5 abstrakte Kunstwerke aus der Ausstellung 'Soul of a Nation' von afroamerikanischen Künstlern

Die monumentale Ausstellung Seele einer Nation: Kunst im Zeitalter der Black Power wurde diesen Monat im Brooklyn Museum in New York eröffnet. Dies ist der dritte Ort für diese außergewöhnliche Schau, die 2017 im Tate Modern eröffnet wurde und dann zum Crystal Bridges Museum of American Art in Bentonville, Arkansas, reiste. Die Ausstellung umfasst mehr als 150 Werke, die von über 60 Künstlern geschaffen wurden. Sie deckt ein enormes Spektrum an Medien ab – von Malerei, Zeichnung und Skulptur bis hin zu Textilien und Kleidungsstücken – und spannt zahlreiche ästhetische Positionen auf – von einfacher Figuration über Pop Art bis hin zu reiner Abstraktion. Als die Ausstellung erstmals im Tate debütierte, hatte ich das Privileg, mich mit Gerald Williams, Mitbegründer von AFRICOBRA, einem einflussreichen schwarzen Künstlerkollektiv, dessen Werke ein zentrales Element der Ausstellung sind, zu unterhalten. Williams hatte einige faszinierende Dinge über die Entscheidung der Kuratoren zu sagen, so viele abstrakte Werke in die Ausstellung aufzunehmen. Er war neugierig, was die Zuschauer darüber sagen würden, wie diese Werke zur Diskussion beitragen. So viele modernistische abstrakte ästhetische Positionen sind fest in historischen transnationalen schwarzen Ästhetiken verwurzelt. Und doch wurden während der Blütezeit des Modernismus schwarze abstrakte Künstler häufig von von Weißen geführten Galerien aufgrund offener oder subtiler Vorurteile ignoriert oder von von Schwarzen geführten Galerien ausgeschlossen, weil ihre Arbeiten das schwarze Leben nicht figurativ ansprachen. Es ist ein großes Vergnügen, so viele abstrakte Künstler in Seele einer Nation zu sehen. Während die Ausstellung in ihrem neuen temporären Zuhause in Brooklyn ankommt, heben wir fünf abstrakte Werke hervor, die Sie suchen sollten, wenn Sie die Ausstellung besuchen, die bis zum 3. Februar 2019 zu sehen ist.

Wadsworth A. Jarrell, Revolutionär (Angela Davis), 1971

Einer der fünf Gründer von AFRICOBRA, Wadsworth Jarrell, war entscheidend für die Bildung der Philosophie der Gruppe. Diese Philosophie wurde im Manifest von 1969 Ten In Search of a Nation umrissen. Laut dem Manifest strebte AFRICOBRA danach, Werke zu schaffen, die Folgendes erreichten: „1. Definition – Bilder, die sich mit der Vergangenheit befassen; 2. Identifikation – Bilder, die sich auf die Gegenwart beziehen; und 3. Richtung – Bilder, die in die Zukunft blicken.“ Die wichtigsten visuellen Elemente ihres Stils waren die Verwendung von Text, lumineszenten „Cool-Aid“-Farben und eine Mischung aus abstrakten Mustern und positiven Porträts von schwarzen Menschen. „Revolutionary (Angela Davis)“ vermittelt spektakulär jeden dieser Aspekte. Darüber hinaus ruft es frühe modernistische Bewegungen wie den Futurismus und Rayonismus mit seinen dynamischen scharfen Winkeln sowie postimpressionistische Bewegungen wie den Divisinismus mit seiner Mobilisierung von komplementären Formen und Farbbeziehungen hervor.

Wadsworth A. Jarrell (Amerikaner, geboren 1929). Revolutionary (Angela Davis), 1971. Acryl und Mischtechnik auf Leinwand, 64 x 51 Zoll (162,6 x 129,5 cm). Brooklyn Museum, Geschenk von R. M. Atwater, Anna Wolfrom Dove, Alice Fiebiger, Joseph Fiebiger, Belle Campbell Harris und Emma L. Hyde, im Austausch, Designated Purchase Fund, Mary Smith Dorward Fund, Dick S. Ramsay Fund und Carll H. de Silver Fund, 2012.80.18. © Wadsworth A. Jarrell. (Foto: Brooklyn Museum)

William T. Williams, Trane, 1969

Das Erscheinen von Soul of a Nation in Brooklyn ist gewissermaßen eine Heimkehr für William T. Williams. Als einer der erfolgreichsten und angesehensten zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Maler unterrichtet Williams seit 1971 Kunst am Brooklyn College – zwei Jahre nachdem er „Trane“ gemalt hat. Diese lebendige, geometrische Komposition ist nach dem amerikanischen Jazzkomponisten und Musiker John Coltrane benannt. Die dynamische Natur des Werkes ruft den lebhaften, intuitiven und völlig freien Klang in Erinnerung, für den Coltrane bekannt war. Aber dieses Werk steht auch in Verbindung mit einer persönlichen Geschichte, von der Williams gesprochen hat. Er stammt aus einer Familie von Quiltmachern. Die Quilts, die seine Vorfahren gemacht haben, waren von bunten, linearen, geometrischen Mustern geprägt. „Trane“ ist teilweise eine Hommage an die Familie, teilweise eine Verneigung vor einer Musiklegende und teilweise ein Ausdruck der einzigartigen abstrakten Vision, die Williams in seiner Arbeit vermittelt.

William T. Williams (Amerikaner, geboren 1942). Trane, 1969. Acryl auf Leinwand, 108 x 84 Zoll (274,3 x 213,4 cm).
Das Studio Museum in Harlem, New York. © William T. Williams. Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York.

Frank Bowling, Texas Louise, 1971

Obwohl Frank Bowling in Guyana geboren wurde und die britische Staatsbürgerschaft besitzt, ist sein Beitrag zur amerikanischen abstrakten Kunst tiefgreifend. Bowling kam Mitte der 1960er Jahre nach New York und wurde schnell zu einem der führenden Praktiker der lyrischen Abstraktion. Die meisten seiner Werke befinden sich visuell irgendwo zwischen Abstract Expressionism und Color Field Painting. Gelegentlich spuken figurative Bilder, wie geisterhafte Umrisse von Kontinenten, in seinen Bildern. "Texas Louise" ist ein monumentales Werk, das den Betrachter in seine leuchtenden, strukturierten roten Farbtöne eintauchen lässt. Es wurde im selben Jahr gemalt, in dem Bowling den Artikel Es reicht nicht zu sagen, dass Schwarz schön ist in ARTnews veröffentlichte. Dieses Stück behandelt die komplexen Ansichten, die Bowling und viele Künstler über Bezeichnungen wie "schwarze Kunst", "schwarze Künstler" oder auch "abstrakte Kunst" und "abstrakte Künstler" hatten. Es ist lohnenswert, diesen Aufsatz jetzt noch einmal zu lesen, insbesondere wenn Sie beabsichtigen, diese Ausstellung zu besuchen und dieses wichtige Werk zu sehen.

Frank BowIing (Amerikaner, geboren 1936). Texas Louise, 1971. Acryl auf Leinwand, 111 x 261 3⁄4 Zoll (282 x 665 cm).
Mit freundlicher Genehmigung der Rennie Collection, Vancouver. © Frank Bowling. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Hales Gallery.

Norman Lewis, Processional (auch bekannt als Prozession), 1965

„Processional (auch bekannt als Prozession)“ ist emblematisch für die charakteristische Fähigkeit von Norman Lewis, die Methoden der Abstraktion mit symbolischen oder philosophischen Konzepten zu verbinden. Lewis begann als figurativer Maler. Seine Abstraktionen entstanden häufig aus einem realistischen Ausgangspunkt. Dieses Gemälde zeigt emotive, gestische, kalligraphische Pinselstriche. Der Titel und die Bildsprache rufen eine Reihe von Menschen hervor, die gehen, was vielleicht die Idee eines Begräbnisses suggeriert. Integral für jede figurative Lesart des Werkes ist die Frage, ob diese Pinselstriche dazu gedacht sind, Menschen darzustellen, ob die Menschen weiß, schwarz oder beides sind? Dieses Bild könnte den Tod der Vorstellung darstellen, dass es irgendeinen Unterschied gibt; oder einen Fortschritt in eine aufgeklärtere Ära.

Norman Lewis (1909-1979), Processional (auch bekannt als Procession), 1965. Öl auf Leinwand, 38 3/8 x 57 5/8 Zoll (97,5 x 146,4 cm).
Privatsammlung; © Nachlass von Norman W. Lewis; Mit freundlicher Genehmigung von Michael Rosenfeld Gallery LLC, New York, NY

Jack Whitten, Hommage an Malcolm, 1970

Geboren im ländlichen Alabama im Jahr 1939, sagte Jack Whitten, dass er in "amerikanischer Apartheid" aufgewachsen sei. Sein abstrakter Stil war in Symbolik verwurzelt. Er diente als Vehikel, mit dem der Künstler seine Gefühle über Kultur, Politik und persönliche Kämpfe konfrontieren konnte. Whitten starb im Januar 2018, aber nicht bevor er sein markantes und kraftvolles "Homage to Malcolm" im Tate Modern sehen konnte. Als er sich an die Entstehung in den Tagen nach der Ermordung von Malcolm X erinnerte, sagte Whitten: "Das Gemälde für Malcolm, das ist symbolische Abstraktion. Malcolm X hatte ein Verständnis für den universellen Aspekt des Kampfes, an dem er beteiligt war. Es ist diese Umwandlung in das Universelle, die ihm mehr Macht gab. Dieses Gemälde musste dunkel sein. Es musste stimmungsvoll sein. Es musste tief sein."

Jack Whitten (1939 - 2018). Hommage an Malcolm, 1970. Acryl auf Leinwand, 104 1⁄2 x 118 1⁄2 x 2 1/8 Zoll. (265,4 x 301 x 5,4 cm).
Courtesy des Nachlasses des Künstlers und Hauser & Wirth. © Jack Whitten (Foto: Christopher Burke)

Titelbild: Seele einer Nation: Kunst im Zeitalter der Black Power. Installationsansicht im Brooklyn Museum in New York

Von Phillip Barcio