Die Freude an der bunten abstrakten Kunst in der Mnuchin Gallery

Die Mnuchin Gallery in New York zeigt derzeit The Joy of Color, eine feierliche Gruppenausstellung farbenfroher abstrakter Kunst aus den Jahren 1939 bis 2018. Die Ausstellung bietet einen einzigartigen Einblick in die Vielzahl von Möglichkeiten, wie Künstler Farbe sowohl als Inhalt als auch als Konzept mobilisieren. Sie zeigt Werke vieler historisch wichtiger Künstler, die die Galerie vertritt, wie Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis und Sam Gilliam, neben denen bahnbrechender Künstler des 20. Jahrhunderts wie Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland und Jack Bush. Ebenfalls enthalten sind Gemälde von bedeutenden zeitgenössischen Künstlern wie Laura Owens und Sean Scully sowie von relativen Neulingen wie Sarah Crowner und Nathlie Provosty. Für einige New Yorker könnte diese Ausstellung die perfekte Gelegenheit darstellen, in den Mnuchin-Raum zurückzukehren. Im Jahr 2016 veröffentlichte der Kunstkritiker von New York Magazine, Jerry Saltz, einen Wutausbruch mit dem Titel „Warum ich nicht mehr in die Mnuchin Gallery gehe.“ Er nannte Steven Mnuchin – den Sohn des Galeriebesitzers Robert Mnuchin – der zum Campaign Finance Chief für den damaligen Präsidentschaftskandidaten Donald Trump ernannt wurde, als seinen Grund. Seitdem wurde Steven Mnuchin zum Finanzminister der Vereinigten Staaten ernannt. Aus Gründen, die nichts mit Kunst zu tun haben und alles mit Ideologie, ermutigte Saltz seine Leser, den Kunst verkaufenden Vater für die wahrgenommenen politischen Sünden des Sohnes zu bestrafen. Solches erfundenes Drama ist lächerlich, aber dennoch sollte jeder, der dem sozialen Druck nachgegeben hat, The Joy of Color als die perfekte Ausrede betrachten, der Galerie eine neue Chance zu geben. Die Ausstellung ist eher wie ein Spaziergang durch den modernen und zeitgenössischen Abschnitt eines kleinen, aber wichtigen Museums als ein Spaziergang durch eine kommerzielle Galerie. Die Werke zeigen genau, wie abstrakte Kunst in ihrer besten Form die Fähigkeit hat, petty politics zu transzendieren und neue Türen der Wahrnehmung zu dem zu öffnen, was schön und bedeutungsvoll in dieser Welt ist.

Farbe als Strategie

Die Freude an Farbe beginnt mit einem bescheidenen Calder-Mobile, das von der Decke über einer Treppe hängt. Rote, gelbe, weiße und graue abstrakte Formen drehen sich sanft in den Lüften, die von unseren Körpern und Atem erzeugt werden. Calder nutzte Farbe, um die Menschen über „die Idee von losgelösten Körpern, die im Raum schweben.“ nachdenken zu lassen. Diese verspielten farbigen Formen bieten etwas, das Freude bereitet, während man über universelle Themen wie Physik und Mechanik nachdenkt. Jenseits des Mobiles flankieren zwei kleine Gemälde jeweils eine Seite eines Torbogens. Links befindet sich „Lode“ (2018) von Nathlie Provosty. Rechts ist ein unbetiteltes Farbfeld von Mark Rothko, ca. 1959. Beide Kompositionen sind strukturiert, flach und rechteckig. Beide nutzen subtile Farbverschiebungen, um den Betrachter in eine kontemplative Erfahrung einzuladen. Farbe ist hier nicht so sehr Inhalt, sondern ein Zugang zu einer Wahrnehmungserfahrung mit unserem inneren Wesen. Besonders das Provosty-Gemälde, mit seinen subtilen Variationen von Gelb, offenbart nuancierte Unterschiede zwischen scheinbar ähnlichen Dingen – nur durch Verallgemeinerung können wir es monochrom nennen. Jedes Gelb ist nicht dasselbe.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Öl auf Leinen auf Aluminiumplatte. 19 x 15 Zoll (48,3 x 38,1 cm). © Nathlie Provosty. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Gallery

Andere Gemälde in der Ausstellung, die Farbe als Strategie nutzen, um andere Arten von Inhalten zu engagieren, sind „Aleph Series V“ (1960) von Morris Louis, „Landline Green Bolt“ (2018) von Sean Scully, ein unbetiteltes Gemälde von Laura Owens aus dem Jahr 2006 und eine unbetitelte Leinwand von Joan Mitchell aus dem Jahr 1958. Das Louis-Gemälde zieht unsere Augen mit vibrierenden Farbbeziehungen um seinen Rand an, aber während die Farben im Zentrum in Dunkelheit verschmelzen, werden wir uns der Oberfläche bewusster: die ungrundierte Leinwand wird eins mit der Farbe, genau wie die Farben und Formen eins mit einander werden – alles schmilzt zu einem. Das Scully-Gemälde nutzt Farbe, um uns zu einer Betrachtung von Pinselstrichen und Texturen einzuladen, eine Einladung, die materiellen Qualitäten der Farbe zu schätzen. Das Owens-Gemälde verwendet Farbe als emotionalen Auslöser. Seine jubilierende Palette spiegelt die figürlichen Aspekte des Werkes wider, die Freude an Weiblichkeit, Offenheit und Natur empfinden. Schließlich zeigen uns die tumultuösen Pinselstriche auf der Mitchell-Leinwand, wie Farbe synonym mit Stimmung werden kann und die innersten Ängste des menschlichen Geistes ausdrückt.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Öl auf Aluminium. 85 x 75 Zoll (215,9 x 190,5 cm). © Sean Scully. Mit freundlicher Genehmigung von Mnuchin Gallery

Farbe als Raum

Viele Gemälde in The Joy of Color verwenden Farbe in einem formelleren Sinne und zeigen Farbe als effektiven Schöpfer und Abgrenzungsfaktor des visuellen Raums. "Nature’s Red Impressions" (1968) von Alma Thomas bietet eine epische Erläuterung dieses Konzepts. Aus der Ferne erklären die Farben eine lineare Struktur und teilen die visuelle Architektur in vertikale Balken. Bei näherer Betrachtung zerfallen die Säulen in eine Vielzahl organischer Formen. Der weiße Raum zwischen den Formen und Säulen behauptet sich als eine Welt jenseits der Oberfläche. Ähnliche Magie wirkt in "Strawberry" (1970) von Jack Bush. Eine massive, rosafarbene "U"-Form spiegelt mit ihrem Farbton den Titel des Gemäldes wider, während ein hellerer rosa Hintergrund, der mit dunklen Flecken übersät ist, die Dimensionalität etabliert. Ein komplementärer Farbbalken am unteren Rand der Leinwand flacht den Raum ab und täuscht das Auge, indem er eine Kombination aus Horizontlinie und kinetischem Umzug geometrischer Formen wahrnehmen lässt.

Alma Thomas - Natur's Rote Eindrücke, 1968. Acryl auf Leinwand. 51 x 49 1/2 Zoll (129,5 x 125,7 cm). © Alma Thomas. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Gallery

Zu den auffälligsten räumlichen Kompositionen der Ausstellung gehören „Elberta“ (1975) von Helen Frankenthaler, „Mysteries: Aglow“ (2002) von Kenneth Noland und „The Wave (Urszula)“ (2014) von Sarah Crowner. Frankenthaler schafft in ihrem durchtränkten Gemälde eine weite Offenheit, die das Auge in ein expansives und leuchtendes visuelles Universum öffnet; Noland erzielt den gegenteiligen Effekt, indem er den Raum mit seiner vertrauten Zielscheibenkomposition vereinfacht und zentralisiert; Crowner organisiert den Raum in harmonische Dissonanz mit vibrierenden, biomorphen Wellenformen in Rot und Orange. Doch die profundeste Schaffung von Raum kommt von „Atmosphere“ (1972) von Sam Gilliam. Seine charakteristische Technik, die Kanten seiner Oberfläche zu fasen, ermöglicht es den Farben, Raum über die physischen Grenzen des Werkes hinaus zu schaffen. Das Gemälde lädt uns ein, über das nachzudenken, was jenseits der Grenzen dessen liegt, was wir sehen können – eine wesentliche Sorge in diesem Zeitalter, und eine, die vielleicht sogar Mr. Saltz dazu bringen könnte, die Galerie zu besuchen, um darüber nachzudenken. The Joy of Color ist bis zum 8. Dezember 2018 zu sehen.

Vorgestelltes Bild: Die Freude an Farben - Gruppenausstellung in der Mnuchin Gallery, New York, 2018. © Tom Powel Imaging. Mit freundlicher Genehmigung der Mnuchin Gallery
Von Phillip Barcio