阿德·莱因哈特教会我们如何看待现代艺术
什么是纯粹主义者？这是否意味着心胸狭隘？还是说对纯净的追求本质上是高尚的，就像对完美的追求一样？对于美国抽象艺术家Ad Reinhardt来说，纯净是美术的核心。在他1953年的文章《新学院的十二条规则》中，Reinhardt将美术定义为“剔除并净化了所有非艺术意义的艺术。”他进一步解释道：“一幅画的用途、关系和‘附加物’越多，它就越不纯净。内容越多，作品越繁杂，作品就越糟糕。‘多即是少’。”这听起来似乎与他作为抽象表现主义画家的身份有些矛盾，因为抽象表现主义艺术家通常在画布上添加更多内容，而非减少。但尽管Reinhardt早期创作的是富有表现力和动态的画作，他对纯净的追求随着时间的推移极大地改变了他的创作方式。在他的职业生涯后期，他极大地减少了画作的内容，直到生命的最后几年，他只用黑色作画。到1967年去世时，他对自己作品的纯净性充满信心，宣称自己画出了有史以来最后需要的画作。
艺术的纯粹
对纯净的追求似乎更适合修道院而非艺术工作室。但Ad Reinhardt既是哲学家，也是艺术家。他的一位挚友实际上是一位修道士，二人经常通信，幽默地交换关于生命和艺术本质的观点。在研究生阶段，Reinhardt学习艺术史，他对这一领域的了解可能超过了他那一代的任何艺术家。或许他对发现艺术中终极纯净表现的兴趣，既源于智识和精神的好奇，也源于他想要定义自己在艺术史连续体中地位的愿望。
1940年代初，他首次在纽约展出画作时，作品符合当时主导的新兴风格——抽象表现主义。这些作品笔触丰富，充满生动色彩和抽象符号。不到十年后，他坚决否定了这些特点，发表了一份教条式、几乎滑稽地具体且常常自相矛盾的宣言，描述了制作纯净现代画作的精确方法：这些画作与他早期作品截然不同。如果这看起来矛盾，不妨记住Reinhardt的名言：“艺术太严肃，不能被严肃对待。”
Ad Reinhardt - 抽象画，1960年。油画布面。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
解构先锋派
要理解Reinhardt所处的文化氛围，需回顾现代主义的历史。二战前，几乎所有先锋艺术运动都起源于美国之外。二战后，美国孕育了本世纪最具影响力的现代主义运动，包括抽象表现主义、极简主义和后表现主义。促成美国艺术影响力转变的原因更多是政治因素，而非艺术本身。
第一次世界大战后德国革命后，魏玛共和国作为一个代议制政府上台，推行了广泛的社会、政治和经济改革，带来了德国文化的巨大变革。在这一变革环境中，德国现代主义蓬勃发展。包豪斯学院与魏玛共和国同年同城成立，接下来的14年里，德国成为艺术领域的领先进步力量。
Ad Reinhardt - 新闻纸拼贴，1940年。剪贴印刷纸和黑纸板。15 7/8 x 20英寸（40.6 x 50.8厘米）。现代艺术博物馆藏品。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
纯粹主义的阴暗面
1929年股市崩盘后，德国和大多数西方国家一样，经济崩溃。随之而来的全球大萧条使普通劳动者生活充满挫折。1933年纳粹政权上台，打着恢复德国历史辉煌、扭转近年趋势的旗号。纳粹党首先对德国文化施加影响，现代艺术成为主要打击目标。
在阿道夫·希特勒领导下，纳粹提出了纯正德国艺术的概念，只包括符合其种族和民族认同定义的传统古典艺术。任何不符合该定义的艺术都被称为堕落艺术。由此，先锋艺术家纷纷逃离德国。随着纳粹影响力扩展至德国以外，欧洲现代艺术家也遭受同样迫害。
Ad Reinhardt - 绘画研究稿，1938年。水粉纸上。4 x 5英寸（10.2 x 12.8厘米）。现代艺术博物馆藏品。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
重组先锋派
1930年代末至1940年代初，任何有条件的欧洲现代艺术家都设法出国。作为唯一未被法西斯势力围困的全球大都市，纽约成为来自世界各地先锋艺术家的灯塔。这些新来者与已有的充满活力的纽约抽象艺术圈融合，其中包括美国本土艺术家如杰克逊·波洛克，以及一战后移民的艺术家如威廉·德库宁和阿尔希尔·戈尔基。由此诞生了首批美国现代主义艺术运动。
Ad Reinhardt作为二战后纽约先锋艺术家一代的成员，艺术成熟。他全身心投入这多元国际社区中激烈的政治、哲学、社会和文化讨论，参与抗议，积极融入艺术圈。但他与同时代艺术家在根本观点上存在分歧。其他人认为生活与艺术是不可分割的整体体验，而Reinhardt认为这是错误的道路。他说：“艺术是艺术，生活是生活。”
Ad Reinhardt - 绘画研究稿，1939年。水粉纸上。3 7/8 x 4 7/8英寸（10 x 12.5厘米）。现代艺术博物馆藏品。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
寻找不变
为了使自己的作品区别于同时代艺术家，Reinhardt提出了“开悟物”的概念，即一件不指涉任何外在事物或观念，仅作为其纯粹自身存在的艺术品。开悟物类似于灵性者所说的“不变体”，即即使在变化中也不改变的终极实体。本质上，他在寻找艺术版的神。
Reinhardt通过否定来寻找不变体，他不是定义纯艺术是什么，而是定义纯艺术不是什么。他1953年发表的《新学院的十二条规则》列出了他的否定清单，作为达到纯艺术的规则。这些规则包括：无写实，无印象派，无表现主义，无雕塑，无塑料艺术，无拼贴，无建筑，无装饰，无质感，无笔触，无事先草图，无形态，无设计，无色彩，无光，无空间，无时间，无大小，无运动，无主题，无符号，无图像，无愉悦。他补充道：“外在远离一切关系，内心无任何渴望。”
Ad Reinhardt - 纸质拼贴，1939年。华盛顿赫希霍恩博物馆及雕塑花园藏品。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
随变而变
阅读《新学院的十二条规则》时，必须记住Reinhardt大学时曾是喜剧作家，且他是一个精神和哲学追求者。他机智敏锐，常故意用矛盾语句表达观点。即使他相信所有规则都可单独遵守，他也必然知道同时遵守所有规则是不可能的。
例如，他生命最后12年创作的黑色画作，他称之为“自由的、不可操控的、无用的、无市场的、不可简化的、不可拍摄的、不可复制的、无法解释的圣像。”但这些画作并非自由，它们是意识形态和教条体系的产物。至于不可拍摄和无市场，它们实际上很快售出，且至今仍常在拍卖中出现，目录中附有精美照片。那么Reinhardt是在开玩笑吗？还是在对抽象艺术的创作与讨论复杂性做出更深刻的陈述？
Ad Reinhardt - 无题，1947年。油画布面。华盛顿国家美术馆藏品。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
不变的状态
理解Reinhardt即是理解他的文化背景。Reinhardt所处的艺术圈以激情、情感、个人化和笔触丰富的作品为主导。他的回应是倡导相反的方向。当艺术家们热情主张艺术应融入日常生活时，Reinhardt坚持艺术与生活是分开的。他声称自己画出了最后的画作，但作为艺术史学家，他知道只要有艺术家愿意作画，绘画的终结永远不会到来。
对Ad Reinhardt的理解可见于Bruce Lee的名言：“随变而变即是不变的状态。”通过提供与当时主流趋势不同的选择，Reinhardt确保了艺术史的延续。正如卡济米尔·马列维奇的《黑方块》，Ad Reinhardt的黑色画作并未终结绘画，而是推动了艺术的连续发展。通过教条主义，他并非坚持只有一种方式，而是为下一代提供了一个对手：一个需要抵抗的纯粹主义者和一个需要反抗的意识形态。
封面图：Ad Reinhardt - 作品编号6，1946年。油画板面。© 2018 Ad Reinhardt 遗产 / 艺术家权利协会 (ARS)，纽约
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作者：Phillip Barcio
