فن أدولف غوتليب المظلم والمجرد
أدولف جوتليب كان من الشخصيات الرئيسية في التجريد في منتصف القرن العشرين. لوحاته عاطفية، مقتصدة، وأولية، ويعتبرها كثير من الناس مظلمة. لكن جوتليب كان يرى نفسه عكس الظلام. كان يشعر بأنه مليء بالطاقة، معقد، حديث بشغف، وشخص يضيء الطريق بفنه نحو شيء أفضل للبشرية. وُلد في مدينة نيويورك في بداية واحدة من أكثر الفترات اضطرابًا في تاريخ البشرية، ونضج جوتليب بالتأكيد في زمن مظلم: زمن من الضيق الاجتماعي والسياسي والاقتصادي، حيث كان مستقبل المجتمع محل تساؤل حقيقي وملموس. من الواضح ليس فقط من فنه بل من كتاباته أن القلق والغموض الناتجين عن الحرب العالمية الأولى، الكساد الكبير، والحرب العالمية الثانية ساهموا بلا شك في تطوير رؤيته الجمالية. لكن تلك الرؤية الجمالية لم تكن فقط حزينة أو مشؤومة، كما اقترح العديد من النقاد. بل كانت في الواقع وسيلة لجوتليب للتعبير عن الحقيقة حول القلب والعقل البشري بطريقة مفعمة بالأمل. ربما من المحتم أن تشمل تلك الحقيقة التي أدركها جوتليب بعض درجات الجنون والفوضى. لكن مجموعة الأعمال الواسعة التي تركها جوتليب عند وفاته عام 1974 تضمنت أيضًا الجميل، الهادئ، السلمي، والرفيع. تلك التعقيدات المتناقضة، التي عرّفت وجهة نظره العالمية المثيرة للجدل أحيانًا، أدت في النهاية إلى إعادة تعريف أدولف جوتليب للفن التجريدي، وأسفرت عن خلق مجموعة أعمال بدأت الآن فقط تُعترف ببراعتها ونورها الحقيقي.
فنان في القلب
وُلد أدولف جوتليب في عائلة مهاجرة من الطبقة العاملة في نيويورك عام 1904. مقارنة بالعديد من الأطفال الآخرين الذين نشأوا في الجانب الشرقي السفلي في ذلك الوقت، حصل على بداية رائعة في الحياة، حيث أسس والداه عملاً ناجحًا في مجال القرطاسية وكانا يأملان أن يورثاه إياه يومًا ما. لكنه في سن مبكرة كان متأكدًا تمامًا من أن كل ما يريد أن يكونه هو فنان. كان متأكدًا من ذلك لدرجة أنه ترك المدرسة في سن الخامسة عشرة ليتفرغ تمامًا لفنه. حضر محاضرات في رابطة طلاب الفن، وهي مؤسسة يديرها الفنانون حيث حضر العديد من الفنانين الذين أصبحوا فيما بعد جزءًا من حركة التعبيرية التجريدية. ثم، في سن السابعة عشرة فقط، غادر جوتليب إلى أوروبا، حيث كسب تذكرته بالعمل على متن سفينة متجهة إلى فرنسا.
أثمر إيمانه الشبابي بقدراته في الخارج، حيث تعرف بسرعة على عالم الحداثة الأوروبية. على عكس الفن الأمريكي في عشرينيات القرن الماضي، كان الفن الأوروبي في ذلك الوقت مبدعًا بشكل مذهل. تعرض للفوفية، التكعيبية، السوبرماتية، المستقبلية والتجريد الهندسي. كان يتردد على المتاحف ويحضر أي دروس فنية مجانية يجدها. وعندما انتهت صلاحية تأشيرته، قضى ما يقرب من عام آخر يتجول في أنحاء أوروبا. خلال تلك الرحلة، اقتنع بأن الفنانين الأوروبيين مرتبطون بشيء مهم. وخصوصًا أصبح مفتونًا بالتأثير المتزايد للفن القبلي، وهو اتجاه ألهمه لرفض التعبير العامي للفن الأمريكي التصويري والبحث عن القواسم المشتركة داخل الرموز القديمة والتقاليد البصرية التي تعود لقرون.
أدولف جوتليب - رشّة سوداء، 1967، طباعة حريرية ملونة، 31 1/8 × 23 1/8 بوصة، 79.1 × 58.7 سم (يسار) وخطوط طائرة، 1967، طباعة حريرية ملونة، 30 × 22 بوصة، 76.2 × 55.9 سم، حقوق الصور لمعرض مارلبورو
الفنان الفيلسوف
عندما عاد جوتليب إلى نيويورك عام 1922، حمل معه شعورًا بمسؤوليته كفنان. كان يرى نفسه قوة تحديثية لثقافته، واعتنق فكرة أن الفنانين يجب أن يكونوا فلاسفة ووكلاء للتغيير الاجتماعي. أنهى دراسته الفنية، وخلال السنوات التالية أصبح صديقًا لمجموعة من الفنانين/الفلاسفة الآخرين، مثل مارك روثكو، بارنيت نيومان، ديفيد سميث و ميلتون أفيري، بعضهم أصبح في نهاية المطاف من أشهر الفنانين الأمريكيين في جيلهم. كان جوتليب ورفاقه استثناءات. كانوا فناني تجريد، أو على الأقل فنانون يصنعون فنًا يُفسر على أنه تجريدي، لكنهم كانوا أيضًا حريصين على التحدث علنًا عن معنى أعمالهم.
في ذلك الوقت، لم يكن الفنانون الطليعيون، وخاصة الفنانون التجريديون، مفهوميّن في الولايات المتحدة، ولم يكنوا يحظون بالاحترام الواسع - حتى في نيويورك. كان الكثيرون يجدون صعوبة في الدفاع عن أنفسهم وقيمتهم، وخاصة عن قيمة المبادئ الجمالية الحداثية. لكن جوتليب كان مدافعًا فطريًا ومتحدثًا مولودًا. كان منخرطًا سياسيًا واجتماعيًا، وسريعًا في التعبير عن رأيه فيما يراه مهمًا. في عام 1935، أسس جوتليب وصديقه مارك روثكو (المعروف آنذاك باسم Marcus Rothkowitz) مجموعة أطلقوا عليها اسم العشرة. شملت لو شانكر، إيليا بولوتوفسكي، بن-زيون، جو سولومون، ناحوم تشاكباسوف، لو هاريس، رالف روزنبورغ ويانكل كوفيلد. في احتجاج علني على الاتجاهات السائدة في المشهد الفني في نيويورك، عرضت مجموعة العشرة أعمالها التجريدية معًا، رافضة ما أسموه «المعادلة المزعومة بين الرسم الأمريكي والرسم الحرفي.»
أدولف جوتليب - أرض حمراء، زيت على ورق مثبت على قماش
الرسومات الرمزية
أحد أولى التطورات نحو الأسلوب التجريدي الناضج الذي طوره جوتليب جاء في أوائل الأربعينيات، في شكل لوحات الرسومات الرمزية الخاصة به. كانت هذه الأعمال في الأساس محاولات لخلق لغة رمزية جديدة من الصور يمكنها نقل المشاعر والعواطف العالمية. تصور جوتليب لوحات الرسومات الرمزية بطريقة جعلت سطحها مسطحًا، مما أزال العمق وأي إحساس بالوهم يمكن أن يرتبط بعناصرها التصويرية. كما دمج كل مناطق اللوحة بشكل متساوٍ في إشارة مسبقة لما سيُعرف لاحقًا بالرسم "الشامل". استخدمت لوحات الرسومات الرمزية خامة تشبه العلامات الطفولية، وأثارت الاتجاهات الجمالية للمجتمعات القبلية.
بمعنى ما، كان جوتليب يحاول خلق أبجدية صور جديدة في تقليد الهيروغليفية أو الكانجي الصيني. لكنه بدلاً من محاولة نقل سرديات محددة، كان يحاول تلخيص تصريحاته إلى جوهرها الأساسي. بدلاً من تهجئة الأساطير التي كان يشير إليها، حاول نقل المشاعر الإنسانية الجماعية التي تكمن في جوهرها. لتحقيق هذا الهدف، أنشأ صورًا أصلية تمامًا وخالية من الارتباطات الخارجية، على أمل أن تتجاوز طبيعتها العالمية الاختلافات الثقافية التافهة التي تفرق بين الناس.
أدولف جوتليب - رسمة رمزية، 1942، زيت على لوح فني، 29 1/4 × 23 1/4 بوصة، 74.3 × 59.1 سم، حقوق الصور لمعارض هوليس تاجارت، نيويورك (يسار) وبدون عنوان، 1949، باستيل على ورق، 24 × 18 بوصة، 61 × 45.7 سم، حقوق الصور لمعرض بيرغغروين، سان فرانسيسكو (يمين)
المناظر الطبيعية الخيالية
بينما طور جوتليب لوحات الرسومات الرمزية، انخرط في عملية تبسيط. ومن خلال تلك العملية وصل إلى سلسلة من الأعمال التي أطلق عليها اسم المناظر الطبيعية الخيالية. على عكس الرسومات الرمزية التي لم تضع تركيزًا واضحًا على أي جزء من الصورة، قسم جوتليب سطح الصورة في هذه اللوحات إلى منطقتين مميزتين من خلال إدخال خط أفق. أسفل الخط، أضاف جوتليب خربشات رمزية. وفوق الخط، أضاف أشكالًا هندسية ملونة. اقترحت المناظر الطبيعية الخيالية علاقة هرمية بين نوعي الصور. حيث تم تصوير التعبير العاطفي المعقد والمضطرب كباطن وخاضع، بينما التعبير البسيط والمباشر للنقاء العالمي يحوم فوقه.
ثم أصبحت المناظر الطبيعية الخيالية أبسط أكثر في ما أطلق عليه جوتليب لوحات الانفجار. في هذه الأعمال أزال خط الأفق، لكنه احتفظ بالخربشة في الأسفل والشكل الموحد في الأعلى. استخدمت لوحات الانفجار حقولًا كبيرة من اللون، وموّحدت عنصر اللون مع الشكل. دعت إلى التأمل على مستوى يكاد يكون مقدسًا، وبدا أنها تنقل مفهوم علاقة تكافلية بين وعي أعلى وأدنى.
أدولف جوتليب - منظر طبيعي خيالي، 1971، نقش مائي ملون، على ورق فابريانو، مع هوامش كاملة، 26 3/10 × 32 1/2 بوصة، 66.7 × 82.6 سم
إرث أدولف جوتليب
في عام 1970، أصيب جوتليب بسكتة دماغية وفقد استخدام الجانب الأيسر من جسده. ومع ذلك استمر في العمل، وخلق بعضًا من أعمق وأقصى التعبيرات في سلسلة الانفجار قبل عام واحد فقط من وفاته. وبحلول نهاية حياته، كان معروفًا ليس فقط لمجموعة الأعمال الفريدة التي أنشأها، بل أيضًا لتأثيره على أعمال الآخرين. كانت فلسفاته جزءًا لا يتجزأ من أفكار التعبيريين التجريديين. وتعتبر رؤيته الجمالية مؤثرة في صعود الرسم الحيطي اللوني والتقليلية.
لكن بنفس القدر من الأهمية لإرث اللوحات والمنحوتات والمطبوعات التي أنشأها أدولف جوتليب خلال سبعين عامًا هو المساهمة التي قدمها للمجتمع الفني الأكبر الذي كان ينتمي إليه — ذلك الذي يتجاوز التقدمات الشكلية، الأجيال والحركات. كان لدى جوتليب رؤية للفنان كشخص ليس منفصلًا عن بقية المجتمع، بل مرتبطًا به ارتباطًا وثيقًا. كان يؤمن بإمكانية الفن في تحويل الحضارة، وأنه من المهم مناقشة الأفكار الجمالية بصراحة وبأسلوب واضح حتى يفهمها الجميع. كان يرى أن الفنانين ضروريون لقدرة الثقافة على فهم نفسها، ومن خلال عمله أظهر المسؤولية التي تقع على عاتق جميع الفنانين في التعبير عن الجنون، الفوضى، البراعة، الجمال، الظلام والنور في زمنهم.
الصورة المميزة: أدولف جوتليب -
جميع الصور مستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بقلم فيليب Barcio
