี้มีจุดประสงค์เพื่อกระตุ้นถึงมรดกของการทำเกษตรแบบแบ่งปัน ซึ่งเป็นระบบการเกษตรที่ไม่เป็นธรรมและมักจะโหดร้ายที่ไดอัลเกิดขึ้นในปี 1928 การรวมตัวกันอย่างมหาศาลของเชือกฝ้ายสังเคราะห์ ผ้ากระสอบ แผ่นโลหะ ผ้าขี้ริ้ว และโลหะ มันมีตัวตนทางกายภาพของความเหนื่อยล้า มันเป็นตัวแทนของการรวมกันของความแข็งแกร่งและความเปราะบาง สร้างขึ้นเมื่อศิลปินอายุ 80 ปี มันยังบอกถึงฝีมือที่เขาเรียนรู้ด้วยตนเอง จริงอยู่ ขณะที่พอลล็อคกำลังร่ำรวยและดื่มจนตาย ไดอัลกำลังใช้ชีวิตอยู่ในความยากจน ทำงานอย่างหนักเพียงเพื่อจะอยู่รอดในระบบสังคมที่มีการเหยียดเชื้อชาติซึ่งทำให้คนผิวดำส่วนใหญ่ในอเมริกาห่างไกลจากพิพิธภัณฑ์ ไม่เพียงแต่ในฐานะศิลปิน แต่แม้แต่ในฐานะผู้เข้าชมที่จ่ายเงิน.
อาจจะเมื่อการจัดแสดงนี้ก้าวไปข้างหน้าในเวลา คำจำกัดความอื่น ๆ ของสิ่งที่เป็นมหากาพย์อาจเกิดขึ้น และผลงานที่ทรงพลังและน่าสนใจกว่านี้จะเข้ามาในสนาม — วันที่จัดแสดงนั้นเปิดกว้างอยู่ดี และผลงานที่จัดแสดง ซึ่งมาจากคอลเลกชันถาวรของ The Met จะถูกเปลี่ยนแปลงเป็นระยะ ๆ แต่ในตอนนี้ "เงาของทุ่ง" ซึ่งเป็นหนึ่งในสิบผลงานของ Dial ที่ The Met เพิ่งได้มา ทำให้เกิดคำกล่าวที่มหากาพย์ที่สุด มันบอกว่า ชาวไร่ผิวดำในภาคใต้ที่ไม่มีการฝึกฝนได้สร้างสรรค์ผลงานศิลปะนามธรรมที่ทรงพลังและมีความหมายที่สุดในช่วง 70 ปีที่ผ่านมา ซึ่งเหนือกว่าผลงานของศิลปินที่มีสิทธิพิเศษและโอกาสมากกว่ามาก นอกจากนี้ยังบ่งบอกว่า แม้ว่าอารมณ์วิตกกังวลอาจเป็นส่วนที่หลีกเลี่ยงไม่ได้ของสภาพมนุษย์ของเรา ศิลปะที่ไหลออกมาจากมันสามารถเป็น และมักจะเป็น ความเมตตาที่ช่วยชีวิตได้.
ภาพเด่น: หลุยส์ เนเวลสัน - พระราชวังของนางสาว N, 1964–77. ไม้ทาสี, กระจก, 140 x 239 x 180 นิ้ว (355.6 x 607.1 x 457.2 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิแทน, ของขวัญจากศิลปิน, 1985 © 2018 มรดกของหลุยส์ เนเวลสัน / สังคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
