Hvorfor Richard Anuszkiewicz Var en Større Kraft inden for Op Art

Kunstretninger dør aldrig. De tager bare en lur, indtil en ny geni vækker dem, så de kan fortsætte, hvor deres forgængere slap. Eller nogle gange, som i det sjældne tilfælde med Op Art, takket være en af dets mest vedholdende pionerer, Richard Anuszkiewicz, får en kunstretning lov til at bevæge sig fremad uafbrudt, generation efter generation. Op Art opstod i 1960’erne, og den er aldrig rigtig forsvundet. Sammen med Bridget Riley var Anuszkiewicz, indtil 2020, en af dens levende legender. En tidligere elev af Josef Albers ved Yale, var Anuszkiewicz i front for en bevægelse væk fra personlig følelse og drama i kunsten og hen imod undersøgelsen af objektive formelle forhold og den effekt, disse forhold har på vores øjne og sind. Det, der fik Anuszkiewicz til at skille sig ud blandt sine samtidige, og som holdt ham relevant længe efter, at de fleste af dem var stoppet, var ikke kun hans værkers strålende kvalitet, men også den alvor og ydmyghed, hvormed de blev skabt.

Opdagelsen af farve

En af de mest hjertevarmende historier om Richard Anuszkiewicz er historien om hans første soloudstilling i New York City. Historien begynder tilbage i Ohio, hvor Anuszkiewicz tog sin bachelorgrad ved Cleveland Institute of Art. I hans femte og sidste år på skolen fik han et stipendium til at studere kunst i Europa. Men efter at have fortalt sin vejleder, at han ikke var interesseret i Europa, blev han i stedet opfordret til at tage en kandidatuddannelse enten på Cranbrook, en fremsynet kunstskole uden for Detroit, eller Yale. Efter at have fået at vide, at Josef Albers, den berømte farvekunstner med rødder i Bauhaus, var på Yale, valgte Anuszkiewicz at tage dertil. Om sit valg forklarede han senere, at han følte, at farve var det største, der manglede i hans arbejde.

Selvom Albers var, og stadig er, betragtet som et geni, var han ikke en universelt elsket lærer. Mange fandt hans lektioner tilfældige, kedelige – endda nytteløse. Men Albers var ligeglad med, hvad hans elever mente. Han troede på den iboende værdi i at forstå farveforhold, og det var alt, hvad han underviste i. Hvis en elev ikke forstod eller viste interesse, var det lige meget for Albers. Men Anuszkiewicz var den sjældne elev, der fuldt ud forstod vigtigheden af det, Albers lærte. Han klarede sig fremragende i sine klasser. Han blev endda overbevist af Albers om at opgive figurativ kunst og acceptere, at den eneste måde virkelig at udforske farvens kraft på var at gøre den til værkets centrale emne. Men der var et centralt problem for Anuszkiewicz, nemlig at under vægten af den stærke personlighed, som Albers udøvede, var det næsten umuligt for hans elever at udvikle en individuel stil.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; og Veridified, 1971, To serigrafier i farver på vævet papir med fulde margener, 36 × 26 tommer, 91,4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Sidste øjebliks succes

Efter at have afsluttet sin kandidatuddannelse på Yale tog Anuszkiewicz det usædvanlige skridt at vende tilbage til Ohio for at tage en ekstra uddannelse i undervisning, hvis han nogensinde skulle få lyst til at undervise. Det var der, endelig fri for Albers’ indflydelse, at han fandt sin egen stil. Det var en undersøgelse af, hvordan forholdet mellem farver og former kunne narre øjet og få sindet til at se ting, der ikke er der. Han fandt denne oplevelse ophøjet og eftertænksom, og dens paradoks poetisk. Efter at have afsluttet sin læreruddannelse følte Anuszkiewicz, at han for første gang havde en stærk, særpræget idé og mange gode eksempler på sit arbejde. Så han flyttede til New York og begyndte at vise sine værker til gallerister. Men på trods af at mange fandt værkerne interessante, ville ingen gallerister tage chancen på at udstille dem. Det var 1957. Abstrakt ekspressionisme var stadig på mode. Forhandlerne var bare ikke sikre på, om de flade, farverige, skarpe værker, Anuszkiewicz lavede, ville sælge.

Det tog to år, før Anuszkiewicz endelig blev signet af Karl Lunde på The Contemporaries Gallery. Lunde tilbød ham en soloudstilling i marts 1960. Den udstilling blev overvældende velbesøgt. Mange kritikere og samlere talte begejstret om værkerne. Men som alle de andre forhandlere havde forudset, købte ingen noget. Faktisk gik næsten hele udstillingen uden et eneste salg, indtil en køber næsten på sidste dag trådte ind: Alfred F. Barr, Jr., der tilfældigvis var direktør for Museum of Modern Art. Barr købte et maleri kaldet Fluorescent Complement og udstillede det senere samme år på MoMA sammen med andre nylige erhvervelser. Som på klokkeslæt begyndte andre samlere at erhverve værker af Anuszkiewicz, herunder nogle af byens rigeste samlere, som Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Olie på lærred, 36 x 32 1/4 tommer (91,5 x 82 cm), MoMA-samling, © Richard Anuszkiewicz

MoMA-effekten

Tilstedeværelsen af Fluorescent Complement på MoMA signalerede for offentligheden, at det var tid til, at abstrakt ekspressionisme tog en lur. Året efter var Whitney vært for Geometrisk Abstraktion i Amerika, som inkluderede et maleri af Anuszkiewicz, og derefter annoncerede MoMA en stor kommende udstilling dedikeret til “en primært visuel vægtning.” Da den store udstilling, kaldet The Responsive Eye, endelig fandt sted, omfattede den værker af mange kunstnere og fastslog betydningen af begrebet Op Art. Og sammen med Victor Vasarely og Bridget Riley trådte Anuszkiewicz frem som en af de vigtigste kunstnere i udstillingen.

Det siges, at det, der adskilte Vasarely, var hans beherskelse af lys og mørke, det, der adskilte Riley, var hendes beherskelse af linjen, og det, der adskilte Anuszkiewicz, var hans beherskelse af farveforhold. Men der er noget andet, der adskiller alle tre – deres alvor. De besidder alle en medfødt nysgerrighed og dedikation. Og Anuszkiewicz var også særlig for sin ydmyghed. Mens skribenter hylder hans bedrifter, siger han ting som: “Noget sker, når man sætter to farver sammen. Det har en virkning.” Han nedtonede sin værks strålende kvalitet og kraft og henviste blot tilbage til tanken om, at farver og former ændrer sig i forskellige situationer, og at det at tænke over sådanne ændringer kan minde mennesker om, at vi aldrig helt kan være sikre på, om det, vi ser på, er virkeligt.

Richard Anuszkiewicz - Unnumbered (Annual Edition), 1978, Maling og serigrafi på masonit, 4 × 4 tommer, 10,2 × 10,2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Fremhævet billede: Richard Anuszkiewicz - Untitled (Annual Edition), 1980, Serigrafi på masonit, 5 3/4 × 5 3/4 tommer, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alle billeder anvendt til illustration