Banebrydende men Glemt - Kunsten af Mark Tobey

Denne sommer præsenterer Peggy Guggenheim-samlingen i Venedig, Italien, den første store europæiske retrospektivudstilling af malerierne af Mark Tobey i mere end 20 år. Udstillingen med titlen Mark Tobey: Threading Light inkluderer 66 store værker skabt af Tobey fra slutningen af 1920'erne til begyndelsen af 1970'erne. Udvalget af værker har til formål at fremhæve de forskellige udviklinger, Tobey gennemgik i sin karriere, mens han søgte efter måder at udtrykke menneskets universelle eksistens. Efter at have startet sin karriere som kommerciel illustrator og portrætmaler, overgik han til maleri i sine 30'ere. Han begyndte med figurativt arbejde, men fandt snart sig selv engageret i den modernistiske samtale om, hvordan man udvikler nye æstetiske synspunkter. Hans endelige præstationer i denne henseende var enorme, hvilket gør det endnu mere underligt, at så mange mennesker i dag enten helt har glemt Tobey eller aldrig har hørt om ham. For ikke så længe siden blev han betragtet som en af de mest vigtige og indflydelsesrige malere i verden. Denne kendsgerning gør timingen og placeringen af denne nuværende udstilling særligt passende. Dens løbetid er timet til at falde sammen med Venedig Biennale 2017, en subtil påmindelse om, at det var ved en tidligere Venedig Biennale i 1958, at Mark Tobey skrev historie. Tobey repræsenterede USA ved den messe sammen med Mark Rothko. Men mens Rothko i dag nyder langt mere berømmelse i USA, var det et Tobey-maleri med titlen Capricorn, der vandt 1958 City of Venice Prize for maleri—den første gang, bemærkelsesværdigt, siden den første Venedig Biennale i 1895, at guldprisen gik til en amerikansk maler.

Et åbent sind

Mark Tobey blev født i den midtvestlige amerikanske by Centerville, Wisconsin, i 1890. Selvom han snart forlod Wisconsin, huskede han det med glæde og refererede ofte til dets landskab i sine tidlige malerier. Men i modsætning til mange amerikanske abstrakte malere i hans generation, der foretrak at bo og arbejde udelukkende i New York, valgte Mark Tobey i store dele af sit voksne liv at bo og arbejde i Seattle. Det var måske det skæbnesvangre valg, der førte til meget af den frihed og åbenhed, der definerede hans udvikling som kunstner. En anden hyppig Seattle-beboer, kampsportudøveren Bruce Lee, havde et lignende syn på livet som Mark Tobey. Lee grundlagde en tilgang til kamp kaldet Jeet Kun Do, som han beskrev som "stilen uden stil", hvilket betyder, at en kæmper bør afvise dogmer og være åben for at lære alt muligt, så beholde det, der virker, og kassere det, der ikke gør. "Stilen uden stil" voksede ud af de undervisninger, Lee først lærte, mens han studerede Zen-buddhisme, og det er slående lig det, Mark Tobey udviklede i forhold til maleri mange år tidligere.

Tobey rejste første gang til Asien i 1930'erne. Den rejse kom på et tidspunkt, hvor han kæmpede som maler for at finde ud af, hvad han skulle gøre med rum. Han kunne ikke beslutte, om han skulle forsøge at opnå dybde og dimension i sine værker eller at opgive det og i stedet omfavne fladhed. Mens han besøgte Japan, Shanghai og Hong Kong, fik han en ny og dyb forståelse af de forskellige måder, asiatiske kunstnere har behandlet rum i deres arbejde gennem historien. Han havde tidligere allerede lært teknikkerne i kinesisk kalligrafi, mens han boede i Seattle i 1920'erne, men denne rejse udsatte ham for en mere fuldstændig bevidsthed om, hvordan skrivning og symbolik passer ind i de større æstetiske tilgange til asiatisk kunst. Denne åbenbaring åbnede Tobey for ideen om, at han ikke kun skulle studere den måde, hans kultur laver kunst på, men i stedet skulle åbne sig for at lære alt muligt om, hvordan alle forskellige kulturer laver kunst.

Mark Tobey - Krystalliseringer, 1944, Iris og B. Gerald Cantor Center for Visuel Kunst ved Stanford Universitet, Mabel Ashley Kizer Fond, Gave fra Mellita og Rex Vaughan, samt Moderne og Samtidsindkøb Fond

Overalt maling

Kort efter sin tilbagevenden fra Asien skabte Tobey et af sine mest indflydelsesrige malerier, med titlen Broadway. Det er en noget figurativ udtryksform af former, farver og lys fra den berømte gade i New York. Men det er transformerende i sin tilgang. Kompositionen består af hundredevis af små, gestural, hvide mærker. Ligheden med skrivning er klar, men mærkerne staver ikke noget konkret, og de repræsenterer heller ikke direkte virkelige former. De er evokative og poetiske. Maleriet ses i dag som forløberen for en æstetisk stil, som Mark Tobey ville fortsætte med at forfølge forskelligt gennem sin karriere, som han kaldte "hvid skrivning."

Broadway blev malet i 1936. I de følgende år fortsatte Tobey med at udvikle den tilgang, der definerede dette værk. Han abstraherede sine kalligrafiske mærker til ukendelighed og opgav snart alle figurative former. Han blev engageret i at kommunikere følelser mere end blot billeder. Mest vigtigt var det, at han gjorde en pointe ud af at dække hele overfladen af sine lærreder med kompositioner, der ikke gav præference til et bestemt område af overfladen. Den idé blev senere fremhævet af kunstkritikeren Clement Greenberg, da han beskrev de "all-over billeder", Jackson Pollock lavede i 1940'erne. Men det var Mark Tobey, hvis malerier Pollock havde set år tidligere, der banede vejen for denne tilgang.

Mark Tobey - Threading-Light, 1942, Museum of Modern Art, New York

Skolen uden skole

Mark Tobey var bestemt bekendt med Jackson Pollock og alle de andre kunstnere fra New York-skolen. Værker af Tobey blev inkluderet i udstillingen Fourteen Americans på Museum of Modern Art i New York i 1946, en udstilling der også inkluderede Arshile Gorky og Robert Motherwell. Men mens disse New York-kunstnere og deres cheerleader Greenberg omfavnede myten om, at de var en del af fremkomsten af en type iboende amerikansk kunst, afviste Tobey det koncept. Han insisterede på, at kunst ikke skulle defineres i så snævre termer, eller være begrænset af smålige forestillinger som nationalisme, politik, kultur eller geografi. Han nægtede at associere sig med ideen om New York-skolen, selvom hans arbejde så tydeligt var en forløber for ideerne fra dens medlemmer.

I stedet adopterede Tobey den samme tilgang, som Bruce Lee senere beskrev. Kald det Skolen for Ingen Skole. Tobey rejste, læste, eksperimenterede, lærte så mange forskellige tilgange som han kunne, og beholdt det, der virkede, og opgav det, der ikke gjorde. Han studerede endda Zen-buddhisme og mestrede japansk Sumi-e (sort blæk) maleri. Hans åbenhed og hans søgen er tydelig i udvalget af værker, der er inkluderet i Mark Tobey: Threading Light, som endda inkluderer nogle af hans Sumi-e værker samt forskellige malerier, der er udviklet fra teknikken, såsom City Reflections, som direkte inkorporerer sprøjtet sort blæk, og Lumber Barons, som mere delikat refererer til Sumi-e på en måde, der er mere forbundet med hvid skrivning.

Mark Tobey - Wild Field, 1959, Museum of Modern Art, NY, The Sidney and Harriet Janis Collection

Et Universelt Æstetisk Sprog

Udover hans foragt for nationalistische eller regionale etiketter, er en anden væsentlig grund til, at nogle kritikere mener, at Mark Tobey i sidste ende blev glemt af mange skribenter inden for amerikansk kunsthistorie, hans åbenlyse spiritualitet. Det skal ikke forstås som om, at den amerikanske kunstverden er et åndeligt ubeboet sted: det er åbenlyst ikke sandt. Men den særlige form for spiritualitet, som Mark Tobey bekendte sig til, satte ham i modstrid med næsten alle, fra kunstnere, kuratorer, gallerister og kritikere til folk uden for kunstverdenen. Tobey tilhørte en tro kendt som Bahá'í. Den centrale tro i den monoteistiske Bahá'í-religion er en vedholdende respekt for værdien og værdigheden af alle menneskelige religioner, og målet for medlemmerne er varig fred gennem enhed blandt alle mennesker. Det lyder måske ikke kontroversielt for en fornuftig person, men religionen insisterer også på, at alle religioner stammer fra en enkelt guddommelig kilde, og at alle profeter er lige manifestationer af den samme guddom, overbevisninger der modsiger de grundlæggende principper i næsten hver større religion, især kristendom, jødedom og islam.

Når det kommer til den amerikanske kunstverden, er det fint at tale om ånden, som Wassily Kandinsky og Piet Mondrian bestemt gjorde; og det er godt at tale om universalitet, som Agnes Martin og så mange andre gjorde; og det er fantastisk at tale om transcendens og kontemplation, som Mark Rothko gjorde. Men ordet religion skræmmer folk. Amerikanske institutioner undgår ting, der kan true dem kommercielt. Og selvom tingene måske er anderledes nu, blev åbenlyse religiøse dagsordener generelt ikke betragtet som gode for forretningen i midten af det 20. århundrede. Men Mark Tobey har aldrig bekymret sig om det. Han tøvede ikke med at tage fat på sine religiøse overbevisninger, og ganske ofte erklærede han, at det var hans mål at bruge sin kunst som en måde at bidrage til skabelsen af et universelt sprog, der kunne hjælpe menneskeheden med at opnå enhed og fred. Men selvfølgelig er det kun spekulation, om dette er grunden til, at han er blevet overset i USA. Heldigvis, på trods af afvisningen fra sit hjemland, nød Tobey en lang og frugtbar karriere andre steder, især i Europa, hvor han blev æret i sin levetid, og hvor han i dag betragtes som stamfaderen til bevægelser som Tachisme og Art Informel. Mark Tobey: Threading Light er udstillet på Peggy Guggenheim Collection i Venedig, Italien, frem til 10. september 2017.

Mark Tobey - Verden, 1959, Privat samling, New York

Fremhævet billede: Mark Tobey - Uden titel, Sumi-tegning (detalje), 1944, The Martha Jackson Collection på The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, NY

Af Phillip Barcio