Der Einfluss der abstrakten Kunst auf modernes und zeitgenössisches Design

Abstrakte Kunstdesigns sind überall zu finden, in Mode, Möbeln, Architektur, Werbung und fast jedem anderen Produkt des zeitgenössischen Designs. Ob es sich um eine Schuhkollektion handelt, die von Op Art inspiriert ist, um Champagnerflöten, die von einer Dan Flavin-Installation inspiriert sind, oder um die Set-Dekoration eines Hip-Hop-Videos, das von James Turrell inspiriert ist, es ist nur die neueste Manifestation einer alten Tendenz: Designer, die von Kunst beeinflusst sind. Darauf basierte das Bauhaus; eine Gesamtkunst, die alle ästhetischen Phänomene umfasste. Und genau deshalb ist abstrakte Kunst das Fundament so vieler Designs in der heutigen Kultur.

Abstrakte Kunst und Design haben die Welt neu gestaltet

Nach dem Zweiten Weltkrieg benötigte die Menschheit Designer in einem Ausmaß, das größer war als je zuvor. Ein großer Teil Europas, Asiens und des Mittelmeers musste nach den nahezu vollständigen Zerstörungen durch Bombenangriffe wiederaufgebaut werden. Und es waren nicht nur die Gebäude und Stadtstraßen, die Hilfe benötigten. Eine von Jahren der Depression, Hungersnot und Krieg verwüstete Bevölkerung benötigte alles Neue: Wohnraum, Kleidung, Transportmittel, Werkzeuge, Möbel, öffentliche Versammlungsräume, Telekommunikationsgeräte und so weiter.

Die Industrialisierungskapazität der Welt erreichte dank der Mobilisierung für den Krieg einen historischen Höchststand, und die angewandten Künstler der Gesellschaft fanden beispiellose Möglichkeiten, das neu zu gestaltende Weltbild zu entwerfen und die Kultur vom Abgrund zurückzubringen. Angewandte Künstler wie Architekten, Möbeldesigner, Modedesigner, Automobildesigner und Industriedesigner stürzten sich kopfüber in die Praktikabilität und schufen Produkte, die effizient massenproduziert werden konnten und die größtmögliche Verbraucherbasis ansprechen.

Charles und Ray Eames - Case Study House Nr. 8

Die Yin-Yang-Theorie bei der Arbeit

Die vorherrschenden abstrakten Künstler der Zeit bemühten sich ebenfalls, zu verstehen, was mit der Welt geschehen war. Aber anstatt die Gesellschaft wieder aufzubauen, was normalerweise nicht als Teil der Bildenden Kunst betrachtet wird, arbeiteten sie daran, sie zu kontextualisieren. Nachkriegsabstrakte Künstler versuchten, etwas Wesentliches über sich selbst zu verstehen. Sie konfrontierten das Unbekannte, das Unterbewusste und die tief persönlichen Aspekte ihrer Menschlichkeit.

Eine Möglichkeit, es zu betrachten, ist, dass ein Gleichgewicht hergestellt wurde. Designer reagierten auf den Wahnsinn des Krieges mit Effizienz und Logik. Abstrakte Künstler reagierten darauf mit Intuition und Emotion. Diese komplementären Kräfte hatten beide ihren Einfluss auf das Bewusstsein der Nachkriegs-Gesellschaft. Einerseits wurde die westliche Welt so kontemplativ und existenziell tiefgründig wie nie zuvor. Andererseits wurde sie materialistischer denn je.

Ugo Gianattasio - Untitled, 1920

In der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg waren zwei der einflussreichsten Designer Charles und Ray Eames, die Schöpfer des berühmten Eames Chairs. 1949 entwarfen und bauten sie ihr Case Study House No. 8, das sie als Zuhause und Studio nutzten. Das Gebäude galt als das Höchste der zeitgenössischen architektonischen Gestaltung zu dieser Zeit. Laut der Eames Foundation war das Design Teil eines Projekts, das dazu gedacht war, „das Leben des Menschen in der modernen Welt auszudrücken“. Das Haus sah aus wie ein Piet Mondrian-Gemälde von etwa dreißig Jahren zuvor. Mondrian starb 1944. In New York City war 1950 eines der krönenden architektonischen Meisterwerke ein preisgekrönter Wolkenkratzer, bekannt als das Lever House. Als Meisterwerk der modernen Architektur gefeiert, machten seine klaren Linien, die Verwendung von Stahl und Glas, die äußerst funktionale Raumnutzung und das völlige Fehlen von Ornamenten es zu einem herausragenden Beispiel der Modernistischen Architektur. Es drückte perfekt die ästhetischen Anliegen des russischen Konstruktivismus der 1920er Jahre aus.

Lever House, New York City

Die größte Innovation im Automobildesign im Jahr 1950 war die Erfindung des Hardtop-Cabriolets. Was könnte mehr Sinn machen? Es ist der Höhepunkt von Funktionalität und Stil, nutzt günstige, neue, leichte Materialien und eine wachsende Verbrauchernachfrage nach Optionen. Und das schlanke Design der Autos war wirklich futuristisch, fast genau so futuristisch wie der italienische Futurismus der 1920er Jahre.

1950 Chrysler Town & Country

Hat abstrakte Kunst das moderne Design beeinflusst? Absolut. Piet Mondrian’s De Stijl-Ästhetik hatte offensichtlich einen tiefgreifenden Einfluss auf das Eames-Haus, es war nur Jahrzehnte nachdem Neoplastizismus eingeführt worden war. Das Lever House war der perfekte konstruktivistische Wolkenkratzer; es kam nur ein paar Jahrzehnte nachdem sich die konstruktivistische Architektur vorgestellt hatte. Und Hardtop-Cabriolets waren in der Tat die Autos der Zukunft; die Zukunft der 1920er Jahre und die Zukunft der 1950er Jahre.

Was in der abstrakten Kunst in den 1950er Jahren geschah, war Folgendes: Das war das Jahr, in dem Jackson Pollock "Nummer 1, 1950" malte und Franz Kline "Der Chef" malte.

Jackson Pollock - Nummer 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, Öl, Emaille und Aluminium auf Leinwand, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Der abstrakte Expressionismus der Architektur

Mit dem rasanten Fortschritt der Telekommunikation nahm auch die Geschwindigkeit zu, mit der abstrakte Kunst das Design beeinflussen konnte. Anstatt 30 Jahre benötigte der Abstract Expressionism nur etwa 10 Jahre, um seinen Einfluss auf die Welt des Designs geltend zu machen. Die Ästhetik und Philosophie hinter dem Abstract Expressionism entstanden durch eine Verbreitung des gesamten Prozesses der Kunstproduktion. Es war eine Rückkehr zur Intuition, zu den urtümlichen Ursprüngen der unbewussten Einflüsse. Es war die Erfüllung des ultimativen Ziels der Abstraktion: die Entdeckung von Originalität und den wahren Ausdruck des Wesens des einzigartigen Individuums.

Die Philosophie des Abstract Expressionism manifestierte sich in der Architektur in Form des Dekonstruktivismus. Der Dekonstruktivismus strebte an, ein Element der Unvorhersehbarkeit zu erreichen. Anstatt sich an funktionale Formen zu halten, die an Ornamentik mangelten, suchten dekonstruktivistische Architekten nach originellen Formen, die offen ornamentale Designelemente verwendeten. Viele dekonstruktivistische Architekten entwarfen Gebäude, die selbst dekonstruiert aussahen, als wären sie in Abschnitte fragmentiert. Andere entwarfen Gebäude, die die gestischen Ästhetiken der Abstract Expressionist Kunst nachahmten. Obwohl er Ende der 1950er Jahre initiiert wurde, wird der Stil bis heute genutzt. Sein wahrscheinlich bekanntester Vertreter ist Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim Bilbao

Bis Mitte der 1960er Jahre ahmten Designtrends fast sofort die Trends der abstrakten Kunst nach, insbesondere im Modedesign. Bridget Riley malte ihr wegweisendes Op-Art-Werk, Movement in Squares, im Jahr 1961. Das Time Magazine prägte 1964 den Begriff „Op Art“ als Reaktion auf eine Ausstellung von Julian Stanczaks Arbeiten in der Martha Jackson Gallery in New York. 1965 war der Stil so vollständig in der Popkultur umgesetzt, dass er in einem Fotostrecke in der Vogue Magazine erwähnt wurde.

Bridget Riley - Bewegung in Quadraten, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Mit freundlicher Genehmigung von Karsten Schubert, London

Minimale Einflüsse

In den 1970er Jahren war einer der vorherrschenden Stile der abstrakten Kunst der Minimalismus, und eine der einflussreichsten Stimmen des Minimalismus war ein Künstler namens Donald Judd. Judd und seine Zeitgenossen strebten danach, Werke zu schaffen, die grundlegend anders waren als die Werke früherer Abstraktionisten, insbesondere der Abstract Expressionists. Der Minimalismus beseitigte persönliche biografische Elemente aus den Arbeiten und strebte nach vereinfachten Formen und einer reduzierten visuellen Sprache.

Was Judd zu einem faszinierenden Studienobjekt macht, ist, dass er nicht nur ein Minimalistischer Künstler war, sondern auch ein Architekt und Möbeldesigner. Als Befürworter sowohl der bildenden Kunst als auch der angewandten Künste war er in der Lage, seine Konzepte gleichzeitig in den verschiedenen Bereichen, in denen er arbeitete, zu manifestieren. In gewisser Weise war Judd die Personifizierung der Ideale des Bauhauses oder des Jugendstils, die beide eine gleichzeitige Ausdrucksform aller Künste betonten, die an denselben Ideen zusammenarbeiteten.

Donald Judd - Prototyp Schreibtisch, 1978. LACMA Sammlung. Geschenk des Collectors Committee 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd war auch ein begeisterter Schriftsteller und Theoretiker und hatte Folgendes über den Unterschied zwischen den schönen Künsten und den angewandten Künsten zu sagen: „Die Konfiguration und der Maßstab der Kunst können nicht in Möbel und Architektur übertragen werden. Die Absicht der Kunst ist anders als die der letzteren, die funktional sein muss. Wenn ein Stuhl oder ein Gebäude nicht funktional ist, wenn es nur wie Kunst erscheint, ist es lächerlich...” Diese Philosophie ist in den verschiedenen Arbeiten, die er gemacht hat, offensichtlich.

Donald Judd - Untitled, 1971

Form vs. Funktion

Der wesentliche Unterschied zwischen abstrakter Kunst und Design besteht darin, dass abstrakte Kunst, wie alle bildende Kunst, etwas ist, das auf einer kontemplativen Ebene erlebt werden soll. Sie kann intellektuell, viszeral, inspirierend oder ästhetisch schön sein. Sie soll uns zum Nachdenken, Fühlen, Überlegen, Entwickeln und Staunen über die Bedeutung unserer Erfahrungen anregen. Die Funktion des Designs ist ganz anders. Es ist eine Möglichkeit, die Nützlichkeit oder den Genuss von Konsumgütern zu erhöhen. Design muss eine Funktion erfüllen, sonst ist es, wie Judd sagte, absurd.

Der tiefgreifende Einfluss abstrakter Kunstströmungen wie Abstract Expressionism, Op Art, Neoplastizismus und Minimalismus auf alle angewandten Künste, von Modedesign über Möbeldesign bis hin zu Architektur und darüber hinaus, kann nicht übertrieben werden. Und glücklicherweise leben wir heute in einer Zeit, in der wir schnell auf die Geschichte sowohl der abstrakten Kunst als auch des Designs zugreifen können und selbst die tiefgreifenden Auswirkungen der Ästhetik und Philosophie der abstrakten Kunst auf die Designströmungen sehen können.

Interessanterweise leben wir auch in einer Zeit, in der wir sehen können, wie sich diese Effekte unmittelbar auswirken. Eine abstrakte Malerin kann ein Foto ihres neuen Gemäldes auf Instagram hochladen und Sekunden später kann ein Modedesigner in Mailand dieses Bild als Inspiration für seine neue Frühlingskollektion verwenden. Oder umgekehrt. Ein Modedesigner kann ein Bild eines neuen Kleides hochladen, und es kann eine unmittelbare Wirkung auf einen abstrakten Künstler haben, der dann möglicherweise in neue Bereiche der abstrakten Kunst vordringt. Heute kann alles alles andere beeinflussen, während unsere Kultur fröhlich voranschreitet, um das Neue zu treffen.

Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio