米切尔-伊尼斯与纳什向朱利安·斯坦查克的艺术致敬
画家朱利安·斯坦查克（Julian Stanczak）于今年早些时候在他的家乡俄亥俄州克利夫兰去世，享年88岁。在他去世之前，纽约的米切尔-伊尼斯和纳什（Mitchell-Innes and Nash）一直在策划他在画廊的第二次个展。该展览于5月18日开幕，距离斯坦查克去世不到两个月，它已不仅仅是另一场展览。这是对一位真正受人喜爱和有影响力的艺术家的作品和生活的庆祝。展览的副标题是 表面的生命，1970-1975年的绘画。如所示，它仅展示了70年代五年期间创作的作品。但更重要的是，它提到了斯坦查克赋予其作品的生命，以及他对艺术界的影响。作为最终被称为光学艺术（Op Art）的先驱之一，斯坦查克是一位开创者，他发现了仅使用颜色和线条这两个简单元素可以实现的非凡事物。
意外发明光学艺术
今天，光学艺术这个术语被大多数艺术爱好者、策展人、教育工作者和收藏家理解为一种迷幻的几何艺术，它欺骗眼睛，让人感知到不存在的运动、空间和光线。这个运动通常与一些大名鼎鼎的艺术家联系在一起，如布里奇特·赖利和维克多·瓦萨雷利，他们在早期是这一艺术形式最知名的倡导者。现代观众往往将其视为一个统一的运动，参与的艺术家们有一个明确的议程，或者至少在一个统一的美学方向上前进。
但关于光学艺术的真相远没有那么光鲜。光学艺术这个术语源自于朱利安·斯坦查克作品展的标题。该展览是他在纽约的第一次展出，举办于1964年在玛莎·杰克逊画廊。玛莎·杰克逊本人将展览命名为朱利安·斯坦查克：光学绘画。当斯坦查克从克利夫兰的家中前往纽约观看展览时，他第一次在画廊的窗户上看到这个标题。在2011年的一次采访中，斯坦查克回忆道：“我说，‘我的天，你从哪里得到这个？玛莎，你怎么能说光学？’”杰克逊试图让他冷静下来，回答道：“嘿，朱利安，这对艺术评论家来说是个可以咀嚼的东西。”而他们确实咀嚼了。事实上，一位名叫唐纳德·贾德的年轻雕塑家，当时为《艺术》杂志撰写评论，评论了这个展览，并在提到其标题时创造了“光学艺术”这个短语。
朱利安·斯坦查克 - 静态蓝，1973年，丙烯画布，48x120英寸
颜色和线条
回顾起来，单独挑出一种特定类型的绘画并称之为光学，确实显得荒谬。光学一词与存在于可见光谱内的任何现象有关。但在第一次朱利安·斯坦查克（Julian Stanczak）在玛莎·杰克逊画廊（Martha Jackson Gallery）展出的画作的背景下，这个术语不仅被解读为指可见的东西，而是与光学幻觉有某种关系。斯坦查克运用颜色和线条的组合来给人深度和运动的印象，并暗示光线是从作品的表面发出的。但作品的任何部分都不是试图愚弄任何人。这只是对颜色和线条本身所能实现的可能性的一次探索。
斯坦查克对色彩和线条元素的最初吸引力始于几十年前，在他第一次在纽约展出之前，那时他还是一名年轻人，身处乌干达的难民营中，正值第二次世界大战。他在劳工营工作时失去了主用的右臂，随后又被无能的军医进一步伤害。这次伤害结束了他成为音乐家的梦想，因此在抵达非洲并注意到其美丽和色彩时，他抓住机会学习用左手绘画。他那时的作品非凡，显示出即使用非主用手，他也具备从现实中绘画的非凡能力。但他并不想画他所见所经历的东西。他反而寻求抽象的主题，以帮助他忘记过去，画出一些普遍的东西。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975年的绘画，2017年在纽约米切尔-伊尼斯和纳什的展览视图
来到俄亥俄州
一旦有能力，斯坦查克就来到了美国，和住在俄亥俄州的家人团聚。他发现克利夫兰市非常适合他的艺术抱负，在那里发现了一个充满活力的交响乐团和艺术博物馆。他在辛辛那提艺术学院注册了艺术课程，正是在那里他真正开始专注于色彩元素。但他很快发现，学校里没有人能够教他想要知道的所有知识。斯坦查克说：“我很享受色彩。我想知道更多关于它的事情。可是没有人回答我的问题。所以我听说阿尔伯斯是个专家。他在哪里教书？在耶鲁大学。所以我就去耶鲁。”
通过阿尔伯斯，斯坦查克指的是约瑟夫·阿尔伯斯，他是现代主义色彩领域的顶尖专家之一。约瑟夫·阿尔伯斯和他的妻子安妮在第二次世界大战前是包豪斯的有影响力的教师。当纳粹迫使包豪斯关闭时，他们应邀前往北卡罗来纳州，在黑山学院教授。后来他们转到耶鲁大学。听说阿尔伯斯是世界上色彩方面的顶尖专家，斯坦查克申请了耶鲁大学的研究生课程。在阿尔伯斯的指导下学习时，他确信他一直渴望表达的一切确实可以用色彩来表达，此外只需简单地添加线条。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975年的绘画，2017年在纽约米切尔-伊尼斯和纳什的展览视图
反应灵敏的眼睛
在他第一次在玛莎·杰克逊画廊展览两年后，这次展览促成了“光学艺术”一词的诞生，纽约现代艺术博物馆举办了名为《响应的眼睛》的雄心勃勃的几何抽象艺术展。朱利安·斯坦查克被纳入展览，他在耶鲁大学的老师约瑟夫·阿尔伯斯、前面提到的布里奇特·赖利和维克多·瓦萨雷利，以及来自15个国家的其他95位艺术家也参与了展览。该展览自此因向更广泛的公众想象介绍光学艺术而闻名。但在当时，现代艺术博物馆从未使用“光学艺术”一词来指代展览中的作品。相反，博物馆使用了“感知”等术语，以突出他们对艺术家如何利用几何、色彩、表面、线条和光线来研究人们的视觉方式的新探索。
正如威廉·C·赛茨在展览的新闻稿中所说：“这些作品存在的意义不在于作为可供审视的物体，而在于作为观众眼睛和心灵中感知反应的生成器。仅使用线条、带状和图案、平坦的颜色区域、白色、灰色或黑色，或干净切割的木材、玻璃、金属和塑料，感知艺术家建立了观察者与艺术作品之间的新关系。这些新型的主观体验……对眼睛来说是完全真实的，尽管它们在作品本身中并不存在。”《响应的眼睛》极大地推动了朱利安·斯坦查克的职业生涯，以及展览中许多其他艺术家的职业生涯。但斯坦查克并没有搬到纽约，尽管他本可以轻松享受巨大的名声。相反，他仍然在克利夫兰工作，在克利夫兰艺术学院担任了38年的绘画教授。
朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975年的绘画，2017年在纽约米切尔-伊尼斯和纳什的展览视图
纪念朱利安·斯坦查克
在克利夫兰的家中，远离艺术世界的中心，斯坦查克在他余生中继续探索他画作中的色彩和光线。他用非主手的左手一层层地涂抹油漆的细致过程既耗时又费力。但在这个过程中，他找到了快乐和释放，这两者都在他的作品中大量流露出来。几十年来，他的画作被全球近100家博物馆收藏，尽管他几乎被纽约的画廊所忽视。
但最终在2004年，斯坦查克回到纽约，在斯特凡·斯图克画廊举办了连续的个展。在接下来的十年里，他在城市中参加了几场群展，逐渐再次在艺术购买公众的心中变得突出。然后在2014年，他在米切尔-伊尼斯与纳什画廊举办了他的第一次展览。目前的追悼展览的副标题非常贴切，因为斯坦查克确实花了一生的时间为他的画作的表面注入生命。展览仅持续到2017年6月24日，所以如果你想去看，赶快吧。但如果你错过了，也不要担心。随着世界意识到它失去的天才，这可能只是庆祝这位色彩与线条大师遗产的第一次展览。
特色图像：朱利安·斯坦查克 - 表面的生命，1970 – 1975年的绘画，2017年在纽约米切尔-伊尼斯与纳什的展览视图
所有图片由Mitchell-Innes和Nash提供
由 Barcio 贡献
