Den indflydelse, som abstrakt kunst har på moderne og nutidig design

Abstrakte kunstdesigns kan findes overalt, på mode, møbler, arkitektur, reklame og næsten alle andre produkter af nutidig design. Uanset om det er en skokollektion inspireret af Op Art, champagneglas inspireret af en Dan Flavin-installation, eller sætdekoration i en hip hop-video inspireret af James Turrell, er det blot den seneste manifestation af en gammel tendens: designere påvirket af kunst. Det er, hvad Bauhaus var baseret på; en total kunst, der omfattede alle æstetiske fænomener. Og det er grunden til, at abstrakt kunst er fundamentet for så meget design i kulturen i dag.

Abstrakt Kunst og Design Genopbyggede Verden

Efter Anden Verdenskrig havde menneskeheden brug for designere i en skala, der var mere storslået end nogensinde før. Meget af Europa, Asien og Middelhavet havde brug for genopbygning efter at være blevet bombet næsten til ruiner. Og det var ikke kun bygningerne og gaderne, der havde brug for hjælp. En menneskelig befolkning, der var blevet ødelagt af års depression, hungersnød og krig, havde brug for nye ting: boliger, tøj, transport, værktøj, møbler, offentlige samlingssteder, telekommunikationsenheder, og så videre.

Verdens industrialiseringskapacitet var på et historisk højt niveau takket være mobiliseringen til krigen, og samfundets anvendte kunstnere fandt hidtil usete muligheder for at redesigne, hvad der ville blive den nye verden, og hjælpe med at bringe kulturen tilbage fra afgrunden. Anvendte kunstnere som arkitekter, møbeldesignere, modedesignere, bildesignere og industridesignere kastede sig hovedkulds ind i praktisk anvendelse og skabte produkter, der kunne masseproduceres effektivt og imødekomme den bredest mulige forbrugerbase.

Charles and Ray Eames - Case Study House No. 8

Yin Yang-teorien i arbejde

De dominerende abstrakte kunstnere i tiden stræbte også efter at hjælpe med at forstå, hvad der var sket med verden. Men i stedet for at genopbygge samfundet, hvilket normalt ikke betragtes som en del af skøn kunst, arbejdede de på at kontekstualisere det. Efterkrigstidens abstrakte kunstnere forsøgte at forstå noget iboende ved sig selv. De konfronterede det ukendte, det underbevidste og de dybt personlige aspekter af deres menneskelighed.

En måde at se på det er, at der blev fundet en balance. Designere reagerede på krigens vanvid med effektivitet og logik. Abstrakte kunstnere reagerede på det med intuition og følelser. Disse komplementære kræfter havde begge deres indflydelse på bevidstheden i efterkrigssamfundet. På den ene side blev den vestlige verden så kontemplativ og eksistentielt dyb som aldrig før. På den anden side blev den sin mest materialistiske.

Ugo Gianattasio - Uden titel, 1920

I efterkrigstiden efter Anden Verdenskrig var to af de mest indflydelsesrige designere Charles og Ray Eames, skaberne af den berømte Eames Chair. I 1949 designede og byggede de deres Case Study House No. 8, som de brugte som hjem og studio. Bygningen blev anset for at repræsentere højden af moderne arkitektonisk design på det tidspunkt. Ifølge Eames Foundation var designet en del af et projekt, der havde til formål at "udtrykke menneskets liv i den moderne verden." Huset lignede et Piet Mondrian-maleri fra omkring tredive år tidligere. Mondrian døde i 1944. I New York City i 1950 var en af de kronearkitektoniske præstationer en prisvindende skyskraber kendt som Lever House. Hyldet som et mesterværk af moderne arkitektur, gjorde dets rene linjer, brug af stål og glas, supereffektive brug af plads og fuldstændige mangel på ornament det til et fremragende eksempel på modernistisk arkitektur. Det udtrykte perfekt de æstetiske bekymringer fra 1920'ernes russiske konstruktivisme.

Lever House, New York City

Den største innovation inden for bildesign i 1950 var opfindelsen af hardtop-convertible. Hvad kunne give mere mening? Det er toppen af funktionalitet og stil, der udnytter billige, nye, letvægtsmaterialer og en voksende forbrugerbehov for muligheder. Og det slanke design af bilerne var virkelig futuristisk, næsten præcist så futuristisk som 1920'ernes italienske futurisme.

1950 Chrysler Town & Country

Påvirkede abstrakt kunst moderne design? Absolut. Piet Mondrian’s De Stijl æstetik havde åbenlyst en dyb indflydelse på Eames’ hus, det var kun årtier efter Neoplastisk var blevet introduceret. Lever House var den perfekte konstruktivistiske skyskraber; den kom bare et par årtier efter, at konstruktivistisk arkitektur havde præsenteret sig selv. Og hardtop cabrioleter var faktisk fremtidens biler; 1920'ernes fremtid og 1950'ernes fremtid.

Hvad der skete i abstrakt kunst i 1950'erne var dette: Det var året, hvor Jackson Pollock malede "Nummer 1, 1950" og Franz Kline malede "The Chief."

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, olie, emalje og aluminium på lærred, Ailsa Mellon Bruce Fond, 1976.37.1

Den abstrakte ekspressionisme i arkitektur

Efterhånden som innovationer inden for telekommunikation avancerede hurtigt, voksede hastigheden, hvormed abstrakt kunst kunne påvirke design, også. I stedet for 30 år tog det kun omkring 10 år for Abstrakt Ekspressionisme at sætte sit præg på designverdenen. Den æstetik og filosofi, der ligger bag Abstrakt Ekspressionisme, opstod gennem en formidling af hele kunstneriske processer. Det var en tilbagevenden til intuition, til de primordiale oprindelser af underbevidste påvirkninger. Det var opfyldelsen af Abstraktions ultimative mål: opdagelsen af originalitet og den sande udtryk for essensen af den unikke individ.

Den abstrakte ekspressionistiske filosofi manifesterede sig i arkitekturen i form af dekonstruktivisme. Dekonstruktivisme søgte at opnå et element af uforudsigelighed. I stedet for at overholde funktionelle former, der manglede ornamentik, søgte dekonstruktivistiske arkitekter originale former, der åbenlyst udnyttede ornamentale designelementer. Mange dekonstruktivistiske arkitekter designede bygninger, der selv så dekonstrukterede ud, som om de var fragmenteret i sektioner. Andre designede bygninger, der efterlignede de gestuelle æstetikker fra abstrakt ekspressionistisk kunst. Selvom stilen blev indledt i slutningen af 1950'erne, fortsætter den med at blive anvendt i dag. Dens mest genkendelige tilhænger er sandsynligvis Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

I midten af 1960'erne imiterede designtrends næsten øjeblikkeligt trends inden for abstrakt kunst, især mode design. Bridget Riley malede sit banebrydende Op Art værk, Movement in Squares, i 1961. Time magazine opfandt termen "Op Art" i 1964 som reaktion på en udstilling af Julian Stanczaks værker i Martha Jackson Gallery i New York. I 1965 var stilen så fuldt ud gengivet i populærkulturen, at den blev nævnt i et fotospread i Vogue Magazine.

Bridget Riley - Bevægelse i firkanter, 1961. Tempera på hårdplade. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Venligst udlånt af Karsten Schubert, London

Minimale påvirkninger

I 1970'erne var en af de dominerende stilarter inden for abstrakt kunst Minimalisme, og en af de mest indflydelsesrige stemmer inden for Minimalisme var en kunstner ved navn Donald Judd. Judd og hans samtidige søgte at skabe værker, der var fundamentalt forskellige fra værkerne af tidligere abstraktionister, især de abstrakte ekspressionister. Minimalisme eliminerede personlige biografiske elementer fra værket og søgte forenklede former og et nedskåret visuelt sprog.

Hvad der gør Judd til en så fascinerende studie, er, at han ikke kun var en minimalistisk kunstner, men han var også en arkitekt og en møbeldesigner. Som en tilhænger af både skøn kunst og anvendt kunst, var han i stand til samtidig at manifestere sine koncepter på tværs af de forskellige felter, han arbejdede i. På nogle måder var Judd personificeringen af idealerne fra Bauhaus eller Art Nouveau, som begge understregede en samtidig udtryk for alle kunstarter, der arbejdede sammen om de samme ideer.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. LACMA Samling. Gave fra 2011 Collectors Committee. © Museum Associates/LACMA

Judd var også en ivrig forfatter og teoretiker, og havde dette at sige om forskellen mellem de skønne kunstarter og de anvendte kunstarter: "Konfigurationen og skalaen af kunst kan ikke overføres til møbler og arkitektur. Kunstens hensigt er forskellig fra den sidstnævnte, som skal være funktionel. Hvis en stol eller en bygning ikke er funktionel, hvis den kun fremstår som kunst, er det latterligt..." Den filosofi er tydelig i det forskellige arbejde, han lavede.

Donald Judd - Uden titel, 1971

Form vs. funktion

Den væsentlige forskel mellem abstrakt kunst og design er, at abstrakt kunst, ligesom al fin kunst, er noget, der skal mødes på et kontemplativt niveau. Det kan være intellektuelt, visceralt, inspirerende eller æstetisk smukt. Det er beregnet til at få os til at tænke, føle, overveje, udvikle os og undre os over meningen med vores oplevelser. Designs funktion er helt anderledes. Det er en måde at øge nytteværdien eller fornøjelsen af forbrugsprodukter. Design skal tjene en funktion, ellers er det, som Judd sagde, absurd.

Den dybe indflydelse, som abstrakte kunsttendenser som Abstract Expressionism, Op Art, Neoplasticism og Minimalism har haft på alle de anvendte kunstformer, fra mode design til møbeldesign til arkitektur og videre, kan ikke overdrives. Og heldigvis lever vi i dag i en tid, hvor vi hurtigt kan få adgang til historien om både abstrakt kunst og design, og se for os selv de dybe effekter, som æstetikken og filosofien i abstrakt kunst har på designtendenser.

Interesant nok lever vi også i en tid, hvor vi kan se disse effekter udfolde sig på en umiddelbar måde. En abstrakt maler kan uploade et fotografi af sit nye maleri på Instagram, og sekunder senere kan en modedesigner i Milano bruge det billede som inspiration til sin nye forårskollektion. Eller omvendt. En modedesigner kan uploade et billede af en ny kjole, og det kan have en visceral effekt på en abstrakt kunstner, som så kan gøre fremskridt ind i nye områder af abstrakt kunst. I dag kan alt påvirke alt andet, mens vores kultur lykkeligt hopper fremad for at møde det nye.

Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio