阿德·莱因哈特教会我们如何看待现代艺术

成为一个纯粹主义者意味着什么？这是否像是心胸狭窄？还是追求纯粹本质上是高尚的，就像追求完美一样？对美国抽象艺术家阿德·莱因哈特来说，纯粹性对美术至关重要。在他1953年的文章“新学院的十二条规则”中，莱因哈特将美术定义为“艺术被清空和净化，去除了所有非艺术的意义。”他接着解释道：“一幅画的用途、关系和‘附加’越多，它就越不纯粹。里面的东西越多，艺术作品就越繁忙，效果就越差。‘多即是少’。”这听起来可能是一个奇怪的说法，因为他是一位与抽象表现主义者相关的画家，这些艺术家显然在他们的画布上放入了更多的东西，而不是更少。但尽管莱因哈特开始他的职业生涯时画的是富有表现力和动态的画布，他对纯粹性的追求随着时间的推移极大地改变了他的创作方式。他在职业生涯中如此戏剧性地减少了画作的内容，以至于在他生命的最后几年，他只用黑色作画。到他1967年去世时，他对自己努力的纯粹性充满信心，以至于他宣称自己画了最后一幅再也不需要的画。

精美艺术

对纯粹性的追求似乎更适合修道院而不是艺术工作室。但阿德·莱因哈特既是一位艺术家，也是一位哲学家。他最好的朋友实际上是一位修道士，住在修道院里。莱因哈特定期与他交换信件，异想天开地讨论生活和艺术的本质。在研究生院，莱因哈特学习了艺术史，这个主题是他所知的，或许比他这一代的任何其他艺术家都要多。也许他对在艺术中发现纯粹性终极表现的兴趣，既与他的智力和精神好奇心有关，也与他希望定义自己在艺术史连续体中的相关性有关。

当他在1940年代首次在纽约展出他的画作时，这些作品与当时主流的新兴风格——抽象表现主义相符。它们具有绘画感，富有表现力，色彩鲜艳，充满抽象的标记。不到十年后，他热情地否定了所有这些，发表了一份教条式的、几乎滑稽具体的、常常自相矛盾的宣言，描述了创作纯粹现代画作的精确方法：这些画作与他早期的作品完全不同。如果这看起来矛盾，记住莱因哈特自己著名的话会有所帮助：“艺术太严肃，不能被认真对待。”

阿德·莱因哈特 - 抽象画，1960年。油画，画布。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约

解构先锋派

要理解莱因哈特工作的文化气候，回顾现代主义的历史是有帮助的。在第二次世界大战之前，几乎所有的先锋艺术运动都起源于美国以外的地方。第二次世界大战后，美国孕育了一些本世纪最具影响力的现代主义运动，包括抽象表现主义、极简主义和后表现主义。是什么促成了美国艺术影响力的这种变化？这与政治的关系比与艺术的关系更大。

在第一次世界大战后，德国革命之后，一个名为魏玛共和国的代表政府在德国上台。这个民主选举产生的政府实施了广泛的社会、政治和经济改革，导致德国发生了巨大的文化变革。在这个变革的环境中，德国现代主义蓬勃发展。包豪斯在魏玛共和国成立的同一年、同一个城市成立，在接下来的14年里，德国发展成为艺术领域的领先进步力量。

阿德·莱因哈特 - 新闻纸拼贴，1940年。剪贴的印刷纸和黑纸在板上。15 7/8 x 20 英寸 (40.6 x 50.8 厘米)。现代艺术博物馆收藏。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约  

纯粹主义的黑暗面

1929年股市崩盘时，德国和大多数其他西方国家一样，经济崩溃。随之而来的全球经济萧条给普通工人的生活带来了极大的挫折。当纳粹政权在1933年掌握德国政权时，它以恢复德国历史伟大和扭转近期趋势的幌子上台。纳粹党所做的第一件事之一就是对德国文化施加影响。现代艺术成为了一个主要目标。

在阿道夫·希特勒的领导下，纳粹发展了一种纯粹德国艺术的概念。它仅包括符合他们对种族和民族身份定义的传统经典艺术。任何超出该定义的艺术都被称为堕落艺术。于是，德国的先锋艺术家们开始了大规模的流亡。随着纳粹影响力扩展到德国以外，整个欧洲的现代艺术家们也遭遇了同样的迫害。

阿德·莱因哈特 - 画作草图，1938年。水粉画纸上。4 x 5 英寸 (10.2 x 12.8 厘米)。现代艺术博物馆收藏。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约

重新组装先锋派

在20世纪30年代末和40年代初，任何有能力的欧洲现代艺术家都找到了出国的方法。作为唯一一个没有受到法西斯势力围攻的全球首都，纽约市成为了来自世界各地先锋艺术家的灯塔。这些新到的艺术家与已经充满活力的纽约抽象艺术界交融，其中包括美国出生的艺术家如杰克逊·波洛克，以及像威廉·德·库宁和阿尔希尔·戈尔基这样的艺术家，他们在第一次世界大战后移民到这里。在这种文化中，第一批美国现代主义艺术运动应运而生。

阿德·莱因哈特作为这一代战后先锋派纽约艺术家的成员，进入了艺术的成熟期。他全身心投入到这个多元化、国际化社区中正在进行的政治、哲学、社会和文化对话的生动混合中。他参与了抗议活动，并以各种可想象的方式参与了这一场景。但他在一个根本性的问题上与他的同时代人存在分歧。虽然他们认为自己的生活和艺术是一个整体经验，但莱因哈特认为这是一条错误的道路。正如他所说：“艺术就是艺术。生活就是生活。”

阿德·莱因哈特 - 画作研究，1939年。水粉画纸上。3 7/8 x 4 7/8 英寸 (10 x 12.5 厘米)。现代艺术博物馆收藏。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约

搜索不变式

为了使他的艺术作品与同时代的作品有所不同，莱因哈特提出了“启蒙物体”的概念，这是一件不参考任何外部事物、任何外部思想的艺术作品，而是作为其纯粹自我的单一例子而存在。启蒙物体是一种精神主义者可能称之为“恒常”的形式，伟大的终极，甚至在转变中也不改变的永恒本质。基本上，他在寻找艺术版的上帝。

莱因哈特通过否定寻求不变性，这意味着他并不是在定义什么是纯艺术，而是在定义什么不是纯艺术。他于1953年发表的《新学院的12条规则》包含了他的否定列表，表述为如何达到纯艺术的规则。这些规则包括：没有现实主义，没有印象派，没有表现主义，没有雕塑，没有塑性艺术，没有拼贴，没有建筑，没有装饰，没有纹理，没有笔触，没有事先草拟想法，没有形式，没有设计，没有颜色，没有光，没有空间，没有时间，没有大小，没有运动，没有主题，没有符号，没有图像，没有乐趣。他补充道：“在外部，远离所有关系；在内部，心中不要有任何渴望。”

阿德·莱因哈特 - 纸拼贴，1939年。赫希霍恩博物馆与雕塑花园，华盛顿特区。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

与变化同行

在阅读新学院的12条规则时，务必记住，莱因哈特在大学时是一名喜剧编剧，同时他也是一个具有精神和哲学思考的人。他机智敏锐，常常故意使用矛盾的说法。即使他确实相信所有的规则都可以单独遵循，他也一定知道同时遵循所有规则意味着某些规则会被违反。

例如，当谈到他生命最后12年所画的黑色画作时，他称它们为：“一种自由的、未被操控的、不可操控的、无用的、不可市场化的、不可简化的、不可摄影的、不可复制的、无法解释的图标。”但它们并不自由；它们是一个意识形态、教条主义体系的产物。至于说它们不可摄影和不可市场化，实际上它们很快就被售出，并且今天仍然定期在拍卖会上出售，目录中还包含精美的照片。那么，莱因哈特是在开玩笑吗？还是他在对创作和谈论抽象艺术的复杂性发表更深刻的声明？

阿德·莱因哈特 - 无题，1947年。油画，画布。华盛顿国家艺术馆，华盛顿特区。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会（ARS），纽约

不变的状态

理解莱因哈特意味着理解他的文化。莱因哈特是一个由充满激情、情感、个人和绘画作品主导的艺术场景的一部分。他对此的回应是倡导其对立面。当艺术家们热情地主张将艺术重新融入日常生活时，莱因哈特坚持认为艺术和生活是分开的。他声称自己画了最后的画作，但作为一名艺术历史学家，他知道只要有艺术家愿意创作，绘画的终结永远不会到来。

对阿德·莱因哈特的某种理解可以在布鲁斯·李的这句话中找到：“随变而变是无变的状态。”通过提供对当下主流趋势的替代，莱因哈特确保了艺术史将继续发展。就像卡齐米尔·马列维奇的黑色方块一样，阿德·莱因哈特的黑色画作并没有结束绘画，而是推动了其延续。通过坚持教条，他并不是在坚持只有一种方式，而是给下一代提供了一份礼物：一个可以对抗的敌人：一个需要抵抗的纯粹主义者和一个需要挑战的意识形态。

特色图片：阿德·莱因哈特 - 第6号，1946年。油画于木质硬板上。© 2018 阿德·莱因哈特遗产 / 艺术家权利协会（ARS），纽约
所有图片仅用于说明目的
由 Barcio 贡献