100 Años de Arte y Fotografía Abstracta en Tate
La conversación sobre la fotografía abstracta se ha vuelto bastante interesante en las últimas décadas, ya que la fotografía digital y la manipulación fotográfica se han vuelto omnipresentes. Ahora, una nueva exposición que se inaugura en mayo de 2018 en la Tate promete ampliar aún más esa conversación. Forma de la Luz: 100 años de Fotografía y Arte Abstracto presentará más de 300 obras de más de 100 artistas. Examinará la historia de la fotografía abstracta junto con el desarrollo de la abstracción en la pintura y la escultura. La abstracción pura se manifestó ampliamente en la pintura y escultura occidental alrededor de la primera década del siglo XX. Pero la fotografía estaba un poco más rezagada. Aunque para entonces ya contaba con casi un siglo para desarrollarse, aún no se consideraba realmente un arte fino. Su único uso se percibía como una forma de mostrar la realidad: un momento congelado en el tiempo grabado en nitrato de plata. Pero algunos de los primeros fotógrafos más filosóficos comprendieron que, en lugar de capturar imágenes, lo que realmente captura el proceso fotográfico es la luz. Vieron que los fotógrafos podrían potencialmente crear composiciones puramente abstractas, igual que un pintor o un escultor, usando luz en lugar de pintura, madera, grafito o piedra. A medida que varios fotógrafos han experimentado con diferentes métodos para lograr la abstracción a lo largo de las décadas, han impulsado muchos debates fructíferos sobre qué define una fotografía y qué es exactamente lo que hace que una imagen sea abstracta. Al yuxtaponer los frutos de esos debates junto con los avances en otros tipos de arte abstracto, Forma de la Luz presenta una oportunidad fascinante para descubrir cómo en ocasiones la fotografía abstracta siguió los pasos de la pintura y la escultura, y cómo en otras ocasiones abrió el camino.
Entra el Vortógrafo
Uno de los puntos clave en la historia de la fotografía abstracta ocurrió alrededor del cambio de siglo, cuando dos grupos de fotógrafos —conocidos como Photo Succession y el Linked Ring— comenzaron a defender la aceptación de la fotografía como arte fino. Alvin Langdon Coburn fue un miembro clave de ambos grupos. Coburn tendrá un papel destacado en Forma de la Luz, porque se le considera el inventor del Vortógrafo —el primer tipo de foto puramente abstracta. Los primeros Vortógrafos se tomaron cuando Coburn colocó tres espejos en la parte frontal de su cámara en una formación triangular. Esencialmente, los espejos actuaban como un caleidoscopio. Las fotografías resultantes muestran una realidad fracturada, llena de líneas diagonales fuertes y formas triangulares. Ese lenguaje de línea y forma llevó a Ezra Pound a llamar a las imágenes Vortógrafos, porque se parecen a las pinturas vorticistas.
László Moholy-Nagy - Fotograma, c.1925, Fotografía, impresión en gelatina de plata sobre papel, 181 x 238 mm, Colección Jack Kirkland, Nottingham
La Tate exhibirá pinturas vorticistas de artistas como Wyndham Lewis junto con Vortógrafos de Coburn. También se yuxtapondrán con obras de pintores cubistas, como Georges Braque. La comparación con el Cubismo puede ser ya evidente, ya que tanto el Cubismo como los Vortógrafos dividen el espacio visual en múltiples perspectivas simultáneas. Pero la comparación con las pinturas vorticistas puede ser un poco más confusa. El vorticismo fue una amalgama de Cubismo y Futurismo. Fue un intento puramente formal de combinar las apariencias de ambos. Cuando inventó el Vortógrafo, Coburn estaba haciendo algo totalmente único. No intentaba imitar tendencias. Trataba de demostrar que la fotografía podía usarse para capturar algo distinto a la realidad objetiva. Por esta razón, Forma de la Luz aclara cómo Coburn fue mucho más un innovador que sus colegas vorticistas, iluminando una forma en que la fotografía abstracta reclama raíces distintivas.
Barbara Kasten - Pintura Fotogénica, Sin título 74/13 (ID187), 1974, Fotografía, impresión en papel salado, 558 x 762 mm, Cortesía de la artista, Galería Thomas Dane y Galería Bortolami, Nueva York, © Barbara Kasten
Fotografía Abstracta a lo Largo de las Décadas
Otra yuxtaposición fascinante que se ofrecerá en Forma de la Luz es la colocación de fotografías de André Kertész en contexto con las obras de pintores surrealistas. En 1933, Kertész creó una serie de fotografías llamadas Distorsiones, en las que se usaron espejos para crear imágenes retorcidas, alargadas y biomórficas de cuerpos humanos. Las fotografías comparten mucho en común con las formas humanas surrealistas en pinturas de Picasso, Miró y otros. Dado que las Distorsiones se crearon más de una década después del inicio del movimiento surrealista, podría parecer que Kertész estaba copiando a los surrealistas. Pero la primera vez que Kertész publicó una fotografía distorsionada fue en realidad en 1917. Titulada Nadador Submarino, esa imagen muestra una forma humana ondulada y estirada en un paisaje inquietante. Encajaría naturalmente en una pintura de Salvador Dalí. Fechada tres años antes del inicio del Surrealismo, vuelve a plantear preguntas sobre si, y cómo, la fotografía fue realmente responsable de influir en la trayectoria del arte abstracto en general.
Forma de la Luz también yuxtapone las obras de dos artistas de mediados de siglo: Otto Steinert y Jackson Pollock. Steinert creó un legado diverso dentro del mundo de la fotografía, pero una de sus contribuciones más importantes fue cuando organizó una serie de exposiciones itinerantes en los años 50 llamadas Fotografía Subjetiva. La idea de las exposiciones de Fotografía Subjetiva era demostrar que, en lugar de capturar el mundo exterior, una fotografía era capaz de expresar el mundo interior del fotógrafo. Al exhibir Luminogramas de Steinert de los años 50 junto con pinturas de salpicaduras y goteos de Jackson Pollock, Forma de la Luz demostrará el vínculo entre la filosofía y la estética del Expresionismo Abstracto y la de la Fotografía Subjetiva. Y hay mucho más en esta exposición también. Además de estudiar leyendas modernistas como László Moholy-Nagy, Bill Brandt, Guy Bourdin y Jacques Mahé de la Villeglé, también examina a muchos fotógrafos abstractos contemporáneos como Barbara Kasten y James Welling. Mostrar a estos diversos artistas en conjunto es una idea visionaria. Nos ofrece no solo la oportunidad de familiarizarnos o reexaminar la historia de la fotografía abstracta, sino también la oportunidad de romper nuestras nociones preconcebidas sobre qué es la fotografía, qué define la abstracción y qué artistas fueron y son realmente responsables de moldear la historia del arte abstracto.
Forma de la Luz: 100 años de Fotografía y Arte Abstracto se llevará a cabo del 2 de mayo al 14 de octubre de 2018 en la Tate Modern, Londres.
Imagen destacada: Otto Steinert - Luminograma II, 1952, Fotografía, impresión en gelatina de plata sobre papel, 302 x 401 mm, Colección Jack Kirkland Nottingham, © Patrimonio Otto Steinert, Museo Folkwang, Essen
Por Phillip Barcio
