100 Años de Arte y Fotografía Abstracta en Tate
La conversación en torno a la fotografía abstracta se ha vuelto bastante interesante en las últimas décadas, ya que la fotografía digital y la manipulación fotográfica se han vuelto omnipresentes. Ahora, una nueva exposición que se abrirá en mayo de 2018 en el Tate promete expandir aún más esa conversación. Shape of Light: 100 años de Fotografía y Arte Abstracto presentará más de 300 obras de más de 100 artistas. Examinará la historia de la fotografía abstracta en conjunto con el desarrollo de la abstracción en la pintura y la escultura. La pura abstracción se manifestó ampliamente en la pintura y escultura occidentales alrededor de la primera década del siglo XX. Pero la fotografía estaba un poco más atrás. Aunque tenía casi un siglo para desarrollarse para ese momento, todavía no se consideraba realmente un arte fino. Su único uso se percibía como una forma de mostrar la realidad: un momento congelado en el tiempo grabado en nitrato de plata. Pero algunos de los primeros fotógrafos más filosóficos se dieron cuenta de que, en lugar de capturar imágenes, lo que realmente captura el proceso fotográfico es la luz. Vieron que los fotógrafos podrían potencialmente hacer composiciones puramente abstractas, al igual que un pintor o un escultor podría, utilizando luz en lugar de pintura, madera, grafito o piedra. A medida que varios fotógrafos han experimentado con diferentes métodos para lograr la abstracción a lo largo de las décadas, han suscitado muchos debates fructíferos sobre lo que define una fotografía y qué es exactamente lo que hace que una imagen sea abstracta. Al yuxtaponer los frutos de esos debates junto a los avances en otros tipos de arte abstracto, Shape of Light presenta una oportunidad fascinante para descubrir cómo, en ocasiones, la fotografía abstracta siguió los pasos de la pintura y la escultura, y cómo, en otras ocasiones, abrió el camino.
Ingresa al Vortógrafo
Uno de los puntos de inflexión clave en la historia de la fotografía abstracta ocurrió alrededor del cambio de siglo, cuando dos grupos de fotógrafos—conocidos como Photo Succession y el Linked Ring—comenzaron a abogar por la aceptación de la fotografía como una bellas artes. Alvin Langdon Coburn fue un miembro clave de ambos grupos. Coburn será destacado de manera prominente en Shape of Light, porque se le considera el inventor del Vortograph—el primer tipo de foto puramente abstracta. Los primeros Vortographs fueron tomados cuando Coburn adjuntó tres espejos en la parte frontal de su cámara en una formación triangular. Esencialmente, los espejos actuaron como un caleidoscopio. Las fotografías resultantes muestran una realidad fracturada, llena de líneas diagonales fuertes y formas triangulares. Ese lenguaje de línea y forma llevó a Ezra Pound a llamar a las imágenes Vortographs, porque se asemejan a las pinturas vorticistas.
László Moholy-Nagy - Fotograma, c.1925, Fotografía, impresión en gelatina de plata sobre papel, 181 x 238 mm, Colección Jack Kirkland, Nottingham
El Tate exhibirá pinturas vorticistas de artistas como Wyndham Lewis junto a Vortografías de Coburn. También se juxtapondrán con obras de pintores cubistas, como Georges Braque. La comparación con el Cubismo puede ser ya clara, ya que tanto el Cubismo como las Vortografías dividen el espacio visual en múltiples perspectivas simultáneas. Pero la comparación con las pinturas vorticistas puede ser un poco más confusa. El Vorticismo fue un amalgama de Cubismo y Futurismo. Fue un intento puramente formal de combinar las apariencias de ambos. Cuando inventó la Vortografía, Coburn estaba haciendo algo completamente único. No estaba intentando imitar tendencias. Estaba tratando de demostrar que la fotografía podía usarse para capturar algo diferente a la realidad objetiva. Por esta razón, Shape of Light elucida cómo Coburn fue mucho más un innovador que sus colegas vorticistas, iluminando una forma en la que la fotografía abstracta reclama raíces distintivas.
Barbara Kasten - Pintura fotogénica, Sin título 74/13 (ID187), 1974, Fotografía, impresión en papel salado, 558 x 762 mm, Cortesía de la artista, Thomas Dane Gallery y Bortolami Gallery, Nueva York, © Barbara Kasten
Fotografía Abstracta A Través de las Décadas
Otra fascinante yuxtaposición que se ofrecerá en Shape of Light es la colocación de fotografías de AndreÌ Kertesz en contexto con las obras de pintores surrealistas. En 1933, Kertesz creó una serie de fotografías llamadas Distortions, en las que se utilizaron espejos para crear imágenes retorcidas, alargadas y biomórficas de cuerpos humanos. Las fotografías comparten mucho en común con las formas humanas surrealistas en pinturas de Picasso, Miro y otros. Dado que las Distortions se crearon más de una década después del inicio del movimiento surrealista, podría parecer que Kertesz estaba copiando a los surrealistas. Pero la primera vez que Kertesz publicó una fotografía distorsionada fue en realidad en 1917. Titulada Underwater Swimmer, esa imagen muestra una forma humana ondulante y estirada en un paisaje inquietante. Encajaría naturalmente en una pintura de Salvador Dali. Datada tres años antes del inicio del surrealismo, nuevamente plantea preguntas sobre si, y cómo, la fotografía fue realmente responsable de influir en la trayectoria del arte abstracto en general.
Forma de la Luz también yuxtapone las obras de dos artistas de mediados de siglo: Otto Steinert y Jackson Pollock. Steinert creó un legado diverso dentro del mundo de la fotografía, pero una de sus contribuciones más importantes fue cuando organizó un grupo de exposiciones itinerantes en la década de 1950 llamadas Fotografía Subjetiva. La idea de las exposiciones de Fotografía Subjetiva era demostrar que, en lugar de capturar el mundo exterior, una fotografía era capaz de expresar el mundo interior del fotógrafo. Al exhibir Luminogramas de Steinert de la década de 1950 junto a pinturas de salpicaduras y goteos de Jackson Pollock, Forma de la Luz demostrará el vínculo entre la filosofía y la estética del Expresionismo Abstracto, y la de la Fotografía Subjetiva. Y hay mucho más en esta exposición también. Además de estudiar leyendas modernistas como László Moholy-Nagy, Bill Brandt, Guy Bourdin y Jacques Mahé de la Villeglé, también examina a muchos fotógrafos abstractos contemporáneos como Barbara Kasten y James Welling. Mostrar a estos diversos artistas en conjunto es una idea visionaria. Nos ofrece no solo la oportunidad de familiarizarnos o reexaminar la historia de la fotografía abstracta. También ofrece la oportunidad de romper nuestras nociones preexistentes sobre qué es la fotografía, qué define la abstracción y qué artistas fueron y son realmente responsables de dar forma a la historia del arte abstracto.
Forma de la Luz: 100 años de Fotografía y Arte Abstracto se llevará a cabo del 2 de mayo al 14 de octubre de 2018 en el Tate Modern, Londres.
Imagen destacada: Otto Steinert - Luminograma II, 1952, Fotografía, impresión en gelatina de plata sobre papel, 302 x 401 mm, Colección Jack Kirkland Nottingham, © Patrimonio Otto Steinert, Museo Folkwang, Essen
Por Phillip Barcio
