Warum Richard Anuszkiewicz eine wichtige Kraft der Op-Art war

Kunstbewegungen sterben nie. Sie machen nur ein Nickerchen, bis ein neuer Genius sie wieder aufweckt, damit sie dort weitermachen können, wo ihre früheren Meister aufgehört haben. Oder manchmal, wie im seltenen Fall der Op Art, dank eines ihrer beständigsten Pioniere, Richard Anuszkiewicz, wird einer Kunstbewegung das Privileg gewährt, ununterbrochen voranzuschreiten, Generation für Generation. Op Art entstand in den 1960er Jahren und ist nie wirklich verschwunden. Zusammen mit Bridget Riley war Anuszkiewicz bis 2020 eine seiner lebenden Legenden. Ein ehemaliger Schüler von Josef Albers an der Yale University, war Anuszkiewicz an der Spitze eines Trends weg von persönlicher Emotion und Drama in der Kunst und hin zur Untersuchung objektiver formaler Beziehungen und der Wirkung, die diese Beziehungen auf unsere Augen und unseren Verstand haben. Was Anuszkiewicz unter seinen Zeitgenossen hervorhob und ihn lange relevant hielt, nachdem die meisten von ihnen aufgehört hatten, ist nicht nur die Brillanz seiner Arbeiten, sondern auch die Ernsthaftigkeit und Demut, mit der sie geschaffen wurden.

Farbe entdecken

Eine der herzerwärmendsten Geschichten über Richard Anuszkiewicz ist die von seiner ersten Einzelausstellung in New York City. Die Geschichte beginnt im Ohio, wo Anuszkiewicz seinen Bachelor of Arts am Cleveland Institute of Art erwarb. In seinem fünften und letzten Jahr an dieser Schule erhielt er ein Stipendium, um Kunst in Europa zu studieren. Doch nachdem er seinem Berater mitgeteilt hatte, dass er kein Interesse an Europa hatte, wurde ihm stattdessen geraten, ein Aufbaustudium entweder an der Cranbrook, einer progressiven Kunstschule außerhalb von Detroit, oder an der Yale zu verfolgen. Nachdem er erfahren hatte, dass Josef Albers, der berühmte Farbtheoretiker mit Wurzeln im Bauhaus, an der Yale war, entschied sich Anuszkiewicz, dorthin zu gehen. Zu seiner Wahl erklärte er später, dass er das Gefühl hatte, Farbe sei das größte, was in seiner Arbeit fehle.

Obwohl Albers als Genie galt und immer noch gilt, war er kein universell geliebter Lehrer. Viele fanden seine Lektionen willkürlich, langweilig – sogar nutzlos. Aber Albers war es egal, was seine Schüler dachten. Er glaubte an den inneren Wert des Verständnisses von Farbbeziehungen, und das war alles, was er lehrte. Wenn ein Schüler es nicht verstand oder kein Interesse zeigte, war es Albers gleichgültig. Aber Anuszkiewicz war zufällig dieser seltene Schüler, der die Bedeutung dessen, was Albers lehrte, vollständig verstand. Er glänzte in seinen Klassen. Er wurde sogar von Albers überzeugt, die Figuration aufzugeben und akzeptierte, dass der einzige Weg, die Kraft der Farbe wirklich zu erkunden, darin besteht, sie zum zentralen Thema der Arbeit zu machen. Aber es blieb ein zentrales Problem für Anuszkiewicz, und das ist, dass es unter dem Gewicht der mächtigen Persönlichkeit, die Albers hatte, nahezu unmöglich war, dass seine Schüler einen individuellen Stil entwickelten.

Richard Anuszkiewicz - Rosafied; und Veridified, 1971, Zwei Siebdrucke in Farben, auf Wellenpapier, mit vollen Rändern, 36 × 26 in, 91,4 × 66 cm, © Richard Anuszkiewicz

Last-Minute-Erfolg

Nach dem Abschluss seines Masters an der Yale-Universität unternahm Anuszkiewicz den ungewöhnlichen Schritt, nach Ohio zurückzukehren, um einen zusätzlichen Abschluss in Erziehungswissenschaften zu erwerben, falls er jemals unterrichten wollte. Dort, endlich frei vom Einfluss von Albers, fand er zu einem eigenen Stil. Es war eine Erkundung, wie die Beziehungen zwischen Farben und Formen das Auge täuschen und den Verstand dazu bringen konnten, Dinge zu sehen, die nicht vorhanden sind. Er empfand diese Erfahrung als transzendental und kontemplativ, und ihr Paradoxon als poetisch. Nach dem Abschluss seines Bildungsstudiums hatte Anuszkiewicz das Gefühl, zum ersten Mal eine starke, eigenwillige Idee und viele gute Beispiele seiner Arbeit zu haben. Also zog er nach New York und begann, seine Arbeiten Galeristen zu zeigen. Doch trotz vieler, die die Arbeiten faszinierend fanden, wollte kein Galerist das Risiko eingehen, sie zu zeigen. Es war 1957. Der Abstract Expressionismus war nach wie vor in Mode. Die Händler waren sich einfach nicht sicher, ob die flachen, bunten, scharfen Arbeiten, die Anuszkiewicz schuf, sich verkaufen würden.

Es dauerte zwei Jahre, bis Anuszkiewicz schließlich von Karl Lunde in der Contemporaries Gallery unter Vertrag genommen wurde. Lunde bot ihm im März 1960 eine Einzelausstellung an. Diese Ausstellung war fabulös gut besucht. Viele Kritiker und Sammler schwärmten glücklich von den Arbeiten. Aber wie alle anderen Händler vorhergesagt hatten, kaufte niemand. Tatsächlich verging fast die gesamte Ausstellung, ohne dass ein einziger Verkauf stattfand, bis am fast letzten Tag schließlich ein Käufer hereinkam: Alfred F. Barr, Jr., der zufällig Direktor des Museum of Modern Art war. Barr kaufte ein Gemälde mit dem Titel Fluorescent Complement und stellte es später in diesem Jahr im MoMA zusammen mit anderen aktuellen Erwerbungen aus. Wie ein Uhrwerk begannen andere Sammler, Werke von Anuszkiewicz zu erwerben, darunter einige der wohlhabendsten Sammler der Stadt, wie Nelson Rockefeller.

Richard Anuszkiewicz - Fluoreszierendes Komplement, 1960, Öl auf Leinwand, 36 x 32 1/4 Zoll (91,5 x 82 cm), MoMA Sammlung, © Richard Anuszkiewicz

Der MoMA-Effekt

Die Präsenz von Fluorescent Complement im MoMA signalisierte der Öffentlichkeit, dass es Zeit war, dass der Abstract Expressionism eine Pause einlegte. Im folgenden Jahr veranstaltete das Whitney Geometric Abstraction in America, das ein Anuszkiewicz-Gemälde beinhaltete, und dann kündigte das MoMA eine bevorstehende große Ausstellung an, die sich „einem primär visuellen Schwerpunkt“ widmete. Als diese große Ausstellung, die The Responsive Eye genannt wurde, schließlich stattfand, beinhaltete sie die Werke zahlreicher Künstler und festigte die Bedeutung des Begriffs Op Art. Und zusammen mit Victor Vasarely und Bridget Riley trat Anuszkiewicz als einer der wichtigsten Künstler der Ausstellung hervor.

Es wird gesagt, was Vasarely trennte, war seine Meisterschaft über Licht und Dunkelheit, was Riley trennt, ist ihre Meisterschaft über Linien, und was Anuszkiewicz trennte, war seine Meisterschaft über Farbbeziehungen. Aber es gibt noch etwas, das alle drei voneinander unterscheidet – ihre Ernsthaftigkeit. Sie alle drei besitzen eine intrinsische Neugier und Hingabe. Und Anuszkiewicz war auch besonders wegen seiner Demut. Während Schriftsteller von seinen Errungenschaften schwärmen, macht er Kommentare wie: „Es passiert tatsächlich etwas, wenn man zwei Farben zusammenbringt. Es hat eine Wirkung.“ Er spielte die Brillanz und Kraft seiner Arbeit herunter und verwies einfach auf die Vorstellung, dass Farben und Formen in unterschiedlichen Situationen sich verändern, und das Nachdenken über solche Veränderungen kann den Menschen daran erinnern, dass wir nie ganz sicher sind, ob das, was wir betrachten, real ist.

Richard Anuszkiewicz - Unnummeriert (Jahresausgabe), 1978, Farbe und Siebdruck auf Masonit, 4 × 4 in, 10,2 × 10,2 cm, Loretta Howard Gallery, New York City, New York © Richard Anuszkiewicz

Vorschaubild: Richard Anuszkiewicz - Untitled (Jahresausgabe), 1980, Siebdruck auf Masonit, 5 3/4 × 5 3/4 Zoll, 14,6 × 14,6 cm. © Richard Anuszkiewicz
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.