Warum Richard Anuszkiewicz eine wichtige Kraft der Op-Art war

Kunstströmungen sterben nie. Sie ruhen nur, bis ein neues Genie sie wieder erweckt, damit sie dort weitermachen können, wo ihre früheren Meister aufgehört haben. Oder manchmal, wie im seltenen Fall der Op-Art, dank eines ihrer beständigsten Wegbereiter, Richard Anuszkiewicz, erhält eine Kunstströmung das Privileg, ununterbrochen voranzuschreiten, Generation für Generation. Op-Art entstand in den 1960er Jahren und ist nie wirklich verschwunden. Zusammen mit Bridget Riley war Anuszkiewicz bis 2020 eine ihrer lebenden Legenden. Als ehemaliger Schüler von Josef Albers an der Yale-Universität stand Anuszkiewicz an der Spitze eines Trends, der sich von persönlicher Emotion und Dramatik in der Kunst abwandte und hin zur Erforschung objektiver formaler Zusammenhänge und deren Wirkung auf unsere Augen und unseren Geist. Was Anuszkiewicz unter seinen Zeitgenossen hervorhob und ihn lange nach dem Rückzug der meisten anderen relevant hielt, war nicht nur die Brillanz seiner Werke, sondern auch die Ernsthaftigkeit und Bescheidenheit, mit der sie geschaffen wurden.

Die Entdeckung der Farbe

Eine der liebenswertesten Geschichten über Richard Anuszkiewicz ist die seiner ersten Einzelausstellung in New York City. Die Geschichte beginnt in Ohio, wo Anuszkiewicz seinen Bachelor of Arts am Cleveland Institute of Art erwarb. Im fünften und letzten Jahr an dieser Schule erhielt er ein Stipendium, um Kunst in Europa zu studieren. Nachdem er seinem Berater jedoch mitgeteilt hatte, dass er kein Interesse an Europa habe, wurde er stattdessen ermutigt, ein Aufbaustudium entweder an der Cranbrook Academy, einer fortschrittlichen Kunstschule außerhalb von Detroit, oder an der Yale-Universität zu absolvieren. Nachdem er erfahren hatte, dass Josef Albers, der berühmte Farbtheoretiker mit Wurzeln im Bauhaus, an Yale lehrte, entschied sich Anuszkiewicz für Yale. Über seine Wahl erklärte er später, dass er das Gefühl hatte, Farbe sei das größte fehlende Element in seiner Arbeit.

Obwohl Albers als Genie galt und noch gilt, war er kein allgemein beliebter Lehrer. Viele empfanden seine Lektionen als willkürlich, langweilig – sogar nutzlos. Aber Albers war es egal, was seine Schüler dachten. Er glaubte an den inneren Wert des Verständnisses von Farbzusammenhängen, und das war alles, was er lehrte. Wenn ein Schüler es nicht verstand oder kein Interesse zeigte, war das für Albers gleichgültig. Doch Anuszkiewicz war jener seltene Schüler, der die Bedeutung dessen, was Albers lehrte, voll verstand. Er glänzte in seinen Kursen. Er wurde sogar von Albers überzeugt, die Figuration aufzugeben und anzuerkennen, dass der einzige Weg, die Kraft der Farbe wirklich zu erforschen, darin besteht, sie zum zentralen Thema des Werks zu machen. Doch es blieb ein zentrales Problem für Anuszkiewicz: Unter dem Gewicht der starken Persönlichkeit Albers war es für seine Schüler nahezu unmöglich, einen eigenen Stil zu entwickeln.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; und Veridified, 1971, Zwei Siebdrucke in Farben, auf Büttenpapier, mit breitem Rand, 91,4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Erfolg in letzter Minute

Nach seinem Masterabschluss an der Yale-Universität unternahm Anuszkiewicz den ungewöhnlichen Schritt, nach Ohio zurückzukehren, um zusätzlich einen Abschluss in Pädagogik zu erwerben, falls er jemals lehren wollte. Dort, endlich frei vom Einfluss Albers’, fand er zu einem eigenen Stil. Es war eine Erforschung, wie die Beziehungen zwischen Farben und Formen das Auge täuschen und den Geist Dinge sehen lassen können, die nicht da sind. Er empfand diese Erfahrung als übersteigend und nachdenklich, und ihr Paradoxon als poetisch. Nach Abschluss seines pädagogischen Studiums fühlte Anuszkiewicz, dass er zum ersten Mal eine starke, eigenwillige Idee hatte und viele gute Beispiele seiner Arbeit. Also zog er nach New York und begann, seine Werke Galeristen zu zeigen. Doch obwohl viele die Arbeiten interessant fanden, wollte kein Galerist das Risiko eingehen, sie auszustellen. Es war 1957. Der abstrakte Expressionismus war noch in Mode. Händler waren sich nicht sicher, ob die flachen, farbenfrohen, klar abgegrenzten Werke von Anuszkiewicz sich verkaufen würden.

Es dauerte zwei Jahre, bis Anuszkiewicz schließlich von Karl Lunde in der Contemporaries Gallery unter Vertrag genommen wurde. Lunde bot ihm im März 1960 eine Einzelausstellung an. Diese Ausstellung wurde hervorragend besucht. Viele Kritiker und Sammler waren begeistert von den Werken. Doch wie alle anderen Händler vorhergesagt hatten, kaufte niemand. Tatsächlich verging fast die gesamte Ausstellung ohne einen einzigen Verkauf, bis an fast ihrem letzten Tag ein Käufer erschien: Alfred F. Barr, Jr., der Direktor des Museum of Modern Art. Barr erwarb ein Gemälde namens Fluorescent Complement und zeigte es noch im selben Jahr zusammen mit anderen Neuerwerbungen im MoMA. Wie ein Uhrwerk begannen andere Sammler, Werke von Anuszkiewicz zu erwerben, darunter einige der reichsten Sammler der Stadt, wie Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluorescent Complement, 1960, Öl auf Leinwand, 91,5 x 82 cm, MoMA Sammlung, © Richard Anuszkiewicz

Der MoMA-Effekt

Die Präsenz von Fluorescent Complement im MoMA signalisierte der Öffentlichkeit, dass es Zeit war, den abstrakten Expressionismus ruhen zu lassen. Im folgenden Jahr veranstaltete das Whitney Museum die Ausstellung Geometrische Abstraktion in Amerika, die ein Gemälde von Anuszkiewicz zeigte, und dann kündigte das MoMA eine große kommende Ausstellung an, die „eine vorwiegend visuelle Betonung“ hatte. Als diese große Ausstellung, genannt The Responsive Eye, schließlich stattfand, zeigte sie Werke zahlreicher Künstler und festigte die Bedeutung des Begriffs Op-Art. Zusammen mit Victor Vasarely und Bridget Riley wurde Anuszkiewicz zu einem der wichtigsten Künstler dieser Ausstellung.

Es heißt, was Vasarely auszeichnete, war seine Meisterschaft von Licht und Dunkelheit, was Riley auszeichnete, war ihre Meisterschaft der Linie, und was Anuszkiewicz auszeichnete, war seine Meisterschaft der Farbzusammenhänge. Doch es gibt noch etwas, das alle drei voneinander unterscheidet – ihre Ernsthaftigkeit. Sie alle besitzen eine angeborene Neugier und Hingabe. Und Anuszkiewicz war auch besonders wegen seiner Bescheidenheit. Während Schriftsteller über seine Errungenschaften schwärmen, sagt er Dinge wie: „Es passiert etwas, wenn man zwei Farben zusammenbringt. Es hat eine Wirkung.“ Er spielte die Brillanz und Kraft seiner Werke herunter und verwies einfach auf die Vorstellung, dass Farben und Formen sich in verschiedenen Situationen verändern, und dass das Nachdenken über solche Veränderungen den Menschen daran erinnern kann, dass wir nie ganz sicher sind, ob das, was wir sehen, wirklich ist.

Richard Anuszkiewicz - Unnummeriert (Jahresausgabe), 1978, Farbe und Siebdruck auf Masonit, 10,2 × 10,2 cm, Loretta Howard Galerie, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Titelbild: Richard Anuszkiewicz - Untitled (Jahresausgabe), 1980, Siebdruck auf Masonit, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung