Die Wertschätzung abstrakter Porträts und ihrer besonderen Ästhetik

Abstrakte Porträt Künstler stehen vor eigentümlichen Herausforderungen. Wenn wir in allem Gesichter sehen; nennt man das Pareidolie. Wenn wir in allem Gesichter sehen; nennt man das Empathie. Abstrakte Porträts bewegen sich in einem Raum irgendwo dazwischen, und ihre Künstler müssen sich gleichzeitig mit beidem auseinandersetzen. In gewisser Weise kann die natürliche Gewohnheit des Menschen, überall vertraute visuelle Muster wahrzunehmen, unabhängig davon, ob sie tatsächlich vorhanden sind, den Schöpfern abstrakter Porträts zugutekommen. Sie müssen kaum das menschliche Gesicht oder die Figur ansprechen, um das Gefühl davon hervorzurufen. Doch die Besessenheit, in einem abstrakten Bild nach Gesichtern und Figuren zu suchen, kann die Betrachter auch davon ablenken, andere Aspekte eines Kunstwerks zu betrachten. Ebenso könnten abstrakte Porträtmaler von der natürlichen Neigung der Betrachter profitieren, Empathie zu empfinden, sobald sie auch nur schwach das Bild eines erkennbaren Anderen wahrnehmen. Welche Empfindungen ein einfühlsamer Betrachter einem Bild auch immer zuschreibt, könnten dem Konzept des Werks zugutekommen. Doch Empathie kann auch das Verständnis stören. Die Erkennung eines vertrauten Gesichts oder einer Figur in einem Kunstwerk könnte persönliche Vorurteile, Verallgemeinerungen und Befürchtungen im Geist des Betrachters hervorrufen, die die ursprünglichen Ideen des Künstlers untergraben und verkomplizieren könnten.

Definition abstrakter Porträts

Im 16. Jahrhundert entwickelten die Italiener eine Rangordnung, welche Motive für ein Kunstwerk am ehesten als ehrbar galten. Das ehrbarste Motiv galt als die historische Szene, die meist eine Art mythologisches oder religiöses Ereignis darstellte. Das zweit ehrbarste Motiv war das Porträt. Im klassischen Sinne wurde ein Porträt meist als Bild eines Menschen definiert, der meist vom Kopf bis etwa zur Mitte des Oberkörpers dargestellt wurde. Doch es muss nicht nur das sein. Ein Porträt kann auch den ganzen Körper oder nur das Gesicht zeigen. Und es muss nicht nur ein Bild eines Menschen sein. Es kann ein Bild eines beliebigen Wesens sein, menschlich, tierisch, fiktiv, mythisch, geistlich oder eine beliebige Kombination davon.

Um als abstraktes Porträt zu gelten, muss ein Kunstwerk zwei Fähigkeiten vereinen: Erstens muss es das Konzept der Porträtkunst in irgendeiner Weise nutzen; und zweitens muss es abstrakt sein, das heißt, es muss sich mit dem Bereich der Ideen befassen oder zumindest einen rein objektiven oder gegenständlichen Zugang zur Wirklichkeit vermeiden. Was es nicht sein muss, ist ein bestimmtes Medium oder eine bestimmte Disziplin. Ein abstraktes Porträt kann eine Zeichnung oder ein Gemälde sein, es kann aber auch abstrakte Porträtfotografie, abstrakte Porträtplastik, abstrakte Porträtinstallation, abstrakte Porträt-Performancekunst usw. geben. Jedes abstrakte ästhetische Phänomen, das die Gestalt eines Wesens, real, imaginär oder eine Kombination davon, einbezieht, könnte als abstraktes Porträt gelten.

Joan Miró - Kopf einer Frau, 1938. Öl auf Leinwand. 45,72 x 54,93 cm. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris

Sich selbst gegenübertreten

Aus interpretativer Sicht ist das Schwierigste und manchmal Kontroverseste beim Wertschätzen abstrakter Porträts, dass sie von Natur aus persönlich sind. Der soziale Konstruktivismus postuliert, dass alles, was wir über das Leben verstehen, aus unseren Erfahrungen wächst und dass alle unsere lehrreichen Erfahrungen aus sozialen Interaktionen entstehen. Im psychologischen Sinne ist es eine soziale Interaktion, wenn ein Wesen ein Bild eines anderen Wesens betrachtet. Ein Betrachter, der mit einem Raum voller abstrakter Porträts interagiert, bildet eine Gemeinschaft.

Das Schwierige an der persönlichen Natur abstrakter Porträts ist, dass sie zu weit tiefergehenden und bedeutungsvolleren Betrachtungen einladen als andere Arten von abstrakter Kunst. Zum Beispiel kann eine abstrakte geometrische Plastik oder eine völlig abstrakte Komposition wie ein Farbflächenbild oder ein Monochrom ausschließlich nach ihren formalen, symbolischen oder interpretativen und nachdenklichen Qualitäten betrachtet werden. Doch zusätzlich zu all diesen Elementen zwingen abstrakte Porträts die Betrachter auch, sich mit sich selbst auseinanderzusetzen.

Frank Auerbach - Kopf von JYM II, 1984-85. Öl auf Leinwand. 660 x 610 mm. Privatsammlung. © Frank Auerbach

Persönlich werden

Die Hauptschwierigkeit beim Wertschätzen abstrakter Porträts besteht daher darin, angeborene Vorurteile zu überwinden. Wenn ein Betrachter ein gegenständliches Porträt betrachtet, das so konstruiert wurde, dass es die Wirklichkeit möglichst genau nachahmt, hilft allein die Wiedererkennung dem Betrachter, das Bild mit Respekt zu betrachten. Ein Gefühl von künstlerischer und malerischer Meisterschaft verlangt, dass das im Porträt dargestellte Wesen besondere und vollständige Beachtung verdient. Doch abstrakte Porträts laden zu seltsamen Verallgemeinerungen ein. Ein Bereich, in dem dies offensichtlich ist, sind abstrakte Porträts bereits marginalisierter Bevölkerungsgruppen. Betrachten wir zum Beispiel abstrakte Porträts von Frauen.

Zwei der berühmtesten abstrakten Porträtmaler sind Pablo Picasso und Willem de Kooning. Gemeinsam malten sie Hunderte abstrakter Porträts. Viele der berühmtesten abstrakten Porträts Picassos waren von Frauen, wie sein berühmtes Weinende Frau. Doch sein umstrittenstes war ein abstraktes Porträtgemälde seiner Geliebten Marie-Thérèse Walter, genannt Der Traum. Das Gemälde ist umstritten, weil manche Menschen meinen, im Kopf der Figur einen Phallus zu sehen. Sie interpretieren es daher als erotisches Bild. Doch ist das nur Pareidolie? Oder ist es Empathie? Oder ist es eine voyeuristische Beschäftigung mit der Beziehung, die Picasso zu seinem Modell hatte? Die Tatsache, dass das Gemälde abstrahiert ist, öffnet die Tür für interpretative Sprünge, die angeborene Vorurteile durchscheinen lassen. Zeigt uns das Gemälde wirklich etwas über Picasso und seine Geliebte? Oder zeigt es uns etwas über uns selbst?

Die Frauen de Koonings

Ein ähnliches Phänomen tritt auf, wenn Menschen die abstrakten Porträts betrachten, die Willem de Kooning von Frauen malte. Wenn andere abstrakte de Kooning-Gemälde besprochen werden, sind die am häufigsten genannten Eigenschaften ihre gestische Qualität, ihre lebendige Energie, ihre markanten Pinselstriche, ihre charakteristische Farbwahl und die Spannung und Leidenschaft, die durch ihre ausdrucksstarken Kompositionen vermittelt werden. Seine rein abstrakten Kompositionen werden als komplex, verschlungen und kraftvoll bezeichnet. Seine abstrakten Landschaften werden als erhaben beschrieben.

Doch ein ganz anderer Wortschatz wird verwendet, wenn es um die abstrakten Porträts geht, die de Kooning von Frauen malte. Häufig verwendete Adjektive von Betrachtern, besonders Kritikern, um diese Gemälde zu beschreiben, sind eher feindselig, wütend, gewalttätig, verrückt, frauenfeindlich und wahnsinnig. De Kooning bemerkte, dass er, als er seine Porträts von Frauen malte, hoffte, dass sie einfach als einzigartig und möglicherweise humorvoll wahrgenommen würden. Er versuchte, in seinem eigenen Stil die weibliche Form auf klassische und zugleich moderne und abstrahierte Weise darzustellen, wie es zuvor niemand getan hatte. Was ist also an der Porträtkunst in diesen Gemälden, das solche vermenschlichenden Bemerkungen hervorruft? Hat de Kooning diese Gedanken in das Gemälde gelegt oder wir?

Willem de Kooning - Frau I, 1950–52. Öl auf Leinwand. 192,7 x 147,3 cm. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (links) / Willem de Kooning - Willem Frau, 1949. Öl, Emaille und Kohle auf Leinwand. 152,4 x 121,6 cm. Privatsammlung. © 2018 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (rechts)

Die abstrakten Porträtmaler in ihren Gemälden sehen

Anstatt unsere eigenen Vorurteile über die zugrundeliegende Bedeutung dieser Gemälde ins Spiel zu bringen, ist eine andere Möglichkeit, abstrakte Porträts zu schätzen, die Art und Weise zu interpretieren, wie sie das Denken des Künstlers vermitteln, der sie malte. Zum Beispiel zeigen die abstrakten Porträts von Paul Klee das Interesse dieses Malers an Farbe, Form und harmonischen Kompositionen. Sie vermitteln seine Suche nach der geometrischen Essenz der Natur und das Gleichgewicht, das er in seiner Kunst einzufangen suchte.

Ebenso können wir durch das Betrachten der abstrakten Porträts von Robert Delaunay seine Entwicklung vom gegenständlichen Maler zum Abstrakten erkennen. Frühe Porträts wie das, das er 1906 von seinem Freund Jean Metzinger malte, können für ihren fortgeschrittenen Einsatz des Divisionismus geschätzt werden. Dieses Gemälde zeigt Delaunays Faszination für Farbe und die verschiedenen abstrakten visuellen Effekte, die entstehen, wenn unterschiedliche Farben nebeneinander auf einer Fläche platziert werden. Es vermittelt auch seine Suche, die Bildebene zu ebnen und allen Teilen des Bildes gleiche Aufmerksamkeit zu schenken.

Paul Klee - Senecio, 1922. Öl auf Leinwand. 40 cm x 38 cm. Kunstmuseum Basel, Basel, Scala / Art Resource, NY © ARS, NY (links) / Robert Delaunay - Porträt von Jean Metzinger, 1906. Öl auf Leinwand. 55 x 43 cm (rechts)

Was abstrakte Porträtfotografie lehrt

Der direkteste Weg, abstrakte Porträts zu schätzen, besteht darin, einfach dem Pfad der Ideen zu folgen, die sie inspirieren. Ideen stehen im Mittelpunkt der abstrakten Porträt-Fotografie. Im Foto Noire et Blanche von Man Ray sehen wir das Gesicht eines weiblichen Modells neben einer Holzmaske. Das Gesicht und die Maske haben eine ähnliche Form und teilen einen gemeinsamen Ausdruck. Obwohl es uns objektive Wirklichkeit zeigt, stellt dieses Bild die Frage, ob ein Foto uns das Wahre zeigen kann, indem es die Wahrheit unseres eigenen Antlitzes infrage stellt. Es fragt den Betrachter: „Welche ist die Maske?“

Ganz anders, aber ebenfalls auf Ideen beruhend, ist das Doppelbild-Porträtfoto von Marcel Duchamp, aufgenommen von Victor Obsatz im Jahr 1953. Es zeigt ein Bild eines nachdenklichen Duchamp, der aus dem Fenster schaut, und darüber gelegt ein grinsender, fröhlicher Duchamp, der uns anblickt. Es zeigt uns den ernsten Denker und den spielerischen, satirischen Spaßmacher, die beide dieser Künstler verkörperte. Dieses Foto lehrt uns, wie man alle abstrakten Porträts schätzt; als Bilder, die Wirklichkeiten verbinden, als Visionen von Welten in Welten. Sie zeigen uns ein Bild von uns selbst und deuten auch an, dass mehr in uns steckt, als wir wissen.

Titelbild: Salvador Dalí - Galatea der Sphären, 1952. Öl auf Leinwand. Dalí Theater und Museum, Figueres, Spanien. © Salvador Dalí, Fundació Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2018.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio