فن الوهم البصري الذي ميز القرن العشرين

الواقع ليس ثابتًا دائمًا؛ أو على الأقل يمكن أن يبدو كذلك للعقل البشري. ما نؤمن به يعتمد إلى حد ما على ما ندركه، ولكن ما ندركه أيضًا يتحدد أحيانًا بما نؤمن به. فن الوهم البصري، أو فن الأوب باختصار، هو أسلوب جمالي يستغل عمدًا تلك الغرابة في الإدراك البشري التي تعطي العين البشرية القدرة على خداع الدماغ البشري. من خلال التلاعب بالأنماط والأشكال والألوان والمواد والأشكال، يسعى فنانو الأوب إلى خلق ظواهر تخدع العين، مما يربك المشاهدين لرؤية أكثر مما هو موجود فعليًا. ونظرًا لأن الإيمان يمكن أن يكون مؤثرًا مثل الحقيقة، فإن فن الأوب يطرح السؤال عما هو أكثر أهمية: الإدراك أم الحقيقة.

تاريخ موجز لفن الوهم البصري

فن الأوب آرت له جذوره في تقنية تُسمى تروامب لوي، والتي تعني باللغة الفرنسية خداع العين. أقدم الإشارات إلى مثل هذه الاتجاهات في الفن تعود إلى العصور القديمة، عندما حاول الفنانون اليونانيون القدماء جعل اللوحات واقعية لدرجة أن الناس كانوا يُخدعون حرفيًا للاعتقاد بأن صورهم حقيقية. لقد مرت هذه التقنية بالعديد من دورات الموضة على مر القرون، وبلغت ذروتها في القرن التاسع عشر مع لوحات تروامب لوي مثل الهروب من النقد، التي رسمها في عام 1874 بير بورييل ديل كاسو، والتي تُظهر صورة فائقة الواقعية لطفل يتسلق خارج إطار الصورة.

Pere Borrell del Caso - Escaping Criticism, 1874. Oil on canvas. Collection Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

لكن على الرغم من أنه يهدف أيضًا إلى خداع العين، إلا أن فن الأوب هو ليس هو نفسه الفن الواقعي الفائق. في الواقع، فن الأوب كما نعرفه اليوم هو في الغالب تجريدي، يعتمد على التراكيب الهندسية لإقناع العين بوجود أشكال غير حقيقية ومستويات مكانية. كانت أول تقنية تجريدية تم تصميمها لخداع العين تُسمى النقطة اللونية. بدلاً من خلط الألوان مسبقًا، وضع رسامو النقطة اللونية الألوان غير المخلوطة بجانب بعضها البعض على القماش، مما خلق وهم حقول صلبة من الألوان. عندما تُشاهد هذه اللوحات من مسافة، يبدو أن الألوان مختلطة. اخترع جورج سورا النقطة اللونية وأتقن التأثير من خلال لوحات مثل منارة في هونفليور.

Georges Seurat - Lighthouse at Honfleur, 1886. Oil on canvas. Overall: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 in.), framed: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 in.). Collection of Mr. and Mrs. Paul Mellon

الأوهام المجردة

إن المفهوم الذي يقوم عليه النقطة في الرسم أدى في النهاية إلى ظهور العديد من التقنيات الأخرى حيث بحث الفنانون عن طرق لخداع العقل لإكمال الصورة. لقد ألهم ذلك تقسيم الألوان لدى المستقبلين الإيطاليين، والسطوح الأربعة الأبعاد لـ التكعيبية. لكن أنجح تطبيق له جاء عندما تم دمجه مع جمالية التجريد الهندسي، مثل النقش الهندسي التجريدي التجمع الهيكلي، الذي تم رسمه في عام 1913 بواسطة جوزيف ألبرز.

وفقًا لبياناته الخاصة، لم يكن ألبرز يحاول خلق وهم بصري من خلال هذا العمل. كان مشغولًا بتجارب تركيبية بسيطة تتعلق بإدراك الخطوط والأشكال على سطح ثنائي الأبعاد. ومع ذلك، اكتشف أن ترتيب الخطوط والأشكال والألوان على السطح يمكن أن يغير بالفعل الطريقة التي يدرك بها العقل ما هو حقيقي. وعلى الرغم من أنه لم يحاول عمدًا خداع المشاهدين بأعماله، إلا أنه قضى مع ذلك حياته في دراسة هذه التأثيرات.

Josef Albers - Structural Constellation, 1913. White lines etched in black background on wood. © 2019 The Josef and Anni Albers Foundation

الحمر الوحشية ولوحات الشطرنج

فيكتور فاساريلي، المعاصر لألبيرس، قام، مع ذلك، بجهد واعٍ للعثور على طرق لخداع المشاهدين بفنه. كان فاساريلي عالماً بقدر ما كان رساماً، وكان مهتماً بشكل خاص بالطرق التي تتداخل بها هاتان المسألتان لتؤثر على الإدراك. منذ عشرينيات القرن الماضي، تعلم الفنان أنه من خلال التلاعب بالخط وحده يمكنه تشويه سطح ثنائي الأبعاد تماماً بطريقة تخدع العقل لتدركه كمساحة ثلاثية الأبعاد.

موضوع واحد عاد إليه فاساريلي مرارًا في عمله هو الحمار الوحشي. في الواقع، تعمل خطوط هذا الحيوان على خداع المفترسات الطبيعية التي لا تستطيع تحديد الاتجاه الذي يركض فيه الحيوان بسبب تداخل خطوطه السوداء والبيضاء مع محيطه. بينما كان يكشف أسرار هذه الظاهرة، طبقها على تركيبات هندسية أكثر تعقيدًا، وبحلول الستينيات، أنشأ أسلوبًا مميزًا ألهم ما يُعتبر اليوم حركة الفن البصري الحداثي. 

Victor Vasarely - Zebra, 1938. © Victor Vasarely

اسود و ابيض

كان أحد أشهر فناني الوهم البصري في القرن العشرين هو الفنان البريطاني بريجيت رايلي، التي تأثرت مباشرة بأعمال فيكتور فاساريلي. درست رايلي في الكلية الملكية للفنون في أوائل الخمسينيات. كانت أعمالها المبكرة تصويرية، ولكن بعد أن تولت وظيفة كرسامة في شركة إعلانات أصبحت أكثر اهتمامًا بخلق الأوهام البصرية. بدأت في استكشاف النقطة ثم التقسيم، وأخيرًا طورت أسلوبها الخاص المميز في فن الأوب آرت، الذي يعتمد بشكل أساسي على التجريد الهندسي بالأبيض والأسود.

كانت رايلي ناجحة جدًا في خلق الأوهام البصرية في عملها لدرجة أن المشاهدين أبلغوا أحيانًا عن شعورهم بدوار البحر أو دوار الحركة عند النظر إلى لوحاتها. لقد أدهش هذا الظاهرة رايلي، التي أصبحت مقتنعة بأن الخط الفاصل بين الإدراك والواقع هش للغاية، وأن الاعتقاد الناتج عن وهم يمكن أن يظهر عواقب حقيقية في العالم المادي. قالت رايلي، "كان هناك وقت كانت فيه المعاني مركزة وكان يمكن تثبيت الواقع؛ عندما اختفى هذا النوع من الاعتقاد، أصبحت الأمور غير مؤكدة وقابلة للتفسير."

Bridget Riley in front of one of her large-scale, hypnotic Op Art paintings, © Bridget Riley

العين المستجيبة

بلغت حركة فن البوب الحديثة ذروتها مع معرض بعنوان "العين المتجاوبة" الذي جاب الولايات المتحدة في عام 1965. تضمن هذا المعرض أكثر من 120 عملًا فنيًا لعدد من الفنانين يمثلون مجموعة واسعة من المواقف الجمالية. شمل العرض الأعمال الوهمية للغاية لفيكتور فاساريلي وبريدجيت رايلي بالإضافة إلى التجريديين الهندسيين الأكثر هدوءًا من فنانين مثل فرانك ستيلا وألكسندر ليبرمان، وكذلك المنحوتات الحركية من فنانين مثل وين-ينغ تساي وكارلوس كروز-دييز.

كما شمل مجموعة "العين المستجيبة" النحات خيسوس رافائيل سوتو، الذي يمكن القول إنه أخذ فن الأوب إلى أبعد مدى في مجال الإدراك ثلاثي الأبعاد من خلال مجموعة من الأعمال تسمى Penetrables. تتكون هذه الإبداعات التفاعلية من مئات الأنابيب البلاستيكية المعلقة جزئيًا والمطلية، التي يمكن للزوار السير من خلالها. عندما لا تتعرض للتشويش، تقدم وهمًا لافتًا بأن شكلًا ملموسًا يطفو في الفضاء. ولكن عندما يتفاعل المتفرجون جسديًا مع المنحوتات، يذوب الوهم، مما يعطي الانطباع بأن الواقع الملموس يمكن، في الواقع، أن يتشوه ويتغير بلمسة الإنسان.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

إرث الفن التشكيلي

إن نعمة و لعنة فن الأوب هي شعبيته. عندما كان هذا الاتجاه في ذروته في الستينيات، كان العديد من النقاد يحتقرونه لأن صوره تم استغلالها بشغف من قبل صانعي العناصر الرخيصة مثل القمصان، وأكواب القهوة، والملصقات. لكن بالنسبة لفنانين مثل فيكتور فازارلي وخيسوس رافائيل سوتو، كانت هذه هي النقطة بالضبط.

كان هؤلاء المبدعون يعتقدون أن قيمة العمل الفني تتحدد بمدى مشاركة المشاهد في إكماله. لقد صنعوا ظواهر جمالية تتكيف مع كل مشاهد جديد، مما يخلق إمكانيات تفسيرية غير محدودة. كانت حقيقة أن فنهم تم استهلاكه على مستوى جماهيري تتماشى تمامًا مع مفهومهم، وهو أنه يجب ألا يكون هناك حاجز بين الناس والفن، وأن أي حواجز تبدو موجودة لا توجد إلا في إدراكنا.

الصورة المميزة: فيكتور فازارلي - فيغا-نور، 1969. أكريليك على قماش. 200 × 200 سم. © فيكتور فازارلي
جميع الصور المستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بواسطة فيليب Barcio