Der Einfluss der abstrakten Kunst auf modernes und zeitgenössisches Design

Abstrakte Kunstentwürfe finden sich überall: in Mode, Möbeln, Architektur, Werbung und praktisch jedem anderen Produkt zeitgenössischen Designs. Ob eine von Op Art inspirierte Schuhkollektion, Sektgläser, die von einer Installation von Dan Flavin inspiriert sind, oder die Szenenausstattung eines Hip-Hop-Videos, die von James Turrell inspiriert wurde - all dies ist nur die jüngste Ausprägung einer uralten Tendenz: Designer lassen sich von Kunst beeinflussen. Darauf basierte das Bauhaus: auf einer Gesamtkunst, die alle ästhetischen Phänomene umfasste. Und deshalb bildet abstrakte Kunst die Grundlage für so viel Design in der heutigen Kultur.

Abstrakte Kunst und Design bauten die Welt neu auf

Nach dem Zweiten Weltkrieg brauchte die Menschheit Designer in einem größeren Maßstab als je zuvor. Große Teile Europas, Asiens und des Mittelmeerraums mussten wiederaufgebaut werden, nachdem sie praktisch in Schutt und Asche gebombt worden waren. Und nicht nur Gebäude und Straßen benötigten Hilfe. Eine Bevölkerung, die durch Jahre der Depression, Hungersnot und des Krieges verwüstet worden war, brauchte alles neu: Wohnraum, Kleidung, Transportmittel, Werkzeuge, Möbel, öffentliche Versammlungsorte, Telekommunikationsgeräte und vieles mehr.

Dank der Mobilisierung für den Krieg war die Industrialisierungskapazität der Welt so groß wie nie zuvor, und die angewandten Künstler der Gesellschaft erhielten beispiellose Möglichkeiten, die neue Welt neu zu gestalten und dabei zu helfen, die Kultur vom Abgrund zurückzuholen. Angewandte Künstler wie Architekten, Möbeldesigner, Modedesigner, Automobildesigner und Industriedesigner stürzten sich kopfüber in die Zweckmäßigkeit. Sie entwickelten Produkte, die effizient in Massenproduktion hergestellt werden konnten und die größtmögliche Verbraucherbasis ansprachen.

Charles und Ray Eames - Case Study House Nr. 8

Die Yin-Yang-Theorie in der Praxis

Auch die maßgeblichen abstrakten Künstler dieser Zeit bemühten sich, zu erfassen, was mit der Welt geschehen war. Doch statt die Gesellschaft wiederaufzubauen - was normalerweise nicht zum Bereich der bildenden Kunst zählt - arbeiteten sie daran, sie in einen Kontext zu setzen. Abstrakte Künstler der Nachkriegszeit versuchten, etwas zu verstehen, das ihrem eigenen Wesen innewohnte. Sie setzten sich mit dem Unbekannten, dem Unterbewusstsein und den zutiefst persönlichen Aspekten ihrer Menschlichkeit auseinander.

Man kann es so betrachten, dass ein Gleichgewicht hergestellt wurde. Designer reagierten auf den Wahnsinn des Krieges mit Effizienz und Logik. Abstrakte Künstler reagierten mit Intuition und Gefühl. Beide einander ergänzenden Kräfte beeinflussten das Bewusstsein der Nachkriegsgesellschaft. Einerseits wurde die westliche Welt so kontemplativ und existenziell tiefgründig wie nie zuvor. Andererseits wurde sie so materialistisch wie nie zuvor.

Ugo Gianattasio - Ohne Titel, 1920

In der Zeit nach dem Zweiten Weltkrieg gehörten Charles und Ray Eames, die Schöpfer des berühmten Eames Chair, zu den einflussreichsten Designern. 1949 entwarfen und bauten sie ihr Case Study House Nr. 8, das sie als Wohnhaus und Atelier nutzten. Das Gebäude galt damals als Höhepunkt zeitgenössischer Architektur. Laut der Eames Foundation war der Entwurf Teil eines Projekts, das dazu dienen sollte, „das Leben des Menschen in der modernen Welt auszudrücken“. Das Haus sah aus wie ein etwa dreißig Jahre früher entstandenes Gemälde von Piet Mondrian. Mondrian starb 1944. In New York City entstand 1950 mit dem preisgekrönten Wolkenkratzer Lever House eine der herausragenden architektonischen Leistungen. Als Meisterwerk moderner Architektur gefeiert, machten seine klaren Linien, die Verwendung von Stahl und Glas, die äußerst funktionale Raumnutzung und das völlige Fehlen von Ornamenten es zu einem herausragenden Beispiel modernistischer Architektur. Es brachte die ästhetischen Anliegen des russischen Konstruktivismus der 1920er-Jahre vollkommen zum Ausdruck.

Lever House, New York City

Die größte Innovation im Automobildesign des Jahres 1950 war die Erfindung des Hardtop-Cabrios. Was hätte sinnvoller sein können? Es vereinte höchste Funktionalität und Stil, nutzte günstige, neue, leichte Materialien und entsprach der wachsenden Nachfrage der Verbraucher nach Auswahlmöglichkeiten. Und das elegante Design der Fahrzeuge war wahrhaft futuristisch - fast genauso futuristisch wie der italienische Futurismus der 1920er-Jahre.

Chrysler Town & Country von 1950

Beeinflusste abstrakte Kunst das moderne Design? Absolut. Die De-Stijl-Ästhetik von Piet Mondrian hatte offensichtlich einen tiefgreifenden Einfluss auf das Haus der Eames, das nur wenige Jahrzehnte nach der Einführung des Neoplastizismus entstand. Das Lever House war der perfekte konstruktivistische Wolkenkratzer; es entstand nur wenige Jahrzehnte, nachdem die konstruktivistische Architektur ihren Anfang genommen hatte. Und Hardtop-Cabrios waren tatsächlich die Autos der Zukunft - der Zukunft der 1920er- und der Zukunft der 1950er-Jahre.

Was in der abstrakten Kunst der 1950er-Jahre geschah, war Folgendes: In jenem Jahr malte Jackson Pollock „Number 1, 1950“ und Franz Kline „The Chief“.

Jackson Pollock - Number 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, Öl, Emaille und Aluminium auf Leinwand, Ailsa Mellon Bruce Fund, 1976.37.1

Der abstrakte Expressionismus der Architektur

Mit den raschen Fortschritten in der Telekommunikation nahm auch die Geschwindigkeit zu, mit der abstrakte Kunst das Design beeinflussen konnte. Statt 30 Jahre dauerte es nur etwa 10 Jahre, bis der abstrakte Expressionismus seine Spuren in der Designwelt hinterließ. Die Ästhetik und Philosophie hinter dem abstrakten Expressionismus entstanden durch die Verbreitung des gesamten künstlerischen Schaffensprozesses. Es war eine Rückkehr zur Intuition, zu den ursprünglichen Quellen unterbewusster Einflüsse. Damit wurde das ultimative Ziel der Abstraktion erfüllt: die Entdeckung von Originalität und der wahre Ausdruck des Wesens des einzigartigen Individuums.

Die Philosophie des abstrakten Expressionismus manifestierte sich in der Architektur in Form des Dekonstruktivismus. Der Dekonstruktivismus strebte ein Element der Unvorhersehbarkeit an. Statt sich an funktionale Formen ohne Ornamentik zu halten, suchten dekonstruktivistische Architekten nach originellen Formen, die ornamentale Designelemente bewusst einsetzten. Viele dekonstruktivistische Architekten entwarfen Gebäude, die selbst dekonstruierte Formen aufwiesen, als wären sie in Abschnitte zerlegt. Andere entwarfen Gebäude, die die gestische Ästhetik der Kunst des abstrakten Expressionismus nachahmten. Obwohl der Stil Ende der 1950er-Jahre entstand, wird er bis heute verwendet. Sein wahrscheinlich bekanntester Vertreter ist Frank Gehry.

Frank Gehrys Guggenheim-Museum Bilbao

Mitte der 1960er-Jahre ahmten Designtrends fast unmittelbar die Trends der abstrakten Kunst nach, insbesondere im Modedesign. Bridget Riley malte 1961 ihr wegweisendes Op-Art-Werk Movement in Squares. Das Time-Magazin prägte 1964 den Begriff „Op Art“ als Reaktion auf eine Ausstellung mit Werken von Julian Stanczak in der Martha Jackson Gallery in New York. 1965 war der Stil in der Populärkultur so vollständig angekommen, dass er in einer Fotostrecke der Zeitschrift Vogue erwähnt wurde.

Bridget Riley - Movement in Squares, 1961. Tempera auf Hartfaserplatte. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Mit freundlicher Genehmigung von Karsten Schubert, London

Einflüsse des Minimalismus

In den 1970er-Jahren war der Minimalismus einer der vorherrschenden Stile der abstrakten Kunst, und eine der einflussreichsten Stimmen des Minimalismus war ein Künstler namens Donald Judd. Judd und seine Zeitgenossen wollten Werke schaffen, die sich grundlegend von denen früherer Abstraktionisten unterschieden, insbesondere von den abstrakten Expressionisten. Der Minimalismus entfernte persönliche biografische Elemente aus dem Werk und strebte nach vereinfachten Formen und einer reduzierten visuellen Sprache.

Was Judd zu einem so faszinierenden Untersuchungsgegenstand macht, ist, dass er nicht nur minimalistischer Künstler, sondern auch Architekt und Möbeldesigner war. Als Vertreter sowohl der bildenden als auch der angewandten Künste konnte er seine Konzepte gleichzeitig in den verschiedenen Bereichen verwirklichen, in denen er arbeitete. In gewisser Weise verkörperte Judd die Ideale des Bauhauses oder des Jugendstils, die beide den gleichzeitigen Ausdruck aller Künste betonten, die gemeinsam an denselben Ideen arbeiteten.

Donald Judd - Prototype Desk, 1978. Sammlung des LACMA. Geschenk des Collectors Committee 2011. © Museum Associates/LACMA

Judd war außerdem ein eifriger Schriftsteller und Theoretiker und äußerte sich folgendermaßen zum Unterschied zwischen bildender und angewandter Kunst: „Die Konfiguration und der Maßstab von Kunst lassen sich nicht auf Möbel und Architektur übertragen. Die Absicht der Kunst unterscheidet sich von der der Letzteren, die funktional sein muss. Wenn ein Stuhl oder ein Gebäude nicht funktional ist, wenn es nur Kunst zu sein scheint, ist es lächerlich ...“ Diese Philosophie zeigt sich in den unterschiedlichen Werken, die er schuf.

Donald Judd - Ohne Titel, 1971

Form versus Funktion

Der wesentliche Unterschied zwischen abstrakter Kunst und Design besteht darin, dass abstrakte Kunst wie alle bildende Kunst auf einer kontemplativen Ebene erfahren wird. Sie kann intellektuell, unmittelbar, inspirierend oder ästhetisch schön sein. Sie soll uns zum Denken, Fühlen, Nachdenken, Weiterentwickeln und Staunen über die Bedeutung unserer Erfahrungen anregen. Die Funktion von Design ist eine ganz andere. Es dient dazu, den Nutzen oder die Freude an Konsumgütern zu steigern. Design muss eine Funktion erfüllen, sonst ist es, wie Judd sagte, absurd.

Der tiefgreifende Einfluss, den Tendenzen der abstrakten Kunst wie abstrakter Expressionismus, Op Art, Neoplastizismus und Minimalismus auf alle angewandten Künste ausgeübt haben - vom Modedesign über Möbeldesign und Architektur hinaus -, kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Und glücklicherweise leben wir heute in einer Zeit, in der wir schnell auf die Geschichte sowohl der abstrakten Kunst als auch des Designs zugreifen und die tiefgreifenden Auswirkungen, die die Ästhetik und Philosophie der abstrakten Kunst auf Designtendenzen haben, selbst erkennen können.

Interessanterweise leben wir auch in einer Zeit, in der wir beobachten können, wie sich diese Auswirkungen unmittelbar entfalten. Eine abstrakte Malerin kann ein Foto ihres neuen Gemäldes auf Instagram hochladen, und wenige Sekunden später kann ein Modedesigner in Mailand dieses Bild als Inspiration für seine neue Frühjahrskollektion verwenden. Oder umgekehrt. Ein Modedesigner kann ein Bild eines neuen Kleides hochladen, und es kann eine unmittelbare Wirkung auf einen abstrakten Künstler haben, der daraufhin vielleicht in neue Bereiche der abstrakten Kunst vorstößt. Heute kann alles alles andere beeinflussen, während unsere Kultur fröhlich vorwärtsspringt, um dem Neuen zu begegnen.

Alle Bilder dienen ausschließlich der Veranschaulichung
Von Phillip Barcio 2016
Bearbeitet von IdeelArt (2026)