De Dristige Kunstnere fra den Russiske Avantgarde

Forestil dig to børn på en karrusel. Den ene er Kunst, den anden Historie. Det meste af tiden skubber Historie, og Kunst følger med, og kommenterer af og til, "For hurtigt," eller "For langsomt." Men en gang imellem skubber Kunst, og Historie følger med på turen. Den russiske avantgarde opstod i en tid mellem, at det russiske kejserrige var i opløsning, og Sovjetunionen var på vej frem. I den alt for korte periode, mellem cirka 1890 og 1930, herskede kreativitet og originalitet blandt den russiske intelligentsia, og Kunst tog kontrollen over karrusellen. Selvom virkningen af den russiske avantgardes idéer knap kan ses i det moderne russiske forbund, lever deres geniale arv videre globalt.

Frøene til den russiske avantgarde

For at forstå russiske avantgarde-kunstnere hjælper det at sætte Ruslands fortid i kontekst. Enhver, der nogensinde har set en globus, ved hvor enormt Rusland er. Og allerede i midten af 1700-tallet var det ikke blot et af verdens største lande, men også et af de mest folkerige. Den store del af befolkningen boede på landet. Selv så sent som i 1861, da zar Alexander II endelig frigav dem, var op mod en femtedel af alle russere landbrugslen.

Rusland havde været et monarki siden dets begyndelse. Men de enorme teknologiske og sociale forandringer, som anden halvdel af 1800-tallet bragte med sig, skabte omstændigheder, der fordømte dette styresystem. Ved begyndelsen af 1900-tallet var det tydeligt, at det russiske samfund stod på tærsklen til store forandringer. Spørgsmålet var, hvilken form disse forandringer ville antage. Således skete det, at et praktisk samfund, der aldrig havde haft meget brug for abstrakt kreativ tænkning, pludselig søgte inspiration hos avantgarden.

Wassily Kandinsky - Komposition IV, 1911. Olie på lærred. 159,5 x 250,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Tyskland

Den højeste væsen

En mand, der var ivrig og i stand til at tage udfordringen op, var en kunstner ved navn Kazimir Malevich. Uddannet som naturalistisk kunstner havde Malevich eksperimenteret med kubisme og futurisme i et forsøg på at finde en æstetik, der var værdig til den moderne verden. Han fandt, hvad han søgte, i en bevægelse, han opfandt, kaldet suprematisme, en æstetik baseret på flade, todimensionale geometriske former. Han kaldte sin geometriske abstrakte stil suprematisme, fordi han mente, den repræsenterede den højeste billedlige udtryk.

Tidligere havde russisk kultur, og især russisk kunst, været baseret på idéen om, at kunstnere på en eller anden måde skulle gengive den objektive verden. Suprematisme var rent abstrakt og derfor åben for fortolkning. Denne idé, at beskuere frit kunne tolke kunsten efter deres eget intellekt, var både ny og truende. Malevich antydede, at der var mere i verden end objektiv virkelighed, og at individer skulle tænke selvstændigt: i russisk historisk sammenhæng to revolutionerende idéer.

Kazimir Malevich - Sort Kors, 1915, olie på lærred, 80 x 80 cm, Statens Russiske Museum

Det åndelige i kunsten

Sammen med Malevich på toppen af den russiske avantgarde-stige stod Wassily Kandinsky. Kandinsky regnes som den første rent abstrakte maler i moderne tid. Selvom nyere opdagelser antyder, at mindst to andre kunstnere malede abstrakte værker årtier før Kandinsky, betragtes han stadig som en afgørende skikkelse både inden for abstraktion og moderne kunst generelt. Det skyldes i høj grad både hans malerier og hans skrifter.

Kandinskys banebrydende bog “Om det åndelige i kunsten” diskuterer indgående hans intellektuelle søgen efter at udvikle en rent abstrakt malestil. Han sammenligner sin søgen med instrumental musik, som udtrykker følelser, sindstilstande, stemninger og abstrakte tanker uden repræsentativt sprog. Kandinsky skrev om sit ønske om at opnå en ikke-repræsentativ visuel stil, der ligesom musikken kunne kommunikere de åndelige universaler i menneskets eksistens. Ligesom Malevich var Kandinsky en revolutionær blot ved at antyde, at mennesker kunne opnå noget dybere og vigtigere gennem kreativitet, individualitet og tankefrihed.

Kazimir Malevich - Sort Firkant, 1915, © Statens Tretyakov Galleri, Moskva

Gør noget konstruktivt

Samtidig med at Malevich og Kandinsky udforskede de dybere betydninger og universaliteter i abstraktion, undersøgte andre medlemmer af den russiske avantgarde en næsten modsat type abstrakt kunst. Kendt som konstruktivisme, var denne stil baseret på det samme geometriske abstrakte sprog, som Malevich brugte, men med et helt andet mål. Målet med konstruktivistisk kunst var at være nyttig. Konstruktivisterne afviste Wassily Kandinsky på grund af hans omfavnelse af spiritualitet. Malevich hånede konstruktivismen på grund af dens propagandistiske mål.

En af de mest elskede skikkelser inden for konstruktivismen var den russiske avantgarde-kunstner og arkitekt Vladimir Tatlin. Han huskes ikke for, hvad han gjorde, men for hvad han ikke fik gjort. Efter revolutionen designede han en model for Tatlins Tårn, som skulle være et kolossalt monument for bolsjevikkerne. Det ville have været 400 m højt, 76 m højere end Eiffeltårnet. Det skulle udtrykke optimisme, industriel overlegenhed og den lyse russiske fremtid, der lå foran. Men det blev aldrig bygget. Stålet var ikke tilgængeligt efter Første Verdenskrig, og designet var desuden strukturelt usikkert. Set i bakspejlet er Tatlins urealiserede tårn det ultimative konstruktivistiske monument. Det afslørede sit samfunds svagheder. Hvad kunne være mere nyttigt at forstå, og dermed kunne overvinde?

Kazimir Malevich - Suprematistisk Komposition Flyvemaskine, 1915, olie på lærred, 22 7/8 x 19 tommer, MoMA-samlingen

Det manglende led

Mange kunsthistorikere afslutter deres liste over russiske avantgarde-kunstnere med Malevich, Kandinsky og Tatlin. Men en, der ofte bliver udeladt, er en kvinde ved navn Aleksandra Ekster, en kunstner, som på mange måder var et vigtigt bindeled mellem Rusland og Vesteuropa i avantgardens mest betydningsfulde år.

Hver større russisk avantgarde-bevægelse blomstrede omkring 1913. Fem år tidligere, i 1908, forlod Aleksandra Ekster Rusland for første gang for at studere kunst i Paris. Der blev hun venner med Pablo Picasso og George Braque, som introducerede hende til andre franske kunstnere og intellektuelle på den tid. Hun blev dybt påvirket af deres idéer, tog dem med tilbage til Kiev, Sankt Petersborg og Moskva og delte dem med blandt andre Kazimir Malevich, Wassily Kandinsky og Vladimir Tatlin. Ekster var en vigtig forbindelse mellem den russiske og vesteuropæiske intelligentsia. Måske bliver hun glemt, fordi hun aldrig fastlåste sig til én bestemt stil. Hun forblev åben, uafhængig, kreativ og eksperimenterende. Hun forblev avantgarde.

Wassily Kandinsky - Sort Plet I (detalje), 1912, olie på lærred, Sankt Petersborg, Det Russiske Museum

Den sovjetiske virkelighed

Takket være de internationale bestræbelser fra disse nøglemedlemmer af den russiske avantgarde er hele den moderne kunstverden blevet beriget for altid. Men i Rusland var den eneste varige indflydelse konstruktivismen. Takket være denne bevægelses praktiske tilgang passede den ind i det, der kaldes sovjetisk realisme, som var Stalins vision for, hvad den spirende Sovjetunion havde brug for, eller rettere sagt krævede, af sine kunstnere.

I begyndelsen af 1930’erne dikterede sovjetiske statslige ordrer, at al kunst skulle være nyttig for det russiske samfund. De grundlæggende principper i sovjetisk realisme var, at al kunst skulle være proletarisk (relevant og forståelig for arbejderne), typisk (bestående af hverdagsscener), realistisk (i traditionel, naturalistisk forstand) og partisk (understøttende de officielle statslige og partimæssige mål). Og således genvandt Historie kontrollen over karrusellen, og Kunst var igen blot med på turen. Heldigvis overlevede idéerne og påvirkningerne fra den russiske avantgarde andre steder, påvirkede alle moderne kunstbevægelser, der fulgte, og fortsætter med at inspirere nutidige kunstnere, der længes efter at eksperimentere og bryde fri fra fortidens idéer.

Fremhævet billede: Wassily Kandinsky - Uden titel (Første abstrakte akvarel), 1910, akvarel og indisk blæk og blyant på papir, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio