Den indflydelse, som abstrakt kunst har på moderne og nutidig design
Abstrakte kunstværker findes overalt, på mode, møbler, byggeri, reklamer og stort set alle andre produkter inden for nutidig design. Uanset om det er en skokollektion inspireret af Op Art, champagneglas inspireret af en Dan Flavin-installation eller scenografi i en hiphop-video inspireret af James Turrell, er det blot den seneste udgave af en gammel tendens: designere påvirket af kunst. Det var det, Bauhaus byggede på; en total kunst, der omfattede alle æstetiske fænomener. Og det er grunden til, at abstrakt kunst er grundlaget for så meget design i nutidens kultur.
Abstrakt kunst og design genopbyggede verden
Efter Anden Verdenskrig havde menneskeheden brug for designere i en større skala end nogensinde før. Store dele af Europa, Asien og Middelhavsområdet skulle genopbygges efter at være blevet bombet næsten til ruiner. Og det var ikke kun bygninger og byens gader, der havde brug for hjælp. En befolkning, ødelagt af års depression, hungersnød og krig, havde brug for alt nyt: boliger, tøj, transportmidler, redskaber, møbler, offentlige samlingssteder, telekommunikationsapparater og meget mere.
Verdens industrielle kapacitet var på sit højeste takket være mobiliseringen under krigen, og samfundets anvendte kunstnere fandt hidtil usete muligheder for at redesigne det, der skulle blive den nye verden, og hjælpe med at bringe kulturen tilbage fra afgrunden. Anvendte kunstnere som arkitekter, møbeldesignere, modedesignere, bildesignere og industridesignere kastede sig hovedkulds over det praktiske og skabte produkter, der kunne masseproduceres effektivt og imødekomme den bredest mulige forbrugergruppe.
Charles og Ray Eames - Case Study House nr. 8
Yin Yang-teorien i praksis
De fremherskende abstrakte kunstnere på den tid forsøgte også at forstå, hvad der var sket med verden. Men i stedet for at genopbygge samfundet, hvilket normalt ikke anses for at høre til inden for billedkunsten, arbejdede de på at sætte det i kontekst. Efterkrigstidens abstrakte kunstnere forsøgte at forstå noget iboende i sig selv. De konfronterede det ukendte, det underbevidste og de dybt personlige aspekter af deres menneskelighed.
En måde at se det på er, at der blev skabt en balance. Designere reagerede på krigens vanvid med effektivitet og logik. Abstrakte kunstnere reagerede med intuition og følelser. Disse komplementære kræfter påvirkede begge bevidstheden i efterkrigstidens samfund. På den ene side blev den vestlige verden mere eftertænksom og eksistentielt dyb end nogensinde før. På den anden side blev den mere materialistisk end nogensinde.
Ugo Gianattasio - Uden titel, 1920
I efterkrigstidens æra var to af de mest indflydelsesrige designere Charles og Ray Eames, skaberne af den berømte Eames-stol. I 1949 designede og byggede de deres Case Study House nr. 8, som de brugte som hjem og atelier. Bygningen blev betragtet som et højdepunkt inden for nutidig arkitektur på det tidspunkt. Ifølge Eames Foundation var designet en del af et projekt, der skulle "udtrykke menneskets liv i den moderne verden." Huset lignede et Piet Mondrian-maleri fra omkring tredive år tidligere. Mondrian døde i 1944. I New York City i 1950 var en af de mest fremtrædende arkitektoniske bedrifter en prisvindende skyskraber kendt som Lever House. Hyldet som et mesterværk inden for moderne arkitektur, med sine rene linjer, brug af stål og glas, yderst funktionelle udnyttelse af plads og fuldstændige mangel på udsmykning, var det et fremragende eksempel på modernistisk arkitektur. Det udtrykte perfekt de æstetiske bekymringer fra 1920’ernes russiske konstruktivisme.
Lever House, New York City
Den største nyskabelse inden for bildesign i 1950 var opfindelsen af hardtop-cabriolet. Hvad kunne give mere mening? Det er højdepunktet af funktionalitet og stil, der benytter billige, nye, lette materialer og en voksende forbrugerefterspørgsel efter valgmuligheder. Og bilernes slanke design var virkelig futuristisk, næsten lige så futuristisk som 1920’ernes italienske futurisme.
1950 Chrysler Town & Country
Påvirkede abstrakt kunst moderne design? Absolut. Piet Mondrians De Stijl-æstetik havde tydeligvis en dyb indflydelse på Eames-huset, det var blot årtier efter, at neoplastismen var blevet introduceret. Lever House var den perfekte konstruktivistiske skyskraber; den kom blot nogle årtier efter, at konstruktivistisk arkitektur havde gjort sit indtog. Og hardtop-cabrioleter var virkelig fremtidens biler; både 1920’ernes og 1950’ernes fremtid.
Hvad der skete i abstrakt kunst i 1950’erne var dette: Det var året, hvor Jackson Pollock malede “Number 1, 1950” og Franz Kline malede “The Chief.”
Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olie, emalje og aluminium på lærred, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1
Arkitekturens abstrakte ekspressionisme
Efterhånden som telekommunikationsinnovationer udviklede sig hurtigt, steg også hastigheden, hvormed abstrakt kunst kunne påvirke design. I stedet for 30 år tog det kun omkring 10 år, før abstrakt ekspressionisme satte sit præg på designverdenen. Æstetikken og filosofien bag abstrakt ekspressionisme opstod gennem en udbredelse af hele kunstskabelsesprocessen. Det var et tilbageblik til intuitionen, til de oprindelige kilder til underbevidste påvirkninger. Det var opfyldelsen af abstraktionens ultimative mål: opdagelsen af originalitet og det sande udtryk for den unikke individs essens.
Den abstrakte ekspressionistiske filosofi kom til udtryk i arkitekturen i form af dekonstruktivisme. Dekonstruktivisme søgte at opnå et element af uforudsigelighed. I stedet for at følge funktionelle former uden udsmykning søgte dekonstruktivistiske arkitekter originale former, der tydeligt benyttede ornamentale designelementer. Mange dekonstruktivistiske arkitekter designede bygninger, der så ud som om de var dekonstruerede, som om de var fragmenterede i sektioner. Andre designede bygninger, der efterlignede de gestiske æstetikker fra abstrakt ekspressionistisk kunst. Selvom stilen blev påbegyndt i slutningen af 1950’erne, anvendes den stadig i dag. Dens mest genkendelige fortaler er sandsynligvis Frank Gehry.
Frank Gehrys Guggenheim Bilbao
I midten af 1960’erne efterlignede designtrends næsten øjeblikkeligt tendenser i abstrakt kunst, især modedesign. Bridget Riley malede sit banebrydende Op Art-værk, Movement in Squares, i 1961. Time Magazine opfandt udtrykket “Op Art” i 1964 som reaktion på en udstilling med Julian Stanczaks værker på Martha Jackson Gallery i New York. I 1965 var stilen så fuldt integreret i populærkulturen, at den blev nævnt i en fotoserie i Vogue Magazine.
Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera på hårdtbræt. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Venligst udlånt af Karsten Schubert, London
Minimalistiske påvirkninger
I 1970’erne var en af de dominerende stilarter inden for abstrakt kunst minimalisme, og en af de mest indflydelsesrige stemmer inden for minimalismen var en kunstner ved navn Donald Judd. Judd og hans samtidige søgte at skabe værker, der var grundlæggende forskellige fra tidligere abstraktionskunstnere, især de abstrakte ekspressionister. Minimalismen fjernede personlige biografiske elementer fra værkerne og søgte forenklede former og et nedbarberet billedsprog.
Det, der gør Judd til en fascinerende skikkelse, er, at han ikke kun var minimalistisk kunstner, men også arkitekt og møbeldesigner. Som fortaler for både billedkunst og anvendt kunst kunne han samtidig realisere sine koncepter på tværs af de forskellige felter, han arbejdede inden for. På mange måder var Judd personificeringen af Bauhaus’ idealer eller Art Nouveau, som begge lagde vægt på en samtidig udtryk for alle kunstarter, der arbejder sammen om de samme idéer.
Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA-samling. Gave fra 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA
Judd var også en ivrig forfatter og teoretiker og sagde dette om forskellen mellem billedkunst og anvendt kunst: “Konfigurationen og skalaen af kunst kan ikke overføres til møbler og arkitektur. Kunstens hensigt er forskellig fra sidstnævntes, som skal være funktionel. Hvis en stol eller en bygning ikke er funktionel, hvis den kun fremstår som kunst, er det latterligt...” Den filosofi er tydelig i det forskellige arbejde, han skabte.
Donald Judd - Uden titel, 1971
Form vs. funktion
Den væsentlige forskel mellem abstrakt kunst og design er, at abstrakt kunst, ligesom al billedkunst, er noget, man møder på et eftertænksomt plan. Det kan være intellektuelt, kropsligt, inspirerende eller æstetisk smukt. Det er ment til at få os til at tænke, føle, overveje, udvikle os og undre os over meningen med vores oplevelser. Design har en helt anden funktion. Det er en måde at øge brugbarheden eller glæden ved forbrugsvarer. Design skal tjene et formål, ellers er det, som Judd sagde, absurd.
Den dybtgående indflydelse, som abstrakte kunstretninger som abstrakt ekspressionisme, Op Art, neoplastisme og minimalisme har haft på alle anvendte kunstarter, fra modedesign til møbeldesign til arkitektur og videre, kan ikke overvurderes. Og heldigvis lever vi i dag i en tid, hvor vi hurtigt kan få adgang til historien om både abstrakt kunst og design og selv se de dybtgående effekter, som æstetikken og filosofien bag abstrakt kunst udøver på designretninger.
Interessant nok lever vi også i en tid, hvor vi kan se disse effekter udfolde sig på en øjeblikkelig måde. En abstrakt maler kan uploade et foto af sit nye maleri på Instagram, og sekunder senere kan en modedesigner i Milano bruge det billede som inspiration til sin nye forårskollektion. Eller omvendt. En modedesigner kan uploade et billede af en ny kjole, og det kan have en kropslig effekt på en abstrakt kunstner, som så kan gøre fremskridt inden for nye områder af abstrakt kunst. I dag kan alt påvirke alt andet, mens vores kultur gladeligt springer fremad for at møde det nye.
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio
