米切尔-伊尼斯与纳什向朱利安·斯坦查克的艺术致敬
画家朱利安·斯坦查克今年早些时候在他的家乡俄亥俄州克利夫兰去世，享年88岁。在他去世之前，纽约的Mitchell-Innes and Nash画廊一直在筹划他的第二次个人展览。该展览于斯坦查克去世不到两个月的5月18日开幕，已不仅仅是另一个展览。它是对这位备受爱戴且具有深远影响力的艺术家作品和人生的庆典。展览的副标题是《表面的生命，1970-1975年绘画》。正如标题所示，展览仅展出70年代五年间创作的作品。但更重要的是，这个标题指向了斯坦查克赋予其作品以及整个艺术界的生命。作为后来被称为视错觉艺术的先驱之一，斯坦查克是一位开拓者，他发现了仅用色彩和线条这两个简单元素就能创造出非凡效果的可能性。
偶然发明视错觉艺术
如今，大多数艺术爱好者、策展人、教育者和收藏家都理解视错觉艺术是指一种迷幻的几何艺术，通过视觉欺骗让人感知到运动、空间和光线，尽管这些实际上并不存在。这个艺术运动通常与几位大名鼎鼎的艺术家联系在一起，如布里奇特·赖利和维克多·瓦萨雷利，他们在早期是该运动最著名的支持者。现代观众往往将其视为一个连贯的艺术运动，认为参与的艺术家们有着共同的目标，或者至少在朝着统一的美学方向发展。
但视错觉艺术的真相远没有那么光鲜。视错觉艺术这一术语源自朱利安·斯坦查克的一场展览。该展览是他在纽约的首次个展，于1964年在玛莎·杰克逊画廊举办。玛莎·杰克逊本人为展览命名为《朱利安·斯坦查克：光学绘画》。当斯坦查克从克利夫兰赶到纽约观看展览时，第一次看到这个标题写在画廊窗户上。在2011年的一次采访中，斯坦查克回忆道：“我说，‘天哪，你们从哪里来的这个名字？玛莎，你怎么能说是光学？’”杰克逊试图安抚他说：“嘿，朱利安，这是给艺术评论家们消化的东西。”他们确实消化了。事实上，一位当时为《艺术》杂志撰写评论的年轻雕塑家唐纳德·贾德在评论中提到了展览标题，并首次创造了“视错觉艺术”这一说法。
朱利安·斯坦查克 - 《静态蓝》，1973年，丙烯画布，48x120英寸
色彩与线条
回想起来，将某一特定类型的绘画单独称为“光学”似乎有些荒谬。光学一词指的是任何存在于可见光谱内的现象。但在1964年玛莎·杰克逊画廊首次展出斯坦查克作品的语境中，这个词不仅指可见的事物，更与视觉错觉有关。斯坦查克运用色彩与线条的结合，营造出深度和运动的感觉，并暗示光线从作品表面发出。但他的作品并非试图欺骗观众，而是对色彩和线条自身可能性的探索。
斯坦查克对色彩和线条元素的初步兴趣，始于几十年前二战期间他作为难民在乌干达的一个难民营。当时他在劳工营工作时失去了惯用的右臂功能，后来又被不称职的军医进一步伤害。这次伤害终结了他成为音乐家的梦想。抵达非洲后，他注意到那里的美丽和色彩，便抓住机会用左手学习绘画。他那时的作品非凡，显示出即使用非惯用手，他也具备从现实中绘画的非凡能力。但他并不想画他所见所经历的事物，而是寻求抽象的题材，帮助他忘记过去，绘制一些普遍性的东西。
朱利安·斯坦查克 - 《表面的生命，1970-1975年绘画》，2017年Mitchell-Innes and Nash纽约展览现场
来到俄亥俄
一有机会，斯坦查克便来到美国，加入了居住在俄亥俄州的家人。他发现克利夫兰这座城市非常适合他的艺术抱负，那里有充满活力的交响乐团和艺术博物馆。他报名参加了辛辛那提艺术学院的艺术课程，真正开始专注于色彩元素。但他很快发现学校里没有人能满足他对色彩的所有疑问。斯坦查克说：“我喜欢色彩，想了解更多，但没人回答我的问题。后来听说阿尔伯斯是专家，他在哪里教书？耶鲁。于是我去了耶鲁。”
斯坦查克所说的阿尔伯斯是指约瑟夫·阿尔伯斯，现代主义色彩领域的权威。约瑟夫·阿尔伯斯和他的妻子安妮曾是二战前包豪斯的著名教师。纳粹迫使包豪斯关闭后，他们应邀前往北卡罗来纳州的黑山学院任教，后来又转到耶鲁。听说阿尔伯斯是世界上色彩领域的顶尖专家，斯坦查克申请了耶鲁的研究生课程。在阿尔伯斯的指导下，他确信自己一直渴望表达的所有内容，都可以通过色彩和简单的线条来实现。
朱利安·斯坦查克 - 《表面的生命，1970-1975年绘画》，2017年Mitchell-Innes and Nash纽约展览现场
《反应之眼》
在玛莎·杰克逊画廊首次展览两年后，也就是促成“视错觉艺术”这一术语诞生的展览之后，纽约现代艺术博物馆举办了名为《反应之眼》的几何抽象艺术大型展览。朱利安·斯坦查克入选了该展，耶鲁的导师约瑟夫·阿尔伯斯、前述的布里奇特·赖利和维克多·瓦萨雷利，以及来自15个国家的95位艺术家也参与其中。该展览后来因向更广泛的公众介绍视错觉艺术而闻名。但当时现代艺术博物馆并未使用“视错觉艺术”这一术语来描述展览作品，而是用“知觉”等词汇，强调艺术家们如何利用几何、色彩、表面、线条和光线探索人类视觉的新方式。
正如《反应之眼》展览策展人威廉·C·赛茨在新闻稿中所说：“这些作品不只是供人观察的物体，更是激发观者眼睛和心灵感知反应的源泉。通过线条、带状图案、平面色块、白色、灰色或黑色，或是精心切割的木材、玻璃、金属和塑料，知觉艺术家建立了观察者与艺术品之间的新关系。这些新的主观体验……对眼睛来说完全真实，尽管它们在作品本身并不存在。”《反应之眼》极大推动了朱利安·斯坦查克及其他参展艺术家的事业发展。但斯坦查克并未迁往纽约，尽管在那里他本可以享有巨大声誉。他选择留在克利夫兰，在克利夫兰艺术学院担任绘画教授长达38年。
朱利安·斯坦查克 - 《表面的生命，1970-1975年绘画》，2017年Mitchell-Innes and Nash纽约展览现场
缅怀朱利安·斯坦查克
远离艺术世界中心的克利夫兰家中，斯坦查克终其一生持续在绘画中探索色彩与光线。他用非惯用的左手一层层细致地涂抹颜料，过程既耗时又艰辛。但他在这一过程中找到了快乐和释放，这两者在他的作品中大量流露。几十年来，他的作品被全球近百家博物馆收藏，尽管纽约的画廊几乎忽视了他。
直到2004年，斯坦查克才在纽约的斯特凡·斯塔克斯画廊连续举办个人展览。随后十年间，他多次参加纽约的群展，逐渐重新获得艺术购买者的关注。2014年，他首次在Mitchell-Innes & Nash举办展览。当前这场追思展的副标题恰如其分，斯坦查克确实用一生赋予了画面生命。展览仅持续至2017年6月24日，想看的人请抓紧时间。但即使错过，也无需担忧。随着世界逐渐认识到失去的天才，这很可能只是庆祝这位色彩与线条大师遗产的第一场展览。
封面图：朱利安·斯坦查克 - 《表面的生命，1970-1975年绘画》，2017年Mitchell-Innes & Nash纽约展览现场
所有图片均由Mitchell-Innes and Nash提供
作者：Phillip Barcio
