At værdsætte abstrakte portrætter og deres særlige æstetik

Abstrakt portræt kunstnere står over for særlige udfordringer. Når vi ser ansigtstræk i alt; kaldes det pareidolia. Når vi ser alt i ansigtstræk; kaldes det empati. Abstrakte portrætter bebor et rum et sted mellem de to, og deres kunstnere må samtidig forholde sig til begge dele. På nogle måder kan den naturlige vane, mennesker har til at opfatte velkendte visuelle mønstre overalt, uanset om de faktisk er der eller ej, være til fordel for skaberne af abstrakte portrætter. De behøver knap nok at referere til det menneskelige ansigt eller figur for at fremkalde følelsen af det. Men besættelsen af at lede efter ansigtstræk og figurer i et abstrakt billede kan også distrahere seerne fra at overveje de andre aspekter af et kunstværk. Tilsvarende kan malere af abstrakte portrætter drage fordel af den naturlige tendens, seerne har til at føle empati, når de opfatter, selv svagt, billedet af en genkendelig anden. Uanset hvilke følelser en empatisk seer tillægger et billede, kan det arbejde til fordel for konceptet i værket. Men empati kan også forstyrre forståelsen. Genkendelse af et velkendt ansigt eller figur i et kunstværk kan få personlige fordomme, generaliseringer og angst til at opstå i seerens sind, hvilket kan underminere og komplicere de ideer, kunstneren oprindeligt havde i tankerne.

Definere Abstrakte Portrætter

I det 16. århundrede udviklede italienerne en hierarki over, hvilke emner der var mest respektable for et kunstværk. Det mest respektable emne blev anset for at være den historiske scene, som normalt endte med at være en slags mytologisk eller religiøs episode. Det næstmest respektable emne var portrættet. I klassisk forstand blev et portræt normalt defineret som billedet af et menneske, oftest afbildet fra hovedet til omkring midten af torsoen. Men det behøver ikke kun at være det. Et portræt kan også afbilde hele kroppen eller blot ansigtet. Og det behøver ikke kun at være et billede af et menneske. Det kan være et billede af ethvert væsen, menneskeligt, dyrisk, fiktivt, mytologisk, spirituelt eller enhver kombination deraf.

For at blive betragtet som et abstrakt portræt, skal et kunstværk inkorporere to fakulteter: først skal det på en eller anden måde udnytte konceptet om portrættering; og for det andet skal det være abstrakt, hvilket betyder, at det skal beskæftige sig med ideernes rige, eller i det mindste undgå en rent objektiv eller repræsentativ tilgang til virkeligheden. Hvad det ikke behøver at være, er et bestemt medium eller disciplin. Et abstrakt portræt kan være en tegning eller et maleri, eller der kan også være abstrakt portrætfotografi, abstrakt portrætskulptur, abstrakt portrætinstallation, abstrakt portrætkunst, osv. Ethvert abstrakt æstetisk fænomen, der inkorporerer figuren af et hvilket som helst væsen, virkeligt, imaginært eller en hvilken som helst kombination deraf, kunne betragtes som et abstrakt portræt.

Joan Miro - Head of a Woman, 1938. Oil on canvas. 18 x 21 5/8 in. (45.72 x 54.93 cm) © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Over for os selv

Fra et fortolkende synspunkt kan det, der er mest vanskeligt, og nogle gange mest kontroversielt, ved at værdsætte abstrakte portrætter, være, at de er iboende personlige. Socialkonstruktivisme postulerer, at alt, hvad vi forstår om livet, vokser ud af vores erfaringer, og at alle vores undervisningsoplevelser vokser ud af sociale interaktioner. I en psykologisk forstand er en skabning, der stirrer på et billede af en anden skabning, en social interaktion. En betragter, der interagerer med et rum fyldt med abstrakte portrætter, udgør et fællesskab.

Det, der er svært ved den personlige natur af abstrakte portrætter, er, at de inviterer til overvejelser, der er langt dybere og mere profound end hvad der kunne inviteres af andre typer af abstrakt kunst. For eksempel kunne en abstrakt geometrisk skulptur eller en helt abstrakt komposition som et farvefeltmaleri eller en monokrom interageres med udelukkende i henhold til dens formelle kvaliteter, eller dens symbolske kvaliteter, eller dens fortolkende eller kontemplative kvaliteter. Men ud over alle disse elementer tvinger abstrakte portrætter også seerne til at interagere med sig selv.

Frank Auerbach - Head of JYM ll, 1984-85. Oil on canvas. 660 x 610 mm. Private collection. © Frank Auerbach

At blive personlig

Den største udfordring ved at værdsætte abstrakte portrætter er derfor at overvinde iboende fordomme. Når en betragter ser på et repræsentativt portræt, et der er konstrueret til at efterligne virkeligheden så tæt som muligt, hjælper selve anerkendelsen betragteren med at holde billedet i et respektfuldt lys. En følelse af kunstnerisk og billedlig mestring kræver, at den person, der er repræsenteret i portrættet, fortjener særlig og fuldstændig overvejelse. Men abstrakte portrætter inviterer til mærkelige generaliseringer. Et område, hvor dette er åbenlyst, er med abstrakte portrætter af allerede marginaliserede befolkninger. Overvej for eksempel abstrakte portrætter af kvinder.

To af de mest berømte abstrakte portrætmalere er Pablo Picasso og Willem de Kooning. Sammen malede de hundreder af abstrakte portrætter. Mange af de mest berømte abstrakte portrætter, Picasso malede, var af kvinder, såsom hans berømte Woman Weeping. Men hans mest kontroversielle var et abstrakt portrætmaleri af sin elskerinde Marie-Thérèse Walter, kaldet The Dream. Maleriet er kontroversielt, fordi folk mener, de ser en fallus i hovedet på figuren. De fortolker det derfor som et erotisk maleri. Men er det bare pareidolia? Eller er det empati? Eller er det en voyeuristisk optagethed af det forhold, Picasso havde til modellen? Det faktum, at maleriet er abstraheret, åbner døren for fortolkende spring, der tillader iboende fordomme at komme til udtryk. Viser maleriet os virkelig noget om Picasso og hans elskerinde? Eller viser det os noget om os selv?

De kvinder af de Kooning

Et lignende fænomen opstår, når folk ser på de abstrakte portrætter, som Willem de Kooning malede af kvinder. Når andre abstrakte de Kooning-malerier diskuteres, er de kvaliteter, der oftest nævnes, deres gestuelle kvalitet, deres livlige energi, deres distinkte penselstræk, deres karakteristiske farvepalet og den spænding og passion, der formidles gennem deres ekspressive kompositioner. Hans rent abstrakte kompositioner omtales som komplekse, indviklede og kraftfulde. Hans abstrakte landskaber omtales som sublime.

Men et helt andet ordforråd bruges, når man refererer til de abstrakte portrætter, de Kooning malede af kvinder. Almindelige adjektiver, der bruges af seere, især kritikere, til at beskrive disse malerier, er mere i retning af fjendtlig, vred, voldelig, sindssyg, misogynistisk og vanvittig. De Kooning bemærkede, at da han malede sine portrætter af kvinder, håbede han, at de ville blive opfattet som blot unikke og muligvis humoristiske. Han forsøgte at formidle den kvindelige form i sin egen stil, på en klassisk og alligevel moderne og abstraheret måde, som ingen havde gjort før. Hvad er det så ved portrætterne i disse malerier, der fremkalder sådanne antropomorfe bemærkninger? Lægger de Kooning de tanker i maleriet, eller gør vi?

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil on canvas. 192.7 x 147.3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) / Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Oil, enamel, and charcoal on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

At se abstrakte portrætmalere i deres malerier

I stedet for at bringe vores egne fordomme i spil om den underliggende betydning, der findes i disse malerier, er en anden måde at værdsætte abstrakte portrætter på at fortolke de måder, de kommunikerer kunstnerens tanker, som malede dem. For eksempel demonstrerer de abstrakte portrætter af Paul Klee den interesse, denne maler havde for farve, form og harmoniske kompositioner. De kommunikerer hans søgen efter den geometriske essens af naturen og den balance, han søgte at fange i sin kunst.

Ligeledes, ved at se på de abstrakte portrætter af Robert Delaunay, kan vi se hans udvikling fra en figurativ maler til en abstraktionist. Tidlige portrætter som det, han malede i 1906 af sin ven Jean Metzinger, kan værdsættes for deres avancerede brug af Divisionisme. Dette maleri fanger den fascination, Delaunay havde for farve, og de forskellige abstrakte visuelle effekter, der opstår, når forskellige farver placeres ved siden af hinanden på en overflade. Det kommunikerer også hans søgen efter at flade billedplanet ud og give lige opmærksomhed til alle dele af billedet.

Paul Klee - Senecio, 1922. Oil on canvas. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (Left) / Robert Delaunay - Portrait de Jean Metzinger, 1906. Oil on canvas. 55 x 43 cm (Right)

Hvad abstrakt portrætfotografi lærer

Den mest direkte måde at værdsætte abstrakte portrætter på er simpelthen at følge stien af de ideer, de inspirerer. Ideer er centrale for abstrakt portræt fotografi. I fotografiet Noire et Blanche af Man Ray ser vi ansigtet på en kvindelig menneskemodel, der er poseret ved siden af en træmaske. Ansigtet og masken har en lignende form, og begge deler et fælles udtryk. På trods af at det viser os objektiv virkelighed, stiller dette billede spørgsmålstegn ved, om et fotografi kan vise os, hvad der er virkeligt, ved at udfordre sandheden i vores eget ansigt. Det spørger beskueren: "Hvilken er masken?"

Meget anderledes, men også forankret i ideer, er det dobbelte portrætfoto af Marcel Duchamp taget af Victor Obsatz i 1953. Det viser et billede af en kontemplativ Duchamp, der stirrer ud af vinduet, og ovenpå det et grinende, glædeligt Duchamp, der kigger tilbage på os. Det viser os den seriøse tænker og den legende, satiriske joker, som denne kunstner begge legemliggjorde. Dette fotografi lærer os, hvordan vi skal værdsætte alle abstrakte portrætter; som billeder der kombinerer realiteter, som visioner af verdener inden i verdener. De viser os et billede af os selv, og antyder også, at der er mere til os, end vi ved.

Fremhævet billede: Salvador Dalí - Galatea of the Spheres, 1952. Olie på lærred. Dalí Teater og Museum, Figueres, Spanien. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio