Der Einfluss der abstrakten Kunst auf modernes und zeitgenössisches Design

Abstrakte Kunstentwürfe sind überall zu finden, in Mode, Möbeln, Architektur, Werbung und so gut wie jedem anderen Produkt zeitgenössischen Designs. Ob es sich um eine Schuhkollektion handelt, die von Op Art inspiriert ist, Champagnergläser, die von einer Dan Flavin-Installation inspiriert sind, oder um Bühnenbild in einem Hip-Hop-Video, das von James Turrell beeinflusst wurde – es ist nur die neueste Ausprägung einer uralten Neigung: Designer, die von Kunst beeinflusst sind. Darauf basierte das Bauhaus; eine Gesamtkunst, die alle ästhetischen Erscheinungen umfasste. Und deshalb ist abstrakte Kunst die Grundlage so vieler Designs in der heutigen Kultur.

Abstrakte Kunst und Design bauten die Welt neu auf

Nach dem Zweiten Weltkrieg brauchte die Menschheit Designer in einem noch nie dagewesenen Ausmaß. Ein großer Teil Europas, Asiens und des Mittelmeerraums musste nach der fast völligen Zerstörung durch Bomben wieder aufgebaut werden. Und es waren nicht nur die Gebäude und Straßen, die Hilfe benötigten. Eine von Jahren der Depression, Hungersnot und Krieg erschütterte Bevölkerung brauchte alles neu: Wohnungen, Kleidung, Verkehrsmittel, Werkzeuge, Möbel, öffentliche Versammlungsorte, Telekommunikationsgeräte und vieles mehr.

Die industrielle Leistungsfähigkeit der Welt war dank der Mobilmachung für den Krieg auf einem Höchststand, und die angewandten Künstler der Gesellschaft fanden beispiellose Möglichkeiten, das zu gestalten, was die neue Welt werden sollte, und halfen, die Kultur vom Abgrund zurückzuholen. Angewandte Künstler wie Architekten, Möbeldesigner, Modedesigner, Automobildesigner und Industriedesigner stürzten sich kopfüber in die Praxis und schufen Produkte, die effizient in großer Stückzahl hergestellt werden konnten und die breitestmögliche Verbraucherschicht ansprachen.

Charles und Ray Eames - Case Study House Nr. 8

Die Yin-Yang-Theorie in der Praxis

Die vorherrschenden abstrakten Künstler jener Zeit bemühten sich ebenfalls, das Geschehene in der Welt zu erfassen. Doch anstatt die Gesellschaft wieder aufzubauen, was normalerweise nicht zum Bereich der bildenden Kunst gezählt wird, arbeiteten sie daran, sie in einen Zusammenhang zu stellen. Die abstrakten Künstler der Nachkriegszeit versuchten, etwas Wesentliches über sich selbst zu verstehen. Sie stellten sich dem Unbekannten, dem Unterbewussten und den tief persönlichen Aspekten ihrer Menschlichkeit.

Man kann es so sehen, dass ein Gleichgewicht gefunden wurde. Designer reagierten auf den Wahnsinn des Krieges mit Effizienz und Logik. Abstrakte Künstler antworteten mit Intuition und Gefühl. Diese sich ergänzenden Kräfte wirkten beide auf das Bewusstsein der Nachkriegsgesellschaft ein. Einerseits wurde die westliche Welt so nachdenklich und existenziell tiefgründig wie nie zuvor. Andererseits wurde sie materialistischer denn je.

Ugo Gianattasio - Ohne Titel, 1920

In der Nachkriegszeit waren zwei der einflussreichsten Designer Charles und Ray Eames, die Schöpfer des berühmten Eames-Stuhls. 1949 entwarfen und bauten sie ihr Case Study House Nr. 8, das sie als Wohn- und Atelierhaus nutzten. Das Gebäude galt damals als Höhepunkt zeitgenössischen architektonischen Designs. Laut der Eames-Stiftung war das Design Teil eines Projekts, das „das Leben des Menschen in der modernen Welt ausdrücken“ sollte. Das Haus sah aus wie ein Gemälde von Piet Mondrian aus etwa dreißig Jahren zuvor. Mondrian starb 1944. In New York City war 1950 eines der herausragenden architektonischen Werke ein preisgekratzter Wolkenkratzer, bekannt als Lever House. Als Meisterwerk moderner Architektur gefeiert, zeichnete es sich durch klare Linien, die Verwendung von Stahl und Glas, eine höchst funktionale Raumnutzung und völligen Verzicht auf Schmuck aus und war ein herausragendes Beispiel für modernistische Architektur. Es spiegelte perfekt die ästhetischen Anliegen des russischen Konstruktivismus der 1920er Jahre wider.

Lever House, New York City

Die größte Neuerung im Automobildesign im Jahr 1950 war die Erfindung des Hardtop-Cabrios. Was könnte sinnvoller sein? Es ist der Höhepunkt von Funktionalität und Stil, nutzt billige, neue, leichte Materialien und eine wachsende Verbrauchernachfrage nach Auswahlmöglichkeiten. Und das schlanke Design der Autos war wirklich futuristisch, fast genauso futuristisch wie der italienische Futurismus der 1920er Jahre.

1950 Chrysler Town & Country

Hat abstrakte Kunst das moderne Design beeinflusst? Absolut. Piet Mondrians De-Stijl-Ästhetik hatte offensichtlich einen tiefgreifenden Einfluss auf das Haus der Eames, es war nur wenige Jahrzehnte nach der Einführung des Neoplastizismus. Das Lever House war der perfekte konstruktivistische Wolkenkratzer; es entstand nur wenige Jahrzehnte nach der Einführung der konstruktivistischen Architektur. Und Hardtop-Cabrios waren tatsächlich die Autos der Zukunft; die Zukunft der 1920er und die Zukunft der 1950er Jahre.

Was in der abstrakten Kunst der 1950er Jahre geschah, war Folgendes: In jenem Jahr malte Jackson Pollock „Nummer 1, 1950“ und Franz Kline „The Chief“.

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavendelnebel), 1950, Öl, Emaille und Aluminium auf Leinwand, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Der abstrakte Expressionismus in der Architektur

Mit dem raschen Fortschritt der Telekommunikation wuchs auch die Geschwindigkeit, mit der abstrakte Kunst das Design beeinflussen konnte. Statt 30 Jahre dauerte es nur etwa 10 Jahre, bis der abstrakte Expressionismus seine Spuren in der Designwelt hinterließ. Die Ästhetik und Philosophie des abstrakten Expressionismus entstand durch die Verbreitung des gesamten Kunstschaffensprozesses. Es war eine Rückkehr zur Intuition, zu den urzeitlichen Ursprüngen unterbewusster Einflüsse. Es war die Erfüllung des ultimativen Ziels der Abstraktion: die Entdeckung von Originalität und der wahren Ausdruck der Essenz des einzigartigen Individuums.

Die Philosophie des abstrakten Expressionismus manifestierte sich in der Architektur in Form des Dekonstruktivismus. Der Dekonstruktivismus strebte ein Element der Unvorhersehbarkeit an. Anstatt sich an funktionale Formen ohne Schmuck zu halten, suchten dekonstruktivistische Architekten nach originellen Formen, die bewusst ornamentale Gestaltungselemente nutzten. Viele dekonstruktivistische Architekten entwarfen Gebäude, die selbst wie zersplittert wirkten, als wären sie in Abschnitte zerlegt. Andere entwarfen Gebäude, die die gestische Ästhetik der abstrakten expressionistischen Kunst nachahmten. Obwohl der Stil Ende der 1950er Jahre entstand, wird er bis heute genutzt. Sein bekanntester Vertreter ist wohl Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

Mitte der 1960er Jahre ahmten Designtrends fast sofort die Trends der abstrakten Kunst nach, besonders in der Modegestaltung. Bridget Riley malte 1961 ihr wegweisendes Op-Art-Werk Movement in Squares. Das Time-Magazin prägte 1964 den Begriff „Op Art“ als Reaktion auf eine Ausstellung von Julian Stanczaks Werken in der Martha Jackson Gallery in New York. 1965 war der Stil so fest in der Populärkultur verankert, dass er in einer Fotostrecke im Vogue-Magazin erwähnt wurde.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Mit freundlicher Genehmigung von Karsten Schubert, London

Minimale Einflüsse

In den 1970er Jahren war Minimalismus einer der vorherrschenden Stile der abstrakten Kunst, und eine der einflussreichsten Stimmen des Minimalismus war ein Künstler namens Donald Judd. Judd und seine Zeitgenossen wollten Werke schaffen, die sich grundlegend von den Arbeiten früherer Abstraktionisten unterschieden, besonders von den abstrakten Expressionisten. Der Minimalismus eliminierte persönliche biografische Elemente aus den Werken und suchte vereinfachte Formen und eine reduzierte Bildsprache.

Was Judd zu einer faszinierenden Persönlichkeit macht, ist, dass er nicht nur minimalistischer Künstler war, sondern auch Architekt und Möbeldesigner. Als Verfechter sowohl der bildenden Kunst als auch der angewandten Künste konnte er seine Konzepte gleichzeitig in den verschiedenen Bereichen umsetzen, in denen er tätig war. In gewisser Weise war Judd die Verkörperung der Ideale des Bauhauses oder des Jugendstils, die beide eine gleichzeitige Ausdrucksform aller Künste betonten, die gemeinsam an denselben Ideen arbeiteten.

Donald Judd - Prototyp-Schreibtisch, 1978. LACMA-Sammlung. Geschenk des Collectors Committee 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd war auch ein eifriger Schriftsteller und Theoretiker und sagte Folgendes über den Unterschied zwischen bildender Kunst und angewandter Kunst: „Die Gestaltung und der Maßstab von Kunst können nicht auf Möbel und Architektur übertragen werden. Die Absicht der Kunst ist anders als die der letzteren, die funktional sein muss. Wenn ein Stuhl oder ein Gebäude nicht funktional ist, wenn es nur wie Kunst erscheint, ist es lächerlich...“ Diese Philosophie zeigt sich in den unterschiedlichen Werken, die er schuf.

Donald Judd - Ohne Titel, 1971

Form gegen Funktion

Der wesentliche Unterschied zwischen abstrakter Kunst und Design besteht darin, dass abstrakte Kunst, wie alle bildenden Künste, auf einer nachdenklichen Ebene erlebt wird. Sie kann intellektuell, gefühlsmäßig, inspirierend oder ästhetisch schön sein. Sie soll uns zum Nachdenken, Fühlen, Überlegen, Weiterentwickeln und Staunen über die Bedeutung unserer Erfahrungen anregen. Die Funktion des Designs ist eine ganz andere. Es ist eine Möglichkeit, die Nützlichkeit oder den Genuss von Gebrauchsgegenständen zu erhöhen. Design muss eine Funktion erfüllen, sonst ist es, wie Judd sagte, absurd.

Der tiefgreifende Einfluss abstrakter Kunstströmungen wie abstrakter Expressionismus, Op Art, Neoplastizismus und Minimalismus auf alle angewandten Künste, von Modedesign über Möbeldesign bis hin zu Architektur und darüber hinaus, kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Und glücklicherweise leben wir heute in einer Zeit, in der wir schnell auf die Geschichte sowohl der abstrakten Kunst als auch des Designs zugreifen und selbst die tiefgreifenden Auswirkungen der Ästhetik und Philosophie der abstrakten Kunst auf Designströmungen erkennen können.

Interessanterweise leben wir auch in einer Zeit, in der wir diese Wirkungen unmittelbar beobachten können. Eine abstrakte Malerin kann ein Foto ihres neuen Gemäldes auf Instagram hochladen, und Sekunden später kann ein Modedesigner in Mailand dieses Bild als Inspiration für seine neue Frühlingskollektion nutzen. Oder umgekehrt. Ein Modedesigner kann ein Bild eines neuen Kleides hochladen, das einen abstrakten Künstler tief berührt, der dann neue Wege in der abstrakten Kunst beschreitet. Heute kann alles alles beeinflussen, während unsere Kultur fröhlich voranschreitet, um dem Neuen zu begegnen.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio