Die Freude an der bunten abstrakten Kunst in der Mnuchin Gallery

Die Mnuchin Galerie in New York zeigt derzeit The Joy of Color, eine festliche Gruppenausstellung farbenfroher abstrakter Kunst von 1939 bis 2018. Die Ausstellung bietet einen einzigartigen Einblick in die Vielzahl der Möglichkeiten, wie Künstler Farbe sowohl als Inhalt als auch als Konzept einsetzen. Gezeigt werden Werke vieler historisch bedeutender Künstler, die die Galerie vertritt, wie Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis und Sam Gilliam, neben Pionieren des 20. Jahrhunderts wie Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland und Jack Bush. Ebenfalls vertreten sind Gemälde lebendiger zeitgenössischer Künstler wie Laura Owens und Sean Scully sowie relativ neuer Künstlerinnen wie Sarah Crowner und Nathlie Provosty. Für manche New Yorker könnte diese Ausstellung die perfekte Gelegenheit sein, den Mnuchin-Raum wieder zu besuchen. Im Jahr 2016 veröffentlichte der Kunstkritiker des New York Magazins, Jerry Saltz, einen Wutausbruch mit dem Titel „Warum ich nicht mehr in die Mnuchin Galerie gehe“. Er nannte als Grund, dass Steven Mnuchin – Sohn des Galeriebesitzers Robert Mnuchin – zum Leiter der Wahlkampffinanzierung des damaligen Präsidentschaftskandidaten Donald Trump ernannt wurde. Seit diesem Artikel wurde Steven Mnuchin zum Finanzminister der Vereinigten Staaten ernannt. Aus Gründen, die nichts mit Kunst, aber alles mit Ideologie zu tun haben, forderte Saltz seine Leser auf, den kunstverkaufenden Vater für die vermeintlichen politischen Sünden des Sohnes zu bestrafen. Solch inszeniertes Drama ist lächerlich, doch wer dem sozialen Druck nachgegeben hat, sollte The Joy of Color als perfekte Ausrede sehen, der Galerie eine neue Chance zu geben. Die Ausstellung gleicht eher einem Rundgang durch den modernen und zeitgenössischen Bereich eines kleinen, aber wichtigen Museums als einem Besuch in einer kommerziellen Galerie. Die Werke zeigen genau, wie abstrakte Kunst in ihrer besten Form die Fähigkeit besitzt, kleinliche Politik zu überwinden und neue Wahrnehmungstore für das Schöne und Sinnvolle in dieser Welt zu öffnen.

Farbe als Strategie

The Joy of Color beginnt mit einem bescheidenen Calder-Mobile, das von der Decke neben einer Treppe hängt. Rote, gelbe, weiße und graue abstrakte Formen drehen sich sanft in den von unseren Körpern und Atem erzeugten Luftzügen. Calder nutzte Farbe, um die Menschen zum Nachdenken über „die Idee von losgelösten Körpern, die im Raum schweben“ anzuregen. Diese verspielten farbigen Formen bieten etwas, woran man Freude haben kann, während man über universelle Themen wie Physik und Mechanik nachdenkt. Neben dem Mobile flankieren zwei kleine Gemälde jeweils eine Seite eines Torbogens. Links ist „Lode“ (2018) von Nathlie Provosty zu sehen. Rechts ein farbflächenloses Werk von Mark Rothko, ca. 1959. Beide Kompositionen sind strukturiert, flach und rechteckig. Beide nutzen subtile Farbverschiebungen, um den Betrachter zu einer kontemplativen Erfahrung einzuladen. Farbe ist hier weniger Inhalt als vielmehr ein Einstiegspunkt in eine Wahrnehmungserfahrung mit unserem inneren Wesen. Besonders das Gemälde von Provosty mit seinen feinen Gelbnuancen zeigt feine Unterschiede zwischen scheinbar ähnlichen Dingen – nur durch Verallgemeinerung kann man es als einfarbig bezeichnen. Nicht jedes Gelb ist gleich.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Öl auf Leinen auf Aluminiumtafel. 48,3 x 38,1 cm (19 x 15 Zoll). © Nathlie Provosty. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Galerie

Laura Owens aus dem Jahr 2006 und eine untitelte Leinwand von Joan Mitchell aus dem Jahr 1958. Das Gemälde von Louis zieht mit vibrierenden Farbbeziehungen am Rand unsere Blicke an, doch wenn die Farben zur Mitte hin in Dunkelheit verschmelzen, werden wir uns der Oberfläche bewusster: Die ungrundierte Leinwand wird eins mit der Farbe, ebenso wie Farben und Formen eins miteinander werden – alles verschmilzt zu einem Ganzen. Das Gemälde von Scully nutzt Farbe, um uns zur Betrachtung von Pinselstrichen und Texturen einzuladen, eine Aufforderung, die materiellen Eigenschaften der Farbe zu schätzen. Das Gemälde von Owens verwendet Farbe als emotionalen Auslöser. Seine jubelnde Farbpalette spiegelt die figürlichen Aspekte des Werks wider, die Freude an Weiblichkeit, Offenheit und Natur zeigen. Schließlich zeigen die stürmischen Pinselstriche auf der Leinwand von Mitchell, wie Farbe zur Synonym für Stimmung werden kann und die innerste Angst des menschlichen Geistes ausdrückt.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Öl auf Aluminium. 215,9 x 190,5 cm (85 x 75 Zoll). © Sean Scully. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Galerie

Farbe als Raum

Viele Gemälde in The Joy of Color verwenden Farbe in einem formalen Sinn und zeigen Farbe als wirksamen Schöpfer und Abgrenzer von Bildraum. „Nature’s Red Impressions“ (1968) von Alma Thomas bietet eine epische Erläuterung dieses Konzepts. Aus der Ferne verkünden die Farben eine lineare Struktur, die die Bildarchitektur in vertikale Balken unterteilt. Bei näherer Betrachtung zerfallen die Säulen in eine Vielzahl organischer Formen. Der weiße Raum zwischen den Formen und Säulen behauptet sich als eine Welt jenseits der Oberfläche. Ähnliche Magie wirkt in „Strawberry“ (1970) von Jack Bush. Eine massive, rosafarbene „U“-Form spiegelt mit ihrem Farbton den Titel des Gemäldes wider, während ein helleres rosa Hintergrund mit dunklen Flecken die Räumlichkeit herstellt. Ein komplementärer Farbstreifen am unteren Rand der Leinwand flacht den Raum ab und täuscht dem Auge eine Kombination aus Horizontlinie und kinetischer Parade geometrischer Formen vor.

Alma Thomas - Nature's Red Impressions, 1968. Acryl auf Leinwand. 129,5 x 125,7 cm (51 x 49 1/2 Zoll). © Alma Thomas. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Galerie

Zu den auffälligsten räumlichen Kompositionen der Ausstellung gehören „Elberta“ (1975) von Helen Frankenthaler, „Mysteries: Aglow“ (2002) von Kenneth Noland und „The Wave (Urszula)“ (2014) von Sarah Crowner. Frankenthaler schafft in ihrem mit Farbstoff getränkten Gemälde weite Offenheit und öffnet das Auge für ein weites und leuchtendes Bilduniversum; Noland erzielt den gegenteiligen Effekt, indem er den Raum mit seiner bekannten Zielscheibenkomposition vereinfacht und zentriert; Crowner ordnet den Raum in harmonische Dissonanz mit vibrierenden, biomorphen roten und orangen Wellenformen. Doch die tiefgründigste Raumschaffung verdanken wir „Atmosphere“ (1972) von Sam Gilliam. Seine charakteristische Technik, die Kanten seiner Oberfläche anzuschrägen, erlaubt es den Farben, Raum jenseits der physischen Grenzen des Werks zu schaffen. Das Gemälde lädt uns ein, über das hinaus zu staunen, was wir sehen können – eine wichtige Frage in unserer Zeit, und eine, über die vielleicht sogar Herr Saltz in der Galerie nachdenken möchte. The Joy of Color ist bis zum 8. Dezember 2018 zu sehen.

Titelbild: The Joy of Color – Gruppenausstellung in der Mnuchin Galerie, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Galerie
Von Phillip Barcio