《光学抽象的发展：维克多·瓦萨雷利如何找到自己的风格》
人们有时认为，当我们谈论“艺术与科学”时，是在谈论截然不同的事物。毕竟，科学是研究事物，而艺术是创造事物。但科学家难道不也在创造吗？艺术家难道不也在研究吗？想象力难道不是两者的核心吗？Victor Vasarely既是科学家也是艺术家。他是现代主义抽象艺术运动“视错觉艺术”的奠基人，游刃有余地活跃于这两个领域。最初接受医学训练的Vasarely以系统的视角接近艺术。他分析了构成审美对象的形式特征，研究自然以寻找视觉宇宙的基本构件，并分析观众如何感知视觉宇宙，探索艺术如何揭示根本真理。从1920年代他进行最早的审美实验，到1960年代他展示终极创作“塑形字母表”，直到90岁去世，Vasarely始终以兼具创造力与分析力的视角对待艺术。他改变了人类对二维空间的看法，创作出一系列作品，数十年后依然激励着艺术家、艺术爱好者、设计师和科学家。
科学家Victor Vasarely
1906年，Victor Vasarely出生时，艺术家和科学家同样受人尊敬。在Vasarely就读的布达佩斯大学，两个领域的人士常常交流，尤其是在多瑙河畔热闹的咖啡馆，这些地方是欧洲知识分子的聚集地。Vasarely刚入大学时，原本打算在布达佩斯医学院学习医学，但两年后他突然转变方向，决定专注于艺术学习。
尽管学习内容改变，他的学习方法却未变。1927年，21岁的Vasarely进入一所私立美术学校，接受正式的绘画训练。他在艺术学习上表现出色，同时继续阅读当时顶尖科学家的著作。他当时最喜欢的作家之一是1922年因原子结构研究获得诺贝尔奖的尼尔斯·玻尔。玻尔模型在量子物理中将原子结构比作太阳系结构，视觉上类似一个圆圈被更大的圆圈包围，这一图案成为Vasarely艺术中反复探索的主题。
Victor Vasarely - 《Harlequin Sportif》，约1988年。丝网印刷。尺寸38 1/2 × 28 1/2英寸；97.8 × 72.4厘米。限量300版。RoGallery。© Victor Vasarely
构建理论
通过对艺术与科学的双重研究，Vasarely开始形成一种理论，认为这两种思维模式相交时，可以共同构建一个“符合我们的感知和当代知识的想象构造”。1929年，他进入布达佩斯的Muhely学院学习，该学院当时相当于匈牙利的包豪斯。他的学习重点是基于几何的整体艺术概念。他尝试几何抽象，开始理解如何通过几何形状和色彩在二维平面上排列来制造视觉错觉。将他在Muhely学院创作的作品《Etudes Bauhaus C》与1975年的《Vonal-Stri》对比，可以看出Vasarely一生专注于用几何表达科学与艺术交汇的可能性。
离开Muhely学院后，Vasarely移居巴黎，结婚并育有两个孩子。他白天以平面设计师谋生，晚上专注于艺术创作。白天的工作要求风格干净精准，而他的艺术创作则充满想象力。他形成了个人风格，既严谨又富有想象力，体现在“斑马”和“丑角”系列作品中，这些系列贯穿他一生，也体现在《棋盘》等作品中。
Victor Vasarely - 《棋盘》，1975年。丝网印刷。尺寸31 1/2 × 30英寸；80 × 76.2厘米。限量300版。RoGallery。© Victor Vasarely
误入歧途
在巴黎从事双重职业14年后，Vasarely终于举办了他的首次大型展览。展览反响良好，使他坚信可以全职从事艺术创作。此时，他的视觉风格发生了转变。在布列塔尼一个岛屿度假时，他注意到海浪对景观的影响，尤其是海浪如何改变海岸线和塑造石头。这一观察引导他走向一种生物形态的几何抽象，试图与有机世界的自然几何视觉表现相连接。
尽管Vasarely后来称这段时期为“误入歧途”，但它促成了他作品的重要演变，增加了更多圆润元素。当他回归之前的几何风格时，融入了动态的圆形形式，这些形式似乎从画面中凸出或向内塌陷。这些形态欺骗了视觉，使图像仿佛在运动。这种动感错觉，加上画布上图像的三维感，成为我们现在称之为视错觉艺术的标志性美学基础。
Victor Vasarely - 《无题#8》（粉色和绿松石色球体）。丝网印刷。尺寸13 × 10英寸；33 × 25.4厘米。限量50版。Gregg Shienbaum Fine Art。© Victor Vasarely
黄色宣言
1955年，Vasarely在巴黎举办的动感艺术展“Le Movement”中展出作品。为配合展览，他发表了一篇名为《宣言笔记》的文章，印在黄色纸张上，因此被称为《黄色宣言》。他宣称，“我们正处于一个伟大时代的黎明。”他坚持认为，绘画和雕塑等标签已过时，因为像阿尔普、康定斯基、蒙德里安和卡尔德等艺术家已打破了造型艺术之间的人为界限。他宣称，既然所有审美现象都是同一冲动的表现，就应将所有艺术成就视为“不同空间中的单一造型感知。”
从他那个时期的作品中可以清楚看到Vasarely对这一“伟大时代”的贡献。他的作品彻底重新定义了观众对二维艺术作品的体验。他创造了空间存在于无空间之处的感知，观众的体验完全存在于观众的心中。Vasarely画布上的形态既形式化又科学化，但当被眼睛解读时，却呈现出似乎违背空间现实科学事实的特质。
Victor Vasarely - 《Papillon》，1981年。丝网印刷于Arches纸。尺寸30 7/8 × 37 7/8英寸；78.4 × 96.2厘米。限量250版。© Victor Vasarely
塑形字母表
在1960年代事业巅峰期，Vasarely创作了代表其毕生心血的作品——他称之为塑形字母表，一种基于几何形状和色彩的象征性视觉语言。字母表包含15种形态，均基于圆形、三角形和正方形的变体，每种形态有20种不同色调。每个形态都置于方形框架内，形状及其周围框架呈现不同色调。塑形字母表可组合成看似无限的排列，创造出无尽的图像。
Vasarely通过塑形字母表明确表达的概念是，创作行为可以通过纯科学的过程进行。一方面，这种方式去人性化，类似一种原始人工智能，能够接管艺术创作过程；另一方面，它又赋予人性，民主化并揭示了创作过程的奥秘，使任何人都能参与创造性的审美活动。
Victor Vasarely - 《Titan A》，1985年。丝网印刷。尺寸22 × 23 1/2英寸；55.9 × 59.7厘米。限量300版。Gregg Shienbaum Fine Art。© Victor Vasarely
人人皆艺术
Vasarely最为人铭记的贡献恰恰是一种颠覆。他的视觉作品不仅扭曲了二维艺术的表面，他的理念和塑形字母表也扭曲了文化的表面。Vasarely的朋友、同事和追随者热情回忆，他的座右铭之一是“人人皆艺术”。他欣喜地看到自己的艺术被应用于服装、明信片、商业产品和广告中。他预见到未来艺术要保持相关性，唯一的方式是让每个人都能参与其中。
我们不仅能在当代艺术和设计产品中看到Vasarely艺术的回响，也能在数字社区及其推动的全球文化中感受到他的哲学。通过创造一种跨越人为社会分界的普遍吸引力的美术风格，Vasarely创造了独特的东西：一种真诚而愉悦的审美体验，虽然抽象，却能被任何有视觉的人轻松享受。更有价值的是，他分享了一个未来愿景，即艺术与科学携手共进，迈向一个更有趣、更公平的世界。
封面图：Victor Vasarely - 《斑马》，1938年。52 x 60厘米。© Victor Vasarely
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作者：Phillip Barcio
