Cómo Karel Appel rompió las reglas a través de un experimento

Hoy en día, damos por sentado que el arte es un campo creativo. Pero, ¿qué significa eso? Para que algo sea creado, no debe haber existido previamente. La creatividad exige originalidad. Por lo tanto, los artistas son originadores. Pero esto no siempre fue así. En 1921, cuando nació Karel Appel, la creatividad apenas comenzaba a afirmarse como la fuerza impulsora del arte. Hablando históricamente, antes del Modernismo, el éxito en el mundo del arte se lograba más a menudo a través de cosas como el dominio técnico y estético que por la creatividad. Se esperaba que los artistas profesionales imitaran el mundo observable, o al menos lo referenciaran, y lo hicieran de una manera que tuviera sentido intelectual. Incluso los artistas abstractos necesitaban ser capaces de explicar a los espectadores y críticos lo que estaban haciendo y por qué lo estaban haciendo, haciendo referencia a ideologías y metodologías que estaban fundamentadas en patrones de pensamiento existentes. Karel Appel fue parte de la generación de artistas que desafiaron esa forma de abordar la creación del arte. En lugar de abordar el arte desde la perspectiva de lo que ya existe, Appel abogó por un arte que expresara lo que aún no existe. Al hacerlo, instituyó un nuevo paradigma para los artistas basado en la creatividad y la originalidad, que no solo rompió las reglas, sino que quizás abolió la necesidad de reglas por completo.

Experimentación Indeterminada

Todos probablemente estamos familiarizados con el aforismo: “Si no está roto, no lo arregles.” Por muy conciso y cliché que suene, ese sentimiento expresa la sensación que está en el corazón mismo del Modernismo. A finales del siglo XIX, cualquiera en el mundo occidental que tuviera una perspectiva global y que fuera capaz de una observación crítica podía ver claramente que “estaba roto”: el “it” siendo el progreso humano. La lógica de la Civilización Occidental había llevado a una atmósfera de intensa competencia y violencia que amenazaba con desgarrar el tejido de la humanidad. Aunque había muchas personas en ese momento que se beneficiaban financiera o de otra manera del sistema roto, había muchas más que podían ver que era hora de un cambio.

El modernismo es el nombre que usamos en términos generales para referirnos a la época que comenzó cerca del final del siglo XIX, durante la cual se realizaron una serie de amplios esfuerzos transformadores por parte de las personas para reimaginar lo que es y podría ser la sociedad humana moderna. El principio fundamental del modernismo fue mejor expresado por el autor Ezra Pound, cuando dijo: “¡Hazlo nuevo!” Hablaba del deseo ampliamente compartido que tantas personas tenían de dar existencia a algún tipo de realidad cultural alternativa. Pero la pregunta en la mente de cada modernista era: “¿Cómo lo hacemos nuevo?” La mayoría de las diversas respuestas que se propusieron involucraban inventar nuevos estilos artísticos, o abstraer la forma actual de ver el mundo, o innovar el uso de elementos estéticos como el color, la línea o la forma. La solución que propuso Karel Appel fue única. Ignoró por completo la estética y el estilo, y se centró en un factor simple: la originalidad, habilitada por la libertad sin restricciones para experimentar.

Karel Appel - Los bomberos salvajes, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

La Presencia de la Ausencia

Para Appel, el valor del acto artístico no tenía nada que ver con el producto que eventualmente se crearía como resultado del acto. Lo importante era el proceso creativo. El objetivo no era que un artista hablara sobre lo que iba a hacerse, o que juzgara o explicara lo que finalmente se hizo. El objetivo era simplemente crear: permitir que algo desconocido se manifestara, permitiendo que lo irreal se convirtiera en real. Como dijo Appel, “Si el trazo del pincel es tan importante, es porque expresa precisamente lo que no está allí.” 

Karel Appel - Escultura sin título, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Se ha señalado a menudo que los primeros esfuerzos de Appel en la creación estética experimental sin restricciones se asemejan a las imágenes hechas por niños. Sus composiciones cuasi-figurativas, cuasi-abstractas utilizan un vocabulario aparentemente caótico de color y expresiones primarias de línea y forma. De hecho, fueron tan malinterpretadas originalmente que, cuando se exhibieron por primera vez a finales de la década de 1940, fueron objeto de burlas públicas. Pero Appel no se desanimó. No estaba motivado por la aprobación pública. Estaba dedicado a confrontar la ausencia a través de un proceso de manifestación de la presencia. Estaba en un viaje hacia la originalidad, sin importar a dónde terminara ese viaje o cómo se viera.

Karel Appel - Paisaje mental #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Karel Appel y el Grupo CoBrA

¿Qué fue lo que resultó tan impactante en las pinturas de Appel? ¿Fue el hecho de que parecía no preocuparse por los resultados estéticos de su proceso? ¿O fue la libertad con la que creaba lo que resultaba tan perturbador? La respuesta puede encontrarse en las circunstancias del mundo en el que se introdujo el arte de Appel. Su primera exposición tuvo lugar en 1946, cuando Europa acababa de salir de la Segunda Guerra Mundial. La creencia generalizada era que el mundo se había vuelto loco. Las realidades de reconstruir el continente y de enfrentar las asombrosas pérdidas impusieron un agudo sentido de angustia existencial en la cultura. Había un poderoso deseo metafísico de contextualizar la guerra para que los sobrevivientes sintieran que el sacrificio había valido la pena. 

Durante la guerra, los habitantes de Dinamarca, los Países Bajos y Bélgica fueron efectivamente completamente aislados del resto del mundo por la ocupación alemana de su territorio. Inmediatamente después de la guerra, se hizo evidente que un pequeño grupo de artistas que habían pasado la guerra en Copenhague, Bruselas y Ámsterdam habían llegado a un enfoque similar en la creación artística. El grupo, que incluía a Appel, rechazó la lógica y la razón de las instituciones occidentales existentes. Se inspiraron en el arte popular primitivo y en las obras de arte de los niños. Crearon arte arraigado en la intuición, la espontaneidad y la libertad de expresión. Cuando estos artistas comenzaron a exhibir juntos, fueron llamados el grupo CoBrA, una etiqueta tomada de las primeras letras de sus ciudades natales.

Karel Appel - Cuestionando a los Niños, 1949. Gouache sobre madera. Objeto: 873 x 598 x 158 mm, marco: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Una Convergencia de Influencias

Appel no llegó a su enfoque en un vacío. Menciona en su escritura haber visto una exposición de Kurt Schwitters, su primera experiencia al presenciar lo que él llama un objet trouvé, una obra de arte hecha de objetos encontrados. Él llama a la experiencia “desgarradora.” Lo liberó de la necesidad de seguir tradiciones históricas respecto a los medios, y, en ese sentido, lo liberó de todas las tradiciones históricas en absoluto. La libertad intuitiva y casi infantil con la que Appel crea también debe mucho a artistas como Paul Klee y Joan Miro, ambos de los cuales transmitieron un espíritu de libertad desenfrenada en su trabajo.

Aparte de las influencias artísticas, Appel también escribe sobre tres otras influencias en su pensamiento. Menciona el libro Hojas de hierba del poeta estadounidense Walt Whitman, el poema en prosa Las canciones de Maldoror del escritor uruguayo-francés Comte de Lautréamont, y los escritos de Jiddu Krishnamurti, un pensador influyente sobre la naturaleza de la humanidad. Tomadas en conjunto, estas influencias muestran una amplia gama de pensamiento. Hojas de hierba es una de las celebraciones más elocuentes y optimistas de la libertad y la apertura jamás escritas. Las canciones de Maldoror, sin embargo, es una de las exploraciones más distintivas del mal total jamás compuestas. Mientras tanto, Jiddu Krishnamurti alentó la dedicación solo a la conciencia personal para experimentar la verdad y volverse libre.

Karel Appel - de la serie Nude, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

El legado de Appel

Al observar el entusiasmo desenfrenado de los niños y los artistas populares, Appel encontró un camino para descubrir dentro de sí mismo ese mismo sentido de libertad. Valoró la importancia de una mente humana libre. Demostró de manera práctica cómo los artistas podían expresar libre y espontáneamente la experiencia interna de su propia verdad. Ese acto solo inspiró a toda una generación de artistas, incluidos figuras tan importantes como Willem de Kooning y Jackson Pollock, quienes cambiaron el mundo a través de movimientos como Art Informel y Expresionismo Abstracto. 

Pero más allá de los artistas individuales y los estilos que influyó, el verdadero legado de la contribución de Appel se puede resumir en las palabras “proceso creativo.” Es gracias a artistas como Appel que hoy damos por sentado que el aspecto más importante del arte debe ser la originalidad, y no la imitación. En 1989, Appel resumió su experiencia, diciendo: “La creatividad es muy frágil. Es como una hoja en otoño; cuelga y cuando cae no sabes a dónde se dirige… Como artista, tienes que luchar y sobrevivir en la selva para mantener tu libertad creativa.” Al abrazar la verdadera originalidad, Appel eliminó la necesidad de adherirse a cualquier camino que no sea la libre expresión. A través de su trabajo aprendemos que lo importante no es solo coleccionar, categorizar y admirar los productos del trabajo de un artista, sino maravillarse de la originalidad y la libertad de la que provienen estos objetos, y abrazar su origen como el verdaderamente precioso y eterno proceso de creatividad.

Imagen destacada: Karel Appel - Hombres de la pequeña luna, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio