Escultura Abstracta - El Lenguaje de lo Lleno y lo Vacío

Desde los primeros días del Modernismo, se han planteado preguntas sobre la naturaleza y la diferencia entre el arte abstracto bidimensional y tridimensional. En la primera década del siglo XX, Constantin Brancusi planteó la cuestión básica de qué debía transmitir la escultura abstracta: ¿la imagen de un sujeto o su esencia? En la siguiente década, Pablo Picasso demostró que una escultura no necesitaba ser tallada, moldeada o fundida: podía ser ensamblada. En la década siguiente, Alexander Calder demostró que la escultura podía moverse. Y aún décadas después, en referencia a sus obras interdisciplinarias, Donald Judd propuso “Objetos Específicos” como alternativa a las palabras pintura y escultura. Aunque el tema podría llenar varios libros, hoy te ofrecemos una breve, y ciertamente muy reducida, línea de tiempo con algunos de los hitos de la historia de la escultura abstracta.

El Padre de la Escultura Abstracta

Constantin Brâncusi nació en Rumania en 1876, cuando el universo del arte europeo básicamente consistía en pintura y escultura, y ambas eran casi enteramente figurativas. Aunque la evolución gradual hacia la abstracción había comenzado, pocos artistas profesionales se habían atrevido aún a intentar la abstracción pura, o incluso a definir qué significaba exactamente. La primera experiencia de Brâncusi con la escultura fue completamente práctica, tallando herramientas agrícolas para usarlas como trabajador infantil. Incluso cuando finalmente ingresó a la escuela de arte, recibió una formación clásica. Pero cuando Brâncusi dejó Rumania en 1903, llegando finalmente a París, se involucró en la conversación modernista. Estuvo de acuerdo con entusiasmo con las ideas que circulaban sobre la abstracción, y pronto concluyó que el propósito moderno de la escultura era presentar “no la forma exterior sino la idea, la esencia de las cosas.”

En 1913, algunas de las primeras esculturas abstractas de Brâncusi se exhibieron en la ciudad de Nueva York como parte de la Armory Show de ese año, la exposición en gran parte responsable de introducir el arte modernista en Estados Unidos. Los críticos ridiculizaron públicamente su escultura Retrato de Mademoiselle Pogany por, entre otras cosas, parecer un huevo. Trece años después, Brâncusi se reiría por última vez de los estadounidenses cuando una de sus esculturas provocó un cambio en la ley federal de EE. UU. Eso ocurrió cuando un coleccionista compró e intentó enviar a EE. UU. una de las esculturas de pájaros de Brâncusi, que en nada se parecía a pájaros, sino que representaba el vuelo. En lugar de eximir la escultura abstracta como arte, los funcionarios de aduanas cobraron al coleccionista un impuesto de importación. El coleccionista demandó y ganó, lo que resultó en una declaración oficial de los tribunales estadounidenses de que algo no tenía que ser representacional para ser considerado arte.

Constantin Brancusi - El Beso, 1907 (izquierda) y Retrato de Mademoiselle Pogany, 1912 (derecha), Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, París

Pablo Picasso y el Arte del Ensamblaje

Pablo Picasso fue otro pionero vital en el ámbito de la escultura abstracta, aunque tal vez no lo pretendía. Alrededor de 1912, Picasso comenzó a expandir sus ideas sobre el cubismo hacia el ámbito tridimensional. Empezó haciendo collages, que debido a su superficie en capas y al uso de materiales y objetos encontrados en lugar de pintura ya tenían una cualidad tridimensional. Luego tradujo la idea del collage al espacio tridimensional completo ensamblando objetos reales, especialmente guitarras, con materiales como cartón, madera, metal y alambre.

Tradicionalmente, la escultura resultaba de un molde, o de la formación de masa como la arcilla, o de algún proceso reductivo como el tallado. Picasso desafió inadvertidamente esa tradición creando un objeto escultórico mediante el acto de ensamblar piezas dispares de materiales encontrados en una forma. Además, sorprendió al colgar este ensamblaje en la pared en lugar de colocarlo sobre un pedestal. Los espectadores del arte quedaron desconcertados e incluso indignados por las guitarras de Picasso, exigiendo saber si eran pinturas o esculturas. Picasso insistió en que no eran ninguna de las dos cosas, diciendo, “No es nada, ¡es la guitarra!” Pero, intencionadamente o no, desafió la definición fundamental de escultura y comenzó uno de los debates más duraderos sobre el arte abstracto.

Pablo Picasso - Construcción de guitarra de cartón, 1913, MoMA

Objetos Encontrados

Tan revolucionarios como artistas como Picasso y Brâncusi pudieron parecer a los espectadores de su época, es interesante notar que 1913 es también el año en que el artista dadaísta Marcel Duchamp apropió el término “readymade” para designar obras de arte consistentes en objetos encontrados, firmados y exhibidos por un artista como su obra. Según Duchamp, los objetos ordinarios podían ser “elevados a la dignidad de obra de arte por la mera elección de un artista.” En 1917, Duchamp exhibió Fountain, quizás su readymade más famoso, consistente en un urinario colocado de lado y firmado “R. Mutt.”

Duchamp creó Fountain para presentarla en la primera exposición de la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, que se anunciaba como una muestra completamente abierta de arte contemporáneo, sin jurados ni premios. La obra fue extrañamente rechazada de la muestra, causando un escándalo en la comunidad artística ya que el propósito de la exposición era no juzgar las obras. La junta de la Sociedad emitió una declaración sobre Fountain que decía: “no es, bajo ninguna definición, una obra de arte.” Sin embargo, la obra inspiró a generaciones de creadores venideros.

Una copia realizada en 1964 de la Fountain original de Duchamp de 1917

Faktura y Tektonika

En 1921, un grupo de artistas llamado El Primer Grupo de Trabajadores Constructivistas surgió en Rusia. El objetivo de su movimiento, que llamaron Constructivismo, era crear un arte puro basado en principios formales, geométricos y abstractos que involucraran activamente al espectador. Los principios escultóricos del Constructivismo se dividieron en dos elementos separados: faktura se refería a las cualidades materiales de una escultura, y tektonika se refería a la presencia de una escultura en el espacio tridimensional.

Los constructivistas creían que la escultura no necesitaba ningún sujeto en absoluto, y podía adoptar propiedades completamente abstractas. Lo único que les importaba era la exploración de la materialidad y el espacio. Eran especialmente conscientes de la forma en que un objeto ocupaba el espacio de exhibición, así como de cómo interactuaba con el espacio entre él y el espectador. La escultura constructivista ayudó a definir las nociones de que una escultura podía contener y definir el espacio además de simplemente ocuparlo, y que el espacio mismo podía convertirse en un elemento importante de la obra.

La primera Exposición Constructivista, 1921

Dibujar en el Espacio

A finales de la década de 1920, el lenguaje escultórico abstracto modernista incluía relieves dimensionales, objetos encontrados, abstracción geométrica y figurativa y la noción de la plenitud y el vacío del espacio físico. Los futuristas italianos incluso intentaron usar la escultura para demostrar el movimiento, o dinamismo, en piezas como Formas Únicas de Continuidad en el Espacio de Umberto Boccioni (cubierto con más detalle aquí). Pero el honor de introducir el movimiento real en la escultura, creando un nuevo campo llamado Escultura Cinética, corresponde a Alexander Calder.

Calder se formó como ingeniero mecánico y solo después asistió a la escuela de arte. Tras graduarse, comenzó a fabricar juguetes mecánicos, diseñando eventualmente un circo mecánico completo. Alrededor de 1929, empezó a hacer delicadas y juguetonas esculturas de alambre, que describió como “dibujar en el espacio.” En 1930, cuando añadió partes móviles a sus esculturas de alambre, Marcel Duchamp llamó a estas obras “móviles.” Los móviles cinéticos de Calder se han convertido en la parte más reconocible de su obra y han inspirado a artistas como Jean Tinguely, creador de la Metamécanica. También influyeron quizás en la maestra modernista más prolífica del “dibujar en el espacio,” la artista venezolana Gego, quien llevó el concepto a extremos elaborados en los años 60.

Gego, construcción espacial de alambre, vista parcial de instalación

Combines y Acumulaciones

En los años 50, los artistas conceptuales continuaron con las ideas pioneras de Picasso y Duchamp. El concepto del objeto encontrado se volvió ubicuo a medida que las grandes ciudades metropolitanas se saturaban de desechos y la producción y consumo masivo de productos industriales alcanzaban nuevas alturas. El artista multidisciplinario Robert Rauschenberg incorporó los fundamentos de los collages y ensamblajes de Picasso con los conceptos de Duchamp sobre objetos encontrados y las elecciones del artista para crear lo que se convirtió en su contribución distintiva a la escultura abstracta. Los llamó “Combines,” y eran esencialmente ensamblajes escultóricos hechos de basura variada, restos y productos industriales, combinados cuidadosamente en una sola masa por el artista.

Robert Rauschenberg - Monograma, combine independiente, 1955, © 2018 Fundación Robert Rauschenberg

Alrededor de la misma época, el artista conceptual Arman, uno de los miembros fundadores de los Nuevos Realistas, usó la idea del Readymade de Duchamp como punto de partida para una serie de obras escultóricas que llamó Acumulaciones. Para estas obras, Arman reunió múltiples objetos readymade iguales y los soldó juntos en una masa escultórica. Al utilizar los productos de esta manera, recontextualizó la idea de un producto readymade, usándolo como una forma abstracta, eliminando su significado anterior y transformándolo en algo simbólico y subjetivo.

Arman - Acumulación Renault No.106, 1967, © Arman

Materiales y Proceso

Para los años 60, los escultores se centraban cada vez más en los aspectos formales puros de sus obras. Como una especie de rechazo a la emoción y el drama de sus predecesores, escultores como Eva Hesse y Donald Judd se enfocaron en los materiales crudos que componían sus obras y en los procesos mediante los cuales se fabricaban sus objetos. Eva Hesse fue pionera en el trabajo con materiales industriales a menudo tóxicos como el látex y la fibra de vidrio.

Eva Hesse - Repetición Diecinueve III, 1968. Fibra de vidrio y resina de poliéster, diecinueve unidades, cada una de 48 a 51 cm x 27.8 a 32.2 cm de diámetro. Colección MoMA. Donación de Charles y Anita Blatt. © 2018 Patrimonio de Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zúrich

A diferencia de Hesse, cuya técnica e individualidad se destacaban en sus formas escultóricas, Donald Judd se esforzó por eliminar completamente cualquier evidencia de la mano del artista. Trabajó para crear lo que llamó Objetos Específicos, objetos que trascendían las definiciones del arte bidimensional y tridimensional, que usaban procesos y materiales industriales, y que usualmente eran fabricados por máquinas o por trabajadores distintos al artista.

Donald Judd - Sin título, 1973, latón y Plexiglás azul, © Donald Judd

Arte Contemporáneo Omnidisciplinario

Gracias a los avances que los escultores modernistas han logrado en los últimos más de 100 años, hoy vivimos una época de asombrosa apertura en el arte abstracto. Gran parte de la práctica contemporánea es omnidisciplinaria, resultando en fenómenos estéticos emocionantes y polimorfos. Las obras de muchos artistas abstractos contemporáneos tienen una presencia tan única que desafían etiquetas simples como “pintura,” “escultura” o “instalación.” Los pioneros modernistas de la escultura abstracta son, en gran medida, responsables de gran parte de la apertura y libertad que disfrutan los artistas contemporáneos, y de las innumerables formas en que podemos disfrutar sus interpretaciones estéticas de nuestro mundo.

Imagen destacada: Alexander Calder - Pluma Azul, 1948, escultura cinética de alambre, © Calder Foundation
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio