การแบ่งสีและอิทธิพลต่อสีในศิลปะ
Divisionism เป็นหนึ่งในพัฒนาการด้านสุนทรียศาสตร์ที่มีอิทธิพลมากที่สุดในศตวรรษที่ 19 มันเกิดขึ้นจากยุคหลังอิมเพรสชันนิสม์ และเป็นวิธีการวาดภาพที่สีไม่ถูกผสมกันล่วงหน้า แต่จะถูกวางข้างกันบนพื้นผิวเพื่อให้มันผสมกัน "ในตา" ในปี 1884 แนวคิดนี้ถูกพัฒนาขึ้นโดย Georges Seurat ซึ่งเป็นศิลปินคนเดียวกันที่สองปีต่อมาจะพัฒนาแนวทางสุนทรียศาสตร์ที่เรียกว่า Pointillism ผู้คนส่วนใหญ่คุ้นเคยกับ Pointillism มากกว่า เนื่องจากชื่อของมันชัดเจนในการอ้างอิงถึงสไตล์—ภาพที่ประกอบด้วยวงกลมเล็กๆ หรือจุดไม่สิ้นสุด Pointillism และ Divisionism มีความคล้ายคลึงกัน ความแตกต่างหลักคือ Pointillism ไม่จำเป็นต้องอิงจากการผสมสีในตา—มันเป็นเพียงเทคนิคที่ภาพประกอบด้วยจุดแทนที่จะเป็นการปัดด้วยแปรงที่ไหล ในภาพ Pointillist ภาพจะชัดเจนขึ้นสำหรับตาเมื่อผู้ชมถอยห่างออกไปและจุดต่างๆ ผสมกัน หลักการเดียวกันนี้ใช้กับภาพวาด Divisionist ยกเว้นว่าไม่เพียงแต่รูปทรงและตัวเลขที่ผสมกันเมื่อผู้ชมถอยห่างออกไป แต่ยังรวมถึงสีด้วย Divisionism ท้าทายธรรมชาติของสีว่าเป็นอย่างไร และตั้งคำถามว่าสีมีอยู่จริงในฐานะสิ่งที่เป็นรูปธรรม หรือเป็นเพียงภาพลวงตาของการรับรู้และจินตนาการของเรา ขบวนการนี้มีผลกระทบอย่างลึกซึ้งต่อการพัฒนาการนามธรรมในยุโรปปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ด้วยเหตุผลหลายประการ ประการแรก มันชัดเจนว่ามีการให้ความสำคัญกับองค์ประกอบพลาสติกเช่นสีมากกว่าคอนเทนต์ ประการที่สอง มันตั้งคำถามเกี่ยวกับความเป็นอัตวิสัยในศิลปะ ผู้ชม "เสร็จสิ้น" ภาพวาด Divisionist ในใจของพวกเขา แนวคิดนี้กลายเป็นพื้นฐานสำหรับแนวคิดในการให้ผู้ชมมีอิสระในการตีความงานศิลปะ—โดยเฉพาะงานศิลปะนามธรรม—ตามที่พวกเขาต้องการ สุดท้าย Seurat ได้เริ่มต้นแนวทางในการสร้างสรรค์ศิลปะที่เกี่ยวข้องกับการตรวจสอบทางวิทยาศาสตร์อย่างชัดเจน ความสนใจของเขาในวิทยาศาสตร์ของสีและการรับรู้ได้สร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปินแนวคิดและนามธรรมรุ่นต่อๆ มา และยังคงมีอิทธิพลอย่างมากในปัจจุบัน.
ความประทับใจโดยบังเอิญ
ในขณะที่เซอเรอ์ได้รับการยอมรับว่าเป็นผู้ก่อตั้งการแบ่งสี แต่เขาไม่ได้เป็นจิตรกรคนแรกที่ใช้เทคนิคการแบ่งสีจริงๆ จิตรกรแนวอิมเพรสชันนิสต์ก่อนหน้านี้ เช่น คามิลล์ ปิซซาร์โร และโคลด โมเนต์ ได้ค้นพบเมื่อหลายทศวรรษก่อนว่าพวกเขาสามารถสร้างความสว่างมากขึ้นในภาพวาดของพวกเขาได้โดยการใช้การปัดสีที่เล็กและแน่น และโดยการวางสีที่เสริมกันไว้ข้างกัน อย่างไรก็ตาม สิ่งที่อิมเพรสชันนิสต์ทำคือเรื่องของสัญชาตญาณมากกว่า เซอเรอ์สร้างชื่อเสียงของเขาโดยการวิเคราะห์สิ่งที่อิมเพรสชันนิสต์ทำในลักษณะทางวิทยาศาสตร์ ในการค้นหาวิธีการวาดภาพที่เป็นเอกลักษณ์ซึ่งสามารถถือว่าเป็นของเขาเอง เขายังได้กลับไปศึกษางานของจิตรกรโรแมนติกอย่างยูจีน เดอลาครัวซ์ ซึ่งมีชื่อเสียงในเรื่องสีสันที่สดใสและมีชีวิตชีวาของผืนผ้าใบของเขา เขายังได้อ่านหนังสือเกี่ยวกับทฤษฎีสีจากอดีตหลายเล่ม โดยเฉพาะอย่างยิ่ง The Grammar of Painting and Engraving (1867) โดยชาร์ลส์ บลังค์ และ The Principles of Harmony and Contrast of Colors (1839) โดยมิเชล-ยูจีน เชฟรูล.
ผ่านการวิจัยของเขา เซอราตค้นพบว่าสีบางสีมีปฏิกิริยาที่ทรงพลังมากขึ้นเมื่ออยู่ข้างกันมากกว่าสีอื่น ๆ โดยการปรับเทคนิคอิมเพรสชันนิสม์ของการใช้แปรงขนาดเล็กให้ถึงการดำเนินการที่แม่นยำที่สุด และโดยการใช้การรวมกันของสีที่มีความเคลื่อนไหวมากที่สุด เขาจึงบรรลุสิ่งที่เขาเรียกว่า โครโมลูมิโนซิตี้—การแต่งงานที่สมบูรณ์แบบและสว่างไสวของสีและแสง อาจกล่าวได้ว่าภาพวาดที่มีชื่อเสียงที่สุดที่เกิดจากการศึกษาต้นแบบของเขาเกี่ยวกับโครโมลูมิโนซิตี้คือ "Sunday Afternoon on the Island of La Grand Jatte" (1884-86) ผลงานชิ้นเอกนี้เป็นการแสดงให้เห็นอย่างยอดเยี่ยมถึงความสามารถของเทคนิคการแบ่งสีในการผสมผสานไม่เพียงแต่สีในสายตา แต่ยังรวมถึงองค์ประกอบทางรูปแบบอื่น ๆ เช่น โทน รูปทรง และเส้น โดยเฉพาะอย่างยิ่ง เซอราตบรรลุความรู้สึกของการเคลื่อนไหวด้วยภาพวาดนี้ การวางจุดสีเล็ก ๆ ทำให้น้ำดูเหมือนจะเปล่งประกายและส่องแสง และคลื่นดูเหมือนจะกระเพื่อม ใบไม้ในต้นไม้ดูเหมือนจะสั่นไหว แปลกที่สุดคือผู้หญิงในมุมขวาล่างดูเหมือนจะลอยอยู่เหนือพื้นดินและเคลื่อนที่ไปข้างหน้าอย่างเบา ๆ
จอร์จ เซอรัต - วันอาทิตย์บ่ายบนเกาะลาแกรนด์จัตต์, 1884–1886. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 207.6 ซม. × 308 ซม. (81.7 นิ้ว × 121.25 นิ้ว). สถาบันศิลปะชิคาโก
แรงบันดาลใจสำหรับอนาคต
เซอราตถูกยอมรับทันทีสำหรับความสำเร็จทางปัญญาและความงามของเขา แต่เขาไม่สามารถเพลิดเพลินกับความสำเร็จของเขาได้นาน เขาเสียชีวิตเมื่ออายุ 31 ปี เพียงห้าปีหลังจากที่เขาเสร็จสิ้น "วันอาทิตย์บ่ายบนเกาะลาแกรนด์จัต" อย่างไรก็ตาม มรดกของเขามีค่ามากกว่าความสั้นของอาชีพของเขา ความสามารถของเขาในการสื่อสารการเคลื่อนไหวในภาพวาดของเขาได้พิสูจน์ว่าเป็นแรงบันดาลใจที่ลึกซึ้งต่อกลุ่มฟิวเจอริสต์ชาวอิตาลี เมื่อแมนิเฟสโตฟิวเจอริสต์ถูกตีพิมพ์ในปี 1909 มันได้ยกย่องความเร็วและอุตสาหกรรมว่าเป็นการแสดงออกที่สมบูรณ์แบบของโลกที่สวยงาม ใหม่ สมัยใหม่ และอุตสาหกรรม ฟิวเจอริสต์ได้ยืมแนวคิดของเซอราตมาเพื่อสร้างสไตล์เฉพาะของตน แทนที่จะวางสีหรือจุดข้างกันเพียงเพื่อให้สามารถผสมผสานในตา ฟิวเจอริสต์ได้ขยายแนวคิดนี้และนำไปใช้กับเส้น รูปร่าง และรูปแบบ โดยการวาดภาพหลายภาพของรูปแบบเดียวกันข้างกันในองค์ประกอบของพวกเขา พวกเขาได้บ่งบอกถึงการเคลื่อนไหวของเครื่องจักร ผู้คน และสัตว์.
แนวคิดเดียวกันนี้ยังมีอิทธิพลต่อ Cubists ศิลปินอย่าง Picasso และ Braque ได้นำแนวคิด Divisionist มาประยุกต์ใช้กับระนาบ โดยการวางมุมมองที่หลากหลายพร้อมกันข้างกันเพื่อสร้างวิสัยทัศน์ของความเป็นจริงสี่มิติ ซึ่งการไหลของเวลาและการเคลื่อนไหวถูกบ่งบอกไว้ ต่อมา Orphic Cubist อย่าง Sonia Delaunay ได้นำการพัฒนาของ Divisionist กลับมาเต็มวงอีกครั้งโดยการสำรวจวิธีที่สีบางสีดูเหมือนจะสั่นเมื่อวางข้างกัน แม้ว่าจะถูกนำไปใช้ในองค์ประกอบที่เป็นนามธรรมโดยสิ้นเชิง นี่อาจเป็นมรดกที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของขบวนการ Post-Impressionist อย่าง Divisionism เมื่อพูดถึงศิลปะนามธรรม: ขอบคุณผลงานของ Seurat ศิลปินอย่าง Delaunay และต่อมา Piet Mondrian, Josef Albers และอีกมากมายสามารถหลีกหนีจากความต้องการของเนื้อหาและหัวข้อได้อย่างสมบูรณ์ และมีอิสระในการสำรวจคุณสมพลาสติกที่บริสุทธิ์ของศิลปะการมองเห็น.
ภาพเด่น: จอร์จ เซอเรต์ - แกรนด์แคมป์, ยามเย็น. 1885, ขอบภาพวาดประมาณ 1888-89. สีน้ำมันบนผ้าใบ. 26 x 32 1/2 นิ้ว (66.2 x 82.4 ซม.). คอลเลกชัน MoMA
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ
