Banebrydende men Glemt - Kunsten af Mark Tobey

Denne sommer viser Peggy Guggenheim-samlingen i Venedig, Italien, den første store europæiske retrospektivudstilling af Mark Tobeys malerier i mere end 20 år. Udstillingen, med titlen Mark Tobey: Threading Light, omfatter 66 store værker skabt af Tobey fra slutningen af 1920’erne til begyndelsen af 1970’erne. Udvalget af værker forsøger at fremhæve de forskellige udviklinger, Tobey gennemgik i sin karriere, mens han søgte efter måder at udtrykke menneskets universelle eksistens på. Efter at have startet sin karriere som kommerciel illustrator og portrætmaler, gik han over til malerkunsten i 30’erne. Han begyndte med figurative værker, men fandt snart sig selv engageret i den modernistiske samtale om, hvordan man udvikler nye æstetiske synspunkter. Hans endelige resultater på dette område var enorme, hvilket gør det endnu mere mærkeligt, at så mange i dag enten helt har glemt Tobey eller aldrig har hørt om ham. For ikke så længe siden blev han betragtet som en af de vigtigste og mest indflydelsesrige malere i verden. Det gør tidspunktet og stedet for denne aktuelle udstilling særligt passende. Den løber samtidig med Venedig Biennalen 2017, en diskret påmindelse om, at det var ved en tidligere Venedig Biennale i 1958, at Mark Tobey skrev historie. Tobey repræsenterede USA ved den messe sammen med Mark Rothko. Men mens Rothko i dag nyder langt større berømmelse i USA, var det et Tobey-malerie med titlen Capricorn, der vandt 1958-prisen fra Venedigs by for maleri – for første gang siden den allerførste Venedig Biennale i 1895, at guldprisen gik til en amerikansk maler.

Et åbent sind

Mark Tobey blev født i den midtvestlige amerikanske by Centerville, Wisconsin, i 1890. Selvom han snart forlod Wisconsin, huskede han det med glæde og henviste ofte til dets landskab i sine tidlige malerier. Men i modsætning til mange amerikanske abstrakte malere i hans generation, som foretrak at bo og arbejde udelukkende i New York, valgte Mark Tobey det meste af sit voksne liv at bo og arbejde i Seattle. Det var måske det skæbnesvangre valg, der førte til meget af den frihed og åbenhed, der definerede hans udvikling som kunstner. En anden hyppig Seattle-beboer, kampsportudøveren Bruce Lee, havde en lignende livsindstilling som Mark Tobey. Lee grundlagde en kampstil kaldet Jeet Kun Do, som han beskrev som “stilen uden stil,” hvilket betyder, at en kæmper bør afvise dogmer og være åben for at lære alt muligt, derefter beholde det, der virker, og forkaste det, der ikke gør. “Stilen uden stil” udsprang af de lærdomme, Lee først lærte, mens han studerede zenbuddhisme, og den ligner slående den tilgang, Mark Tobey udviklede til malerkunsten mange år tidligere.

Tobey rejste første gang til Asien i 1930’erne. Den rejse kom på et tidspunkt, hvor han kæmpede som maler med at finde ud af, hvad han skulle gøre med rummet. Han kunne ikke beslutte, om han skulle forsøge at opnå dybde og dimension i sine værker eller opgive det og i stedet omfavne fladhed. Under besøget i Japan, Shanghai og Hongkong fik han en ny og dyb forståelse af de forskellige måder, asiatiske kunstnere gennem historien har behandlet rum i deres arbejde. Han havde tidligere allerede lært teknikkerne i kinesisk kalligrafi, mens han boede i Seattle i 1920’erne, men denne rejse gav ham en mere fuldstændig bevidsthed om, hvordan skrift og symbolik passer ind i de større æstetiske tilgange i asiatisk kunst. Denne åbenbaring åbnede Tobey for idéen om, at han ikke blot skulle studere, hvordan hans egen kultur laver kunst, men snarere åbne sig for at lære alt muligt om, hvordan alle forskellige kulturer laver kunst.

Mark Tobey - Krystalliseringer, 1944, Iris og B. Gerald Cantor Center for Visuel Kunst ved Stanford Universitet, Mabel Ashley Kizer Fond, Gave fra Mellita og Rex Vaughan, og Moderne og Samtids Erhvervelsesfond

Overalt-maling

Kort efter sin hjemkomst fra Asien skabte Tobey et af sine mest indflydelsesrige malerier med titlen Broadway. Det er et noget figurativt udtryk for former, farver og lys på den berømte gade i New York. Men det er transformerende i sin tilgang. Kompositionen består af hundredvis af små, gestiske, hvide mærker. Ligheden med skrift er tydelig, men mærkerne staver ikke noget konkret, og de repræsenterer heller ikke direkte virkelige former. De er stemningsfulde og poetiske. Maleriet ses i dag som forløberen for en æstetisk stil, som Mark Tobey fortsatte med at forfølge på forskellige måder gennem sin karriere, og som han kaldte “hvid skrift.”

Broadway blev malet i 1936. I de følgende år fortsatte Tobey med at udvikle den tilgang, der definerede det værk. Han abstraherede sine kalligrafiske mærker ud over genkendelse og opgav snart alle figurative former. Han blev engageret i at formidle følelser mere end blot billeder. Vigtigst af alt gjorde han det til en pointe at dække hele overfladen af sine lærreder med kompositioner, der ikke gav nogen særlig del af overfladen forrang. Den idé blev senere fremhævet af kunstkritikeren Clement Greenberg, da han beskrev de “overalt-billeder,” som Jackson Pollock lavede i 1940’erne. Men det var Mark Tobey, hvis malerier Pollock havde set år tidligere, der banede vejen for denne tilgang.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolen uden skole

Mark Tobey kendte bestemt Jackson Pollock og alle de andre kunstnere fra New York-skolen. Værker af Tobey var med i 1946-udstillingen Fourteen Americans på Museum of Modern Art i New York, en udstilling der også omfattede Arshile Gorky og Robert Motherwell. Men hvor de New York-kunstnere og deres tilhænger Greenberg omfavnede myten om, at de var en del af fremkomsten af en slags iboende amerikansk kunst, afviste Tobey det synspunkt. Han insisterede på, at kunst ikke skulle defineres i så snævre termer eller begrænses af smålige forestillinger som nationalisme, politik, kultur eller geografi. Han nægtede at forbinde sig med idéen om New York-skolen, selvom hans arbejde så tydeligt var en forløber for dens medlemmers idéer.

I stedet tog Tobey den samme tilgang, som Bruce Lee senere beskrev. Kald det Skolen uden skole. Tobey rejste, læste, eksperimenterede, lærte så mange forskellige tilgange, som han kunne, og beholdt så det, der virkede, og opgav det, der ikke gjorde. Han studerede endda zenbuddhisme og mestrede japansk Sumi-e (sort blæk) maleri. Hans åbenhed og søgen er tydelig i udvalget af værker, der indgår i Mark Tobey: Threading Light, som endda inkluderer nogle af hans Sumi-e værker samt forskellige malerier, der udviklede sig fra teknikken, såsom City Reflections, der direkte inkorporerer sprøjtet sort blæk, og Lumber Barons, som mere delikat henviser til Sumi-e på en måde, der er mere forbundet med hvid skrift.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, The Sidney and Harriet Janis Collection

Et universelt æstetisk sprog

Udover hans foragt for nationalistiske eller regionale mærkater, er en anden væsentlig grund til, at nogle kritikere mener, at Mark Tobey til sidst blev glemt af mange amerikanske kunsthistorikere, hans åbenlyse åndelighed. Ikke for at sige, at den amerikanske kunstverden er et uåndeligt sted: det er åbenlyst ikke sandt. Men den særlige form for åndelighed, som Mark Tobey stod for, satte ham på kant med stort set alle, fra kunstnere, kuratorer, gallerister og kritikere til folk uden for kunstverdenen. Tobey tilhørte en tro kendt som Bahá'í. Den grundlæggende tro i den monoteistiske Bahá'í-religion er en vedvarende respekt for værdien og betydningen af alle menneskelige religioner, og målet for medlemmerne er varig fred gennem enhed blandt alle mennesker. Det lyder måske ikke kontroversielt for en fornuftig person, men religionen insisterer også på, at alle religioner stammer fra en enkelt guddommelig kilde, og at alle profeter er lige manifestationer af den samme guddom, en tro, der modsiger de grundlæggende principper i næsten alle større religioner, især kristendom, jødedom og islam.

Hvad angår den amerikanske kunstverden, er det fint at tale om ånden, som Wassily Kandinsky og Piet Mondrian bestemt gjorde; og det er godt at tale om universalitet, som Agnes Martin og mange andre gjorde; og det er fantastisk at tale om overskridelse og eftertanke, som Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skræmmer folk. Amerikanske institutioner undgår ting, der kan true dem kommercielt. Og selvom tingene måske er anderledes nu, blev åbenlyse religiøse dagsordener i midten af det 20. århundrede generelt ikke betragtet som godt for forretningen. Men Mark Tobey var ligeglad med det. Han tøvede ikke med at tale om sine religiøse overbevisninger, og ganske ofte erklærede han, at hans mål var at bruge sin kunst som en måde at bidrage til skabelsen af et universelt sprog, der kunne hjælpe menneskeheden med at opnå enhed og fred. Men selvfølgelig er det kun spekulation, om dette er grunden til, at han er blevet overset i USA. Heldigvis, på trods af afvisningen fra hans hjemland, nød Tobey en lang og frugtbar karriere andre steder, især i Europa, hvor han blev æret i sin levetid og hvor han i dag betragtes som ophavsmand til bevægelser som Tachisme og Art Informel. Mark Tobey: Threading Light kan ses på Peggy Guggenheim-samlingen i Venedig, Italien, frem til 10. september 2017.

Mark Tobey - World, 1959, Privat samling, New York

Forsidebillede: Mark Tobey - Untitled, Sumi-tegning (detalje), 1944, Martha Jackson-samlingen på The Albright-Knox Kunstgalleri, Buffalo, NY

Af Phillip Barcio