5 abstrakte Kunstwerke aus der Ausstellung 'Soul of a Nation' von afroamerikanischen Künstlern

Die monumentale Ausstellung Seele einer Nation: Kunst im Zeitalter der Schwarzen Macht wurde in diesem Monat im Brooklyn Museum in New York eröffnet. Dies ist der dritte Ausstellungsort für diese außergewöhnliche Schau, die 2017 in der Tate Modern begann und dann zum Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, Arkansas, weiterzog. Die Ausstellung zeigt mehr als 150 Werke von über 60 Künstlern. Sie umfasst eine enorme Bandbreite an Medien – von Malerei, Zeichnung und Skulptur bis hin zu Textilien und Kleidungsstücken – und deckt zahlreiche ästhetische Positionen ab – von klarer Figuration über Pop-Art bis hin zu reiner Abstraktion. Als die Ausstellung erstmals in der Tate gezeigt wurde, hatte ich das Privileg, mich mit Gerald Williams, Mitbegründer von AFRICOBRA, einem einflussreichen schwarzen Künstlerkollektiv, dessen Werke ein wesentlicher Bestandteil der Ausstellung sind, zu unterhalten. Williams äußerte einige faszinierende Gedanken zur Entscheidung der Kuratoren, so viele abstrakte Werke in die Ausstellung aufzunehmen. Er war neugierig, was die Besucher dazu sagen würden, wie diese Werke zur Diskussion beitragen. Viele modernistische abstrakte ästhetische Positionen sind fest in historischen transnationalen schwarzen Ästhetiken verwurzelt. Und doch wurden schwarze abstrakte Künstler während der Blütezeit des Modernismus von weiß geführten Galerien oft wegen offener oder subtiler Vorurteile ignoriert oder von schwarz geführten Galerien ausgeschlossen, weil ihre Werke das schwarze Leben nicht figurativ thematisierten. Es ist eine große Freude, so viele abstrakte Künstler in Seele einer Nation zu sehen. Während die Ausstellung in ihrem neuen vorübergehenden Zuhause in Brooklyn ankommt, stellen wir fünf abstrakte Werke vor, auf die Sie achten sollten, falls Sie die Ausstellung besuchen, die bis zum 3. Februar 2019 zu sehen ist.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionär (Angela Davis), 1971

Einer der fünf Gründer von AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, war maßgeblich an der Formulierung der Philosophie der Gruppe beteiligt. Diese Philosophie wurde im Manifest von 1969 Zehn auf der Suche nach einer Nation dargelegt. Laut dem Manifest strebte AFRICOBRA danach, Werke zu schaffen, die Folgendes erreichen: „1. Definition – Bilder, die sich mit der Vergangenheit befassen; 2. Identifikation – Bilder, die sich auf die Gegenwart beziehen; und 3. Richtung – Bilder, die in die Zukunft blicken.“ Die wichtigsten visuellen Elemente ihres Stils waren die Verwendung von Text, leuchtenden „Cool-Aid“-Farben und eine Mischung aus abstrakten Mustern und positiven Porträts schwarzer Menschen. „Revolutionär (Angela Davis)“ vermittelt diese Aspekte auf spektakuläre Weise. Außerdem ruft es frühe modernistische Bewegungen wie den Futurismus und Rayonismus mit seinen dynamischen scharfen Winkeln sowie postimpressionistische Bewegungen wie den Divisionismus mit seiner Mobilisierung von komplementären Formen und Farbbeziehungen hervor.

Wadsworth A. Jarrell (Amerikaner, geboren 1929). Revolutionär (Angela Davis), 1971. Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, 162,6 x 129,5 cm (64 x 51 Zoll). Brooklyn Museum, Geschenk von R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris und Emma L. Hyde, durch Tausch, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund und Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Das Erscheinen von Seele einer Nation in Brooklyn ist für William T. Williams eine Art Heimkehr. Einer der erfolgreichsten und angesehensten zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Maler, unterrichtet Williams seit 1971 Kunst am Brooklyn College – zwei Jahre nachdem er „Trane“ gemalt hatte. Diese lebendige, geometrische Komposition ist nach dem amerikanischen Jazzkomponisten und Musiker John Coltrane benannt. Die dynamische Natur des Werks ruft den lebhaften, intuitiven und völlig freien Klang hervor, für den Coltrane bekannt war. Doch dieses Werk bezieht sich auch auf eine persönliche Geschichte, über die Williams gesprochen hat. Er stammt aus einer Familie von Quiltmachern. Die Quilts seiner Vorfahren waren von farbenfrohen, linearen, geometrischen Mustern geprägt. „Trane“ ist teils eine Hommage an die Familie, teils eine Verbeugung vor einer musikalischen Legende und teils Ausdruck der einzigartigen abstrakten Vision, die Williams in seinen Werken vermittelt.

William T. Williams (Amerikaner, geboren 1942). Trane, 1969. Acryl auf Leinwand, 274,3 x 213,4 cm (108 x 84 Zoll).
Das Studio Museum in Harlem, New York. © William T. Williams. Mit freundlicher Genehmigung der Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Obwohl Frank Bowling in Guyana geboren wurde und die britische Staatsbürgerschaft besitzt, ist sein Beitrag zur amerikanischen abstrakten Kunst tiefgreifend. Bowling kam Mitte der 1960er Jahre erstmals nach New York und wurde schnell zu einem der führenden Vertreter der lyrischen Abstraktion. Die meisten seiner Werke bewegen sich visuell irgendwo zwischen Abstraktem Expressionismus und Farbflächenmalerei. Gelegentlich spuken figürliche Bilder, wie geisterhafte Umrisse von Kontinenten, in seinen Bildern. „Texas Louise“ ist ein monumentales Werk, das den Betrachter in seinen leuchtenden, strukturierten roten Farbtönen einhüllt. Es wurde im selben Jahr gemalt, in dem Bowling den Artikel Es reicht nicht zu sagen, Schwarz ist schön in ARTnews veröffentlichte. Dieser Beitrag behandelt die komplexen Ansichten, die Bowling und viele Künstler zu Bezeichnungen wie „schwarze Kunst“, „schwarze Künstler“ oder auch „abstrakte Kunst“ und „abstrakte Künstler“ hatten. Es lohnt sich, diesen Aufsatz jetzt noch einmal zu lesen, besonders wenn Sie vorhaben, diese Ausstellung zu besuchen und dieses wichtige Werk zu sehen.

Frank Bowling (Amerikaner, geboren 1936). Texas Louise, 1971. Acryl auf Leinwand, 282 x 665 cm (111 x 261 3⁄4 Zoll).
Mit freundlicher Genehmigung der Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Hales Gallery.

Norman Lewis, Prozession (auch Prozession genannt), 1965

„Prozession (auch Prozession genannt)“ steht beispielhaft für die besondere Fähigkeit von Norman Lewis, die Methoden der Abstraktion mit symbolischen oder philosophischen Konzepten zu verbinden. Lewis begann als figurativer Maler. Seine Abstraktionen entstanden häufig aus einem realistischen Ausgangspunkt. Dieses Gemälde zeigt gefühlsbetonte, gestische, kalligraphische Pinselstriche. Der Titel und die Bildsprache rufen eine Reihe von Menschen hervor, die gehen, was vielleicht die Idee einer Beerdigung nahelegt. Wesentlich für jede figurative Deutung des Werks ist die Frage, ob diese Pinselstriche Menschen darstellen sollen, ob diese Menschen weiß, schwarz oder beides sind. Dieses Bild könnte den Tod der Vorstellung darstellen, dass es einen Unterschied gibt; oder eine Prozession vorwärts in eine aufgeklärtere Zeit.

Norman Lewis (1909-1979), Prozession (auch Prozession genannt), 1965. Öl auf Leinwand, 97,5 x 146,4 cm (38 3/8 x 57 5/8 Zoll).
Privatsammlung; © Nachlass von Norman W. Lewis; Mit freundlicher Genehmigung der Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hommage an Malcolm, 1970

Geboren 1939 im ländlichen Alabama, sagte Jack Whitten oft, er sei in der „amerikanischen Apartheid“ aufgewachsen. Sein abstrakter Stil war in Symbolik verwurzelt. Er diente als Mittel, mit dem der Künstler seine Gefühle zu Kultur, Politik und persönlichem Kampf ausdrücken konnte. Whitten starb im Januar 2018, doch nicht bevor er sein eindringliches und kraftvolles „Hommage an Malcolm“ in der Tate Modern hängen sah. Rückblickend auf die Entstehung in den Tagen nach der Ermordung von Malcolm X sagte Whitten: „Das Gemälde für Malcolm, das ist symbolische Abstraktion. Malcolm X hatte ein Verständnis für den universellen Aspekt des Kampfes, an dem er beteiligt war. Es ist diese Umwandlung ins Universelle, die ihm mehr Kraft gab. Das Gemälde musste dunkel sein. Es musste stimmungsvoll sein. Es musste tiefgründig sein.“

Jack Whitten (1939 - 2018). Hommage an Malcolm, 1970. Acryl auf Leinwand, 265,4 x 301 x 5,4 cm (104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 Zoll).
Mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses des Künstlers und Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Abgebildetes Bild: Seele einer Nation: Kunst im Zeitalter der Schwarzen Macht. Installationsansicht im Brooklyn Museum in New York

Von Phillip Barcio