Den indflydelse, som abstrakt kunst har på moderne og nutidig design

Abstrakte kunstdesigns findes overalt: på mode, møbler, arkitektur, reklamer og stort set alle andre produkter inden for moderne design. Uanset om det er en skoserie inspireret af Op Art, champagneglas inspireret af en installation af Dan Flavin eller scenografi i en hiphopvideo inspireret af James Turrell, er det blot den seneste manifestation af en gammel tendens: designere, der påvirkes af kunst. Det var det, Bauhaus byggede på; en total kunst, der omfattede alle æstetiske fænomener. Og det er grunden til, at abstrakt kunst er fundamentet for så meget design i nutidens kultur.

Abstrakt kunst og design genopbyggede verden

Efter Anden Verdenskrig havde menneskeheden brug for designere i en større skala end nogensinde før. Store dele af Europa, Asien og Middelhavsområdet havde brug for genopbygning efter at være blevet bombet næsten fuldstændigt i ruiner. Og det var ikke kun bygningerne og byernes gader, der havde brug for hjælp. En befolkning, der var ødelagt af mange års depression, hungersnød og krig, havde brug for alt nyt: boliger, tøj, transport, værktøj, møbler, offentlige samlingssteder, telekommunikationsudstyr og meget mere.

Verdens industrialiseringskapacitet var på sit højeste nogensinde takket være mobiliseringen under krigen, og samfundets brugskunstnere fik hidtil usete muligheder for at redesigne det, der skulle blive den nye verden, og hjælpe med at bringe kulturen tilbage fra randen. Brugskunstnere som arkitekter, møbeldesignere, modedesignere, bildesignere og industridesignere kastede sig hovedkulds ud i funktionalitet og skabte produkter, der kunne masseproduceres effektivt og henvende sig til den bredest mulige forbrugergruppe.

Charles og Ray Eames - Case Study House nr. 8

Yin yang-teorien i praksis

Tidens fremtrædende abstrakte kunstnere stræbte også efter at forstå, hvad der var sket med verden. Men i stedet for at genopbygge samfundet, hvilket normalt ikke anses for at høre under billedkunstens område, arbejdede de på at sætte det i en sammenhæng. Efterkrigstidens abstrakte kunstnere forsøgte at forstå noget grundlæggende ved sig selv. De konfronterede det ukendte, det underbevidste og de dybt personlige aspekter af deres menneskelighed.

En måde at se det på er, at der blev skabt en balance. Designere reagerede på krigens vanvid med effektivitet og logik. Abstrakte kunstnere reagerede på det med intuition og følelser. Disse komplementære kræfter påvirkede begge bevidstheden i efterkrigstidens samfund. På den ene side blev den vestlige verden mere eftertænksom og eksistentielt dyb end nogensinde før. På den anden side blev den mere materialistisk end nogensinde.

Ugo Gianattasio - Uden titel, 1920

I tiden efter Anden Verdenskrig var to af de mest indflydelsesrige designere Charles og Ray Eames, skaberne af den berømte Eames-stol. I 1949 tegnede og byggede de deres Case Study House nr. 8, som de brugte som hjem og atelier. Bygningen blev anset for at repræsentere højdepunktet inden for moderne arkitektur på det tidspunkt. Ifølge Eames Foundation var designet en del af et projekt, der skulle “udtrykke menneskets liv i den moderne verden”. Huset lignede et maleri af Piet Mondrian fra omkring tredive år tidligere. Mondrian døde i 1944. I New York City var en af de største arkitektoniske bedrifter i 1950 en prisbelønnet skyskraber kendt som Lever House. Den blev hyldet som et mesterværk inden for moderne arkitektur, og dens rene linjer, brug af stål og glas, yderst funktionelle udnyttelse af pladsen og fuldstændige mangel på ornamentik gjorde den til et fremragende eksempel på modernistisk arkitektur. Den udtrykte perfekt de æstetiske bekymringer i 1920'ernes russiske konstruktivisme.

Lever House, New York City

Den største nyskabelse inden for bildesign i 1950 var opfindelsen af hardtop-cabrioleten. Hvad kunne give mere mening? Den er funktionalitet og stil på højeste niveau og gør brug af billige, nye, lette materialer samt en voksende forbrugerefterspørgsel efter valgmuligheder. Og bilernes strømlinede design var virkelig futuristisk, næsten præcis lige så futuristisk som 1920'ernes italienske futurisme.

1950 Chrysler Town & Country

Påvirkede abstrakt kunst moderne design? Absolut. Piet Mondrians De Stijl-æstetik havde tydeligvis en dybtgående indflydelse på Eames-parrets hus, blot årtier efter at neoplasticismen var blevet introduceret. Lever House var den perfekte konstruktivistiske skyskraber; den kom blot nogle årtier efter, at konstruktivistisk arkitektur havde gjort sit indtog. Og hardtop-cabrioleter var faktisk fremtidens biler; både 1920'ernes fremtid og 1950'ernes fremtid.

Dette var, hvad der skete inden for abstrakt kunst i 1950'erne: Det var året, hvor Jackson Pollock malede “Number 1, 1950”, og Franz Kline malede “The Chief”.

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olie, emalje og aluminium på lærred, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Arkitekturens abstrakte ekspressionisme

Efterhånden som innovationer inden for telekommunikation udviklede sig hurtigt, steg også den hastighed, hvormed abstrakt kunst kunne påvirke design. I stedet for 30 år tog det kun omkring 10 år, før abstrakt ekspressionisme satte sit præg på designverdenen. Æstetikken og filosofien bag abstrakt ekspressionisme opstod gennem en udbredelse af hele processen med at skabe kunst. Det var en tilbagevenden til intuitionen, til de urhistoriske rødder i underbevidste påvirkninger. Det var opfyldelsen af abstraktionens endelige mål: opdagelsen af originalitet og det sande udtryk for det unikke individs væsen.

Den abstrakte ekspressionistiske filosofi kom til udtryk i arkitekturen i form af dekonstruktivisme. Dekonstruktivismen søgte at opnå et element af uforudsigelighed. I stedet for at holde sig til funktionelle former uden ornamentik søgte dekonstruktivistiske arkitekter originale former, der tydeligt anvendte dekorative designelementer. Mange dekonstruktivistiske arkitekter tegnede bygninger, der selv så dekonstruerede ud, som om de var fragmenteret i sektioner. Andre tegnede bygninger, der efterlignede den gestiske æstetik i abstrakt ekspressionistisk kunst. Selvom stilen blev indledt i slutningen af 1950'erne, anvendes den stadig i dag. Dens mest genkendelige repræsentant er sandsynligvis Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

I midten af 1960'erne efterlignede designtrends næsten øjeblikkeligt trends inden for abstrakt kunst, især modedesign. Bridget Riley malede sit banebrydende Op Art-værk, Movement in Squares, i 1961. Time Magazine opfandt betegnelsen “Op Art” i 1964 som reaktion på en udstilling med værker af Julian Stanczak på Martha Jackson Gallery i New York. I 1965 var stilen så fuldt integreret i populærkulturen, at den blev omtalt i et billedindslag i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på masonit. 123.2 x 121.2 cm. © 2018 Bridget Riley. Med tilladelse fra Karsten Schubert, London

Minimalistiske påvirkninger

I 1970'erne var minimalisme en af de dominerende stilarter inden for abstrakt kunst, og en af minimalismens mest indflydelsesrige stemmer var en kunstner ved navn Donald Judd. Judd og hans samtidige søgte at skabe værker, der var fundamentalt anderledes end tidligere abstraktionisters værker, især de abstrakte ekspressionisters. Minimalismen fjernede personlige biografiske elementer fra værket og søgte forenklede former og et reduceret visuelt sprog.

Det, der gør Judd så fascinerende at studere, er, at han ikke kun var minimalistisk kunstner, men også arkitekt og møbeldesigner. Som fortaler for både billedkunst og brugskunst var han i stand til samtidig at give sine idéer udtryk på tværs af de forskellige områder, han arbejdede inden for. På nogle måder var Judd en personificering af Bauhaus' eller Art Nouveaus idealer, som begge lagde vægt på et samtidigt udtryk for alle kunstarter, der arbejdede sammen om de samme idéer.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA-samlingen. Gave fra 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA

Judd var også en ivrig skribent og teoretiker og sagde følgende om forskellen mellem billedkunst og brugskunst: “Kunstens konfiguration og skala kan ikke overføres til møbler og arkitektur. Kunstens hensigt er en anden end sidstnævntes, som skal være funktionel. Hvis en stol eller en bygning ikke er funktionel, hvis den kun fremstår som kunst, er den latterlig...” Denne filosofi er tydelig i de forskellige værker, han skabte.

Donald Judd - Uden titel, 1971

Form kontra funktion

Den afgørende forskel mellem abstrakt kunst og design er, at abstrakt kunst, ligesom al billedkunst, er noget, man møder på et eftertænksomt niveau. Den kan være intellektuel, visceral, inspirerende eller æstetisk smuk. Den er tænkt til at få os til at tænke, føle, overveje, udvikle os og undre os over betydningen af vores oplevelser. Designets funktion er helt anderledes. Det er en måde at øge forbrugerprodukters anvendelighed eller nydelse på. Design skal tjene et formål, ellers er det, som Judd sagde, absurd.

Den dybtgående indflydelse, som abstrakte kunstretninger som abstrakt ekspressionisme, Op Art, neoplasticisme og minimalisme har haft på al brugskunst, fra modedesign til møbeldesign, arkitektur og videre, kan ikke overvurderes. Og heldigvis lever vi i dag i en tid, hvor vi hurtigt kan få adgang til historien om både abstrakt kunst og design og selv se de dybtgående effekter, som abstrakt kunsts æstetik og filosofi har på designtrends.

Interessant nok lever vi også i en tid, hvor vi kan se disse påvirkninger udspille sig på en umiddelbar måde. En abstrakt maler kan uploade et fotografi af sit nye maleri på Instagram, og få sekunder senere kan en modedesigner i Milano bruge billedet som inspiration til sin nye forårskollektion. Eller omvendt. En modedesigner kan uploade et billede af en ny kjole, og det kan have en visceral effekt på en abstrakt kunstner, som derefter kan bevæge sig ind på nye områder inden for abstrakt kunst. I dag kan alt påvirke alt andet, mens vores kultur med glæde springer fremad for at møde det nye.

Alle billeder er udelukkende anvendt til illustrative formål
Af Phillip Barcio 2016
Redigeret af IdeelArt (2026)