喬治·赫羅德與光輝的西方在波恩藝術博物館

大多數人可能會將 喬治·赫羅德 歸類為所謂的「老一代」成員。畢竟，他已經70歲了。事實上，七年前，波恩藝術博物館正式給赫羅德貼上了這個不幸且有些無意義的標籤，當時他被納入了一個名為 光輝的西方 的雄心勃勃的群展中。該展覽展示了33位藝術家的作品，所有這些藝術家都來自德國的萊茵地區/北萊茵-威斯特法倫地區。展覽的目標是建立這一地區美學遺產的統一視野，並將其與對該地區未來可能發展的預測性檢視相結合。為了完成這一宏偉的任務，博物館採取了一種獨特的策展方法。首先，他們指派五人學術團隊負責選擇19位藝術家，這些藝術家在他們的話中代表了「老一代」。該團隊從他們所稱的該地區的「歷史核心」開始，這個核心由五位藝術家組成：約瑟夫·博伊斯、希格瑪·波爾克、伊米·克諾貝爾、格哈德·里希特和布林基·巴勒莫。然後，他們又選擇了14位「老」藝術家，其中包括喬治·赫羅德。接下來，博物館邀請這些所謂的「老」藝術家，或者至少是那些仍然在世的藝術家，推薦他們認為值得納入展覽的「年輕一代」藝術家。由於他當時63歲，因此喬治·赫羅德被選為老一代的代表似乎並不算侮辱。但儘管如此，這一稱號似乎有些不妥。距今不久，赫羅德還是剛剛進入藝術界。直到今天，他的作品仍然引人入勝、新鮮、機智、不拘一格且具挑釁性——在許多情況下，遠比那些在 光輝的西方 中所謂代表未來的年輕藝術家更具吸引力。這一事實在目前在同一空間波恩藝術博物館展出的新個展中得到了清晰的體現。這些作品依然充滿活力，並持續代表著前沿。這讓我不禁思考，或許生物年齡不應該是藝術中「老」的唯一衡量標準。正如赫羅德所展示的，有時隨著時間的推移，最佳的想法和最強大的作品會從藝術家身上浮現出來，而早期作品的全部意義和潛力最終得以揭示。

遲到的入場

喬治·赫羅德於1947年出生於德國耶拿，這是一個約有100,000名居民的大学城。他的早期訓練是作為一名鐵匠學徒，之後他進入大學，開始認真學習成為一名藝術家。他首先在哈雷藝術與設計大學學習，這所大學位於他成長的附近城鎮哈雷。然後他搬到德國南部的慕尼黑，於1974年至1976年期間就讀於美術學院。接著，他北上前往漢堡，在1977年至1981年間在漢堡美術大學跟隨西格瑪·波爾克學習。在漢堡期間，赫羅德結識了幾位其他學生藝術家，其中最著名的包括馬丁·基彭貝格和阿爾伯特·厄倫，他們已經開始以其朋克風格的藝術創作而聞名。

與這些新的野性人物一起，赫羅德被稱為1980年代德國藝術界新興的“壞小子”之一。當他從大學畢業時，赫羅德已34歲。儘管如此，他仍被視為新一代年輕而大膽的藝術家之一。其中一位“壞小子”並未長久生存。基彭伯格於1997年去世，享年44歲，但在他短暫的職業生涯中，對藝術界產生了巨大的影響，幾乎是單槍匹馬地重新定義了當代藝術家的意義。奧倫今天仍然活躍於藝術和教學領域。他的抽象畫作深受喜愛，他對過程的探索對新興藝術家世代產生了巨大的影響。然後是赫羅德，這位“壞小子”中年紀最大的。他花了最長的時間來成熟，在某些方面也最長時間抵抗被分類。正如他曾經說過的：“我打算達到一種模糊的狀態，允許各種解釋。”忠於這一目標，他的作品集挑戰了任何和所有的分類，至今尚未有任何單一作品被成功診斷。

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

堅持下去

喬治·赫羅德（Georg Herold）最為人所記住的第一件藝術作品是一片薄木條，這種木條通常用於建築，固定在牆上。他將這件作品稱為Präsentation der ersten Latte，或第一根木板的展示。這件作品創作於1977年，當時他仍在學校，為西格瑪·波克（Sigmar Polke）教授的課程作業而創作。從嚴格的形式上來看，這件作品是無可否認的。它代表了線條和形狀。作為一個懸掛在牆上的三維物體，它挑戰了繪畫和雕塑的角色。它既是極簡主義的，也是概念性的。它的標題暗示著某種儀式感。作為一種材料的歷史暗示著它是未來更大事物的一個組成部分。作為一個發現物品的地位則喚起了馬塞爾·杜尚（Marcel Duchamp）和羅伯特·勞申伯格（Robert Rauschenberg）。但它也有些異想天開，或許還有些荒謬。

但隨著時間的推移，那第一件作品的標題證明是預言性的。赫羅德一次又一次地回到建築木板的材料上。他在更大的雕塑中使用它們，將它們以不同的配置懸掛在牆上，將它們用作畫作和其他作品的支撐，並將它們用作建造一系列令人難忘的具象雕塑的原材料。為了構建這些形狀，赫羅德用線和螺絲將建築木板綁在一起。然後，他將畫布拉伸在綁好的木棍上，形成一種人類身體的繭。他允許畫布隨著時間的推移乾燥和收縮，然後他對這個形狀進行上色和上漆。在某些情況下，他會對這些形狀進行限量版的青銅鑄造。從他在與西格馬·波克的課程中早期作品的背景來看，這些具象形狀在潛在意義的深度上是詩意的。但即使不瞭解它們的材料本質，它們的存在也喚起了一系列情感，從痛苦到感性。它們既人性化又非人性化，並引發無數的解釋，從舞蹈的影像到死亡的影像。

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

魚子醬和磚塊

另一個赫羅德（Herold）聞名的作品系列是以魚卵作為主要媒介的畫作。這些抽象的魚子醬畫作擁有寧靜、自然的特質，類似於韓國丹色畫（dansaekhwa paintings）。它們幾乎是單色的，輕微有紋理，且美麗。但正是它們的媒介引發了問題。數以百萬，甚至數十億的魚卵進入了它們的創作，這意味著它們是字面上的殺戮場。它們可能代表著字面上的浪費潛力。再者，魚子醬不過是食物，而且並不是必需的食物。這是一種昂貴的奢侈品。關於這些畫作所傳達的商業、藝術和剝削的任何信息，可能有很多可以討論的內容。再者，也許根本沒有什麼好說的。也許它們只是簡單的美麗畫作。

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

另一種赫羅德經常回到的材料是磚塊。他將磚塊直接附著在畫作的拉伸畫布表面上。磚塊的重量常常使表面下垂，拉伸它並在布料上形成皺紋和波紋。其外觀常常像是一件部分毀壞的藝術作品。作品中固有的緊張感使觀眾在觀看時不禁想知道磚塊是否最終會掉落。這些作品看起來像是等待發生災難的情況。它們也是對物質性、質感、立體性和空間的迷人考察。它們很有趣，某種程度上甚至帶有嘲諷的意味。它們也極其模糊。它們所展示的與所傳達的之間存在著巨大的鴻溝。再者，它們只是一種建構，從第一塊木板的呈現向前邁進的一步。最值得注意的是，它們是新鮮的。它們持續證明喬治·赫羅德並不是一位應該被標籤為任何舊一代的藝術家。事實上，尊重地說，沒有任何現存的藝術家應該如此。

Georg Herold 在波恩藝術博物館展出，展期至2018年1月7日。

特色圖片：喬治·赫羅德 - Herrenperspektive（男性視角），2002年，屋頂木條、玻璃和麻繩雕塑，235 x 60 x 365 公分，照片 © VG Bild-Kunst，波恩 2016年，阿爾普博物館羅蘭德塞克車站，照片：格拉斯林畫廊

所有圖片僅用於說明目的

由 Barcio 作品