Schlüsselmomente in der Geschichte der abstrakten Kunst

Worte können so umstritten sein. Wir wollen einfach nur die Geschichte der abstrakten Kunst besprechen. Aber dieser Satz ist voller begrifflicher Fallstricke. (Wessen Geschichte? Was ist Kunst? Was bedeutet es, abstrakt zu sein?) Um genau zu sein, sollten wir diesen Artikel vielleicht so betiteln: „Entscheidende Momente in der Abfolge von Ereignissen, die die allgemein anerkannte Zeitleiste der westlichen Zivilisation in Bezug auf Objekte und Phänomene bilden, die von selbsternannten Künstlern geschaffen wurden, die nicht beabsichtigten, die objektive visuelle Wirklichkeit darzustellen.“ Aber das ist nicht gerade eine klickwürdige Überschrift. (Oder doch?) Der Vernunft halber wollen wir für diesen Artikel die Semantik beiseitelegen und einfach am Anfang beginnen.

Die Vorgeschichte der abstrakten Kunst

Zu den frühesten Zeichen der prähistorischen Höhlenbewohner gehörten Linien, Kratzer und Handabdrücke. Unsere beste Deutung ist, dass sie symbolisch waren. Macht sie das zu den ersten Beispielen von abstrakter Kunst ? Vielleicht. Aber selbst die gegenständlichen Bilder, die unsere alten Vorfahren hinterließen, sind nicht gerade fotorealistisch. Was in unseren Analysen fehlt, ist das Verständnis der Absicht unserer frühesten Künstler. Wenn wir von abstrakter Kunst sprechen, meinen wir Kunst, die ausdrücklich als abstrakt gedacht war. Da wir nicht wissen können, was prähistorische Künstler mit ihren Bildern ausdrücken wollten, können wir nicht beurteilen, ob sie abstrakt waren oder überhaupt Kunst. Es könnte auch praktische Zwecke gehabt haben, so viel wissen wir. Also springen wir weit vorwärts, zu einer besser dokumentierten Zeit, in der die Absichten der Künstler klarer waren.

Henri Matisse - Frau mit Hut, 1905, Öl auf Leinwand, 80,5 × 59,7 cm, © Nachlass H. Matisse / Artists Rights Society (ARS), New York

Vor den frühen 1800er Jahren kann man mit Sicherheit sagen, dass die überwiegende Mehrheit der Künstler die meiste Zeit nicht die Freiheit hatte zu entscheiden, was sie schaffen wollten. Die meisten Künstler vor der Romantik waren auf die Unterstützung religiöser Einrichtungen oder anderer autoritärer Mächte angewiesen, um zu überleben. Könige und Geistliche bestimmten daher die Themen der meisten Werke dieser Künstler. Als dieses Patronagesystem zurückging, eröffneten sich den Künstlern andere Überlebensmöglichkeiten. Ein Galeriesystem entstand; unabhängige Kunsthändler begannen, die Werke von Künstlern zu vertreten; wohlhabende Einzelpersonen und private Institutionen unterstützten Künstler und sammelten ihre Werke. Zum ersten Mal hatten Künstler die Möglichkeit, selbst die Frage zu beantworten: „Was will ich schaffen?“ Unmittelbar folgte die nächste unvermeidliche Frage: „Warum will ich es schaffen?“ Die Antwort auf diese Frage ist eine Hauptursache für den späteren Aufstieg der abstrakten Kunst und vielleicht das dauerhaftste Konzept der Romantik; von vielen Denkern der Zeit ausgedrückt und von den Franzosen mit dem Satz „L'art pour l'art.“ Kunst um der Kunst willen. Oder wie der Schriftsteller Edgar Allan Poe 1850 formulierte: „…würden wir uns nur erlauben, in unsere eigenen Seelen zu blicken, würden wir sofort entdecken, dass unter der Sonne kein Werk existiert oder existieren kann, das würdiger, erhabener ist als dieses Gedicht… geschrieben allein um des Gedichts willen.“

Andre Derain - Die trocknenden Segel, 1905, Öl auf Leinwand, 82 x 101 cm, © Puschkin-Museum, Moskau

Erste Eindrücke

Als Künstler von den Zwängen vorgegebener Themen befreit wurden, begannen sie auch, sich von anderen Zwängen zu lösen. Von etwa den 1850er bis zu den 1870er Jahren ermöglichte die Ästhetische Bewegung den Künstlern, Kunst rein aus ästhetischen Gründen zu schaffen, statt sich auf Themen aus Kultur, Gesellschaft und Politik zu konzentrieren. Dann kamen die Impressionisten, Pariser Künstler, die Werke schufen, die sich stark auf die Darstellung der Lichtqualitäten konzentrierten und damit eine Destillation der einzelnen ästhetischen Elemente eines Kunstwerks einleiteten. In den 1880er Jahren entwickelte der Maler Georges Seurat eine Technik, ein Bild vollständig aus kleinen Punkten zu konstruieren. Diese Technik, bekannt als Pointillismus, erzeugte verzerrte, aber gegenständliche Bilder. Pointillismus trug zum Aufstieg experimenteller Pinselstriche und Kompositionstechniken bei, die eine Tendenz zur Abstraktion andeuteten. Dieser Trend wurde während der Postimpressionistenzeit weitergeführt, als Künstler begannen, mit Symbolik und dem willkürlichen Einsatz von Farbe, Form und Linie zu experimentieren.

Alles ist subjektiv

In den 1900er Jahren trugen die Expressionisten mit ihrem Fokus auf Subjektivität zur Tendenz zur reinen Abstraktion bei. Durch die dramatische Verzerrung ihrer Bilder versuchten sie, eine tief persönliche Sichtweise darzustellen, die mehr Emotion als physische Wirklichkeit repräsentierte. In dieser Zeit entstand auch die Fauvismus-Bewegung, Maler, die sich fast ausschließlich auf lebendige Farben und malerische Markierungen konzentrierten. Für die Fauves war das Thema zweitrangig gegenüber den ästhetischen Bestandteilen des Werks. Zu diesem Zeitpunkt war das Entstehen reiner Abstraktion unvermeidlich. Überall arbeiteten Künstler mit symbolischen Darstellungen der Wirklichkeit und bemühten sich, Ideen und Gefühle auf eine Weise auszudrücken, die nichts mit dem Thema zu tun hatte. Sie abstrahierten per Definition. Aber wer war der Erste, der es schaffte, ein rein abstraktes Gemälde zu schaffen?

Hans Hofmann - Aufgehender Mond, 1965, Öl auf Leinwand, Privatsammlung, Art Resource, NY / Hofmann, Hans (1880-1966) © ARS, NY

Wer ist der wahre erste Abstrakte? Bitte melden!

Fast alle Kunsthistoriker sind sich einig, dass das erste abstrakte Gemälde Wassily Kandinskys Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) aus dem Jahr 1910 war. Es besteht aus lebhaft gefärbten Flecken, Kreisen, Linien, Kringeln und Farbflächen, die scheinbar zufällig zusammengesetzt sind und keinerlei Bezug zu vorbestehenden visuellen Elementen der physischen Welt haben. Verschwörerisch könnten wir, nur zum Spaß, vermuten, dass Kandinskys Ohne Titel (Erstes abstraktes Aquarell) nicht das erste rein abstrakte Gemälde war. Ein Jahr zuvor, 1909, malte der französische Avantgarde-Maler Francis Picabia Caoutchouc, ein proto-kubistisches Werk mit unkenntlichen geometrischen Formen, die von scheinbar nicht zusammenhängenden Farbflächen umgeben sind. Dieses Werk scheint in keiner Weise objektive visuelle Wirklichkeit darzustellen. Allerdings bedeutet das Wort Caoutchouc lose „Naturkautschuk-Saft“, eine Anspielung auf das Rohmaterial zur Herstellung von Vulkanisierkautschuk. Da wir die visuellen Elemente von unvulkanisiertem Kautschuk nie analysiert haben, können wir nicht sagen, ob dieses Gemälde gegenständlich ist. Wer weiß? Was wir wissen, ist, dass Kandinsky ein begeisterter Kunsttheoretiker und produktiver Kunstschriftsteller war. Er schrieb begeistert über sein Bestreben, das weltweit erste rein abstrakte Kunstwerk zu schaffen. Er sprach offen über seine Absicht, der Begründer der abstrakten Kunst zu werden, und seinen Erfolg dabei. Niemand kann bestreiten, dass es seine Absicht war, der Erste zu sein, unabhängig davon, ob ihm jemand zuvor versehentlich zuvorgekommen ist.

Hans Hofmann - Veluti in Speculum, 1962, Öl auf Leinwand, 216,5 x 186,7 cm, © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York

Was Kandinsky definitiv bewirkt hat

Indem Kandinsky offen seine Absicht verkündete, reine abstrakte Kunst zu schaffen, befreite er Künstler von ihrer Abhängigkeit von Bezügen zur sichtbaren Welt. Er löste die Kunst von ihrer früheren Logik. Er öffnete das Feld für tiefgreifende und schnelle Experimente. Er brachte das Versprechen der Romantiker zur Reife, dass, wie Caspar David Friedrich, der deutsche Romantiker, sagte: „Das Gefühl des Künstlers ist sein Gesetz.“

Wassily Kandinsky - Komposition IV, 1911, Öl auf Leinwand, 250,5 x 159,5 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Deutschland

Die Welt im Krieg

In den folgenden Jahrzehnten experimentierten Künstler wild mit Abstraktion. Viele neue Stilrichtungen entstanden, beeinflusst vom Ruf der Abstraktion nach Freiheit und auch von den Schrecken des Ersten Weltkriegs und dem Aufstieg des Maschinenzeitalters. Der Kubismus beeinflusste Künstler, ihre Bildsprache auf die grundlegendsten Bausteine zu reduzieren. Der Futurismus zeigte die Lebendigkeit und Kraft der Linie. Dadaismus stellte die Bedeutung von Kunst infrage und bekräftigte die Freiheit der Kunst und ihre Ablehnung des Bürgertums. In den 1920er Jahren öffnete der Surrealismus den Künstlern den Geist für die Kraft des Unterbewusstseins. Mit seinem Fokus auf traumhafte Bilder und der Ablehnung bewusster Logik beeinflusste er abstrakte Künstler tiefgreifend, mehr mit Techniken, Materialien und Methoden zu experimentieren, die sie direkter mit ihrem Unbewussten verbinden könnten.

Wassily Kandinsky - Komposition 6, 1913, Öl auf Leinwand, 194 × 294 cm, © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Erich Lessing / Art Resource, NY

Mach es neu!

In den 1930er Jahren wird dem in Deutschland geborenen amerikanischen Maler Hans Hofmann zugeschrieben, die wesentlichen Philosophien dessen, was als Modernismus bekannt wurde, nach Amerika gebracht zu haben – die jüngste Ablehnung der Methoden und Formen der Vergangenheit. Hofmann selbst war abstrakter Maler und ermutigte seine Schüler von Kalifornien bis New York, neue Bildgestaltungsmethoden zu übernehmen, um Wege zu finden, die Ängste und Wunder der sich rasch industrialisierenden Gesellschaft auszudrücken. 1934 fasste der Dichter Ezra Pound die Haltung der Modernisten mit seinem heute berühmten Aufruf an Künstler zusammen: „Mach es neu!“ Pound war eine umstrittene Figur, die letztlich nach Italien zog und dort führende faschistische Persönlichkeiten des Zweiten Weltkriegs unterstützte. Dennoch nahm seine begeisterte Ablehnung des Alten in den Köpfen abstrakter Künstler Wurzeln und führte zu tiefgreifenden Veränderungen am nahen Horizont.

Wassily Kandinsky - Schwarzer Fleck I (Detail), 1912, Öl auf Leinwand, 100,0 × 130,0 cm, Russisches Museum, Sankt Petersburg, Russland

Eine neue Reinheit

Nach zwei Weltkriegen, einer weltweiten Depression, Hungersnöten, Gräueltaten und zwei Atombombenangriffen auf bewohnte Städte kann die Angst, die der durchschnittliche Mensch Mitte der 1940er Jahre erlebte, kaum überschätzt werden. Diese Angst führte zu einem neuen und weit verbreiteten Interesse an dem noch jungen Gebiet der Psychoanalyse. Unter den vielen Millionen Menschen, die sich damals der Psychoanalyse zuwandten, war auch Jackson Pollock , eines der führenden Mitglieder einer Künstlergruppe, die als Abstrakte Expressionisten bekannt ist. Pollock kam während seiner Entziehungskur mit Psychoanalyse in Berührung. Sie öffnete seinen Geist für die Urwissen, das in seinem Unterbewusstsein verborgen lag. Viele seiner Zeitgenossen suchten neue Wege, um sich mit dem verborgenen Wesen ihrer Menschlichkeit zu verbinden und rohe, ursprüngliche Emotionen durch ihre Gemälde auszudrücken. Pollock suchte nach verborgenen Bildern, in der Hoffnung, etwas Tiefes in sich selbst zu erreichen, etwas Reineres, als es die abstrakte Kunst bisher ausgedrückt hatte. Um 1947 entwickelte Pollock seine heute ikonische Tropftechnik. Diese Technik bestand darin, Farbe mit Kräften wie Schwerkraft und Schwung auf eine Oberfläche aufzutragen, anstatt durch direkten Kontakt von Werkzeugen mit der Leinwand. Indem er diese neue körperliche Ebene annahm und jegliche erkennbare Form vollständig ablehnte, betrat Pollock ein neues Reich reiner Abstraktion, das ganz auf unterbewusster Absicht, Farbe, Bewegung, Kraft und Energie basierte.

Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Aquarell, Tusche und Bleistift auf Papier, 49,6 × 64,8 cm, Paris, Centre Georges Pompidou

Das Ende des Anfangs

Pollocks Werk erfüllte in vielerlei Hinsicht das Versprechen der Abstraktion: die völlige Befreiung des Künstlers von den Zwängen ästhetischer Erwartungen. Vielleicht führte sein Schaffen auch zum logischen Ende der Abstraktion. Pollock rückte die Bedeutung von Struktur, Materialität, Prozess und die Vorstellung, ein Kunstwerk nicht als Oberfläche zur Darstellung von Kunst zu sehen, sondern als eine einheitliche Form, scharf in den Fokus. Obwohl diese Konzepte in Pollocks Werk nur in einem ursprünglichen Sinn reflektiert sind, sind sie integraler Bestandteil der Arbeit der Minimalisten , die die abstrakten Expressionisten als einflussreichste Künstler der 1960er Jahre ablösten. Wie Kandinsky war auch das führende Mitglied der Minimalistenbewegung, Donald Clarence Judd, ein begeisterter Kunsttheoretiker und Schriftsteller. Obwohl er das Label Minimalist ablehnte, wurde Judd zum Vertreter der Idee, die Bildsprache zu reduzieren und die Konzepte von Form und Raum zu reinigen. Anstatt erkennbare visuelle Bezüge und objektive Wirklichkeit abzulehnen, konzentrierten sich Minimalisten wie Judd, Sol LeWitt, Barcio und Frank Stella auf Form, die Verwendung lebendiger und reiner Farben, klare Linien, minimale Struktur und moderne Materialität. Anstatt die Wirklichkeit zu abstrahieren, manifestierten die Minimalisten die Formen, Farben, Gestalten und Linien, die oft in der abstrakten Kunst erforscht werden, und brachten sie auf repräsentative Weise in den physischen Raum.

Jackson Pollock - Konvergenz, 1952, Albright-Knox Kunstgalerie, Buffalo, NY, USA

Das Neue Neue

Die Geschichte der abstrakten Kunst ist die Geschichte der Suche der Künstler nach Freiheit. Was das heute bedeutet, ist, dass Künstler frei sind, sich auf jede Weise auszudrücken, die sie wählen, und jede Methode zu erforschen, die sie antreibt. Die Schönheit des heutigen offenen Stils liegt darin, dass ein Künstler jeden Stil, jedes Material oder jede Methode verwenden kann, die am besten zur Verwirklichung einer Idee passt. Obwohl der Minimalismus die abstrakte Kunst in den 1970er Jahren an den Rand gedrängt haben mag, ist die Abstraktion wieder in den Mittelpunkt vieler Künstlerpraktiken gerückt. Zeitgenössische abstrakte Maler profitieren von der aufgeschlossenen Haltung ihrer Vorgänger. Abstraktion verbindet uns weiterhin mit etwas, das die objektive Wirklichkeit nicht erklären kann; etwas Tiefem in uns, das über die sichtbare Wirklichkeit hinausgeht.

Titelbild: Wassily Kandinsky - Kandinskys erstes abstraktes Aquarell, 1910, Foto via Wikipedia

Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung

Von Phillip Barcio