Cómo Karel Appel rompió las reglas a través de un experimento

Hoy damos por sentado que el arte es un campo creativo. Pero, ¿qué significa eso? Para que algo sea creado, debe no haber existido previamente. La creatividad exige originalidad. Por lo tanto, los artistas son originadores. Pero esto no siempre fue así. En 1921, cuando Karel Appel nació, la creatividad apenas comenzaba a imponerse como la fuerza motriz del arte. Históricamente hablando, antes del Modernismo, el éxito en el mundo del arte se lograba más a menudo mediante cosas como el dominio técnico y estético que por la creatividad. Se esperaba que los artistas profesionales imitaran el mundo observable, o al menos lo referenciaran, y que lo hicieran de una manera que tuviera sentido intelectual. Incluso los artistas abstractos necesitaban poder explicar a los espectadores y críticos lo que estaban haciendo y por qué lo hacían, haciendo referencia a ideologías y metodologías basadas en patrones de pensamiento existentes. Karel Appel formó parte de la generación de artistas que desafió esa forma de abordar la creación artística. En lugar de acercarse al arte desde la perspectiva de lo que ya existe, Appel defendía un arte que expresara lo que aún no existe. Al hacerlo, instituyó un nuevo paradigma para los artistas basado en la creatividad y la originalidad, que no solo rompió las reglas, sino que quizás abolió la necesidad de reglas por completo.

Experimentación Indeterminada

Probablemente todos conocemos el aforismo: “Si no está roto, no lo arregles.” Por más conciso y trillado que suene, ese sentimiento expresa la esencia misma del Modernismo. A finales del siglo XIX, cualquiera en el mundo occidental que tuviera una perspectiva global y fuera capaz de observación crítica podía ver claramente que “estaba roto”: el “eso” era el progreso humano. La lógica de la Civilización Occidental había llevado a una atmósfera de intensa competencia y violencia que amenazaba con desgarrar el tejido de la humanidad. Aunque admitidamente había muchas personas en ese momento que se beneficiaban económicamente o de otra manera del sistema roto, había muchas más que podían ver que era tiempo de un cambio.

El Modernismo es el nombre que usamos en términos generales para referirnos a la época que comenzó cerca del final del siglo XIX, durante la cual se hicieron una serie de esfuerzos transformadores amplios por parte de personas para reimaginar qué es y qué podría ser la sociedad humana moderna. El principio fundamental del Modernismo fue mejor expresado por el autor Ezra Pound, cuando dijo: “¡Hazlo nuevo!” Se refería al deseo ampliamente compartido que muchas personas tenían de traer a la existencia algún tipo de realidad cultural alternativa. Pero la pregunta en la mente de todo modernista era: “¿Cómo lo hacemos nuevo?” La mayoría de las respuestas propuestas involucraban inventar nuevos estilos artísticos, abstraer la forma actual de ver el mundo o innovar en el uso de elementos estéticos como el color, la línea o la forma. La solución que propuso Karel Appel fue única. Ignoró por completo la estética y el estilo, y se centró en un factor simple: la originalidad, habilitada por la libertad sin restricciones para experimentar.

Karel Appel - The Wild Firemen, 1947. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

La Presencia de la Ausencia

Para Appel, el valor del acto artístico no tenía nada que ver con el producto que eventualmente se crearía como resultado del acto. Lo importante era el proceso creativo. El objetivo no era que un artista hablara sobre lo que iba a hacer, ni juzgara o explicara lo que finalmente se hizo. El objetivo era simplemente crear: permitir que algo desconocido se manifieste, permitiendo que lo irreal se vuelva real. Como dijo Appel, “Si el trazo del pincel es tan importante, es porque expresa precisamente lo que no está allí.”

Karel Appel - Escultura sin título, 1950. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Se ha señalado a menudo que los primeros esfuerzos de Appel en la creación estética experimental sin restricciones se parecen a dibujos hechos por niños. Sus composiciones cuasi figurativas, cuasi abstractas utilizan un vocabulario aparentemente caótico de color y expresiones primarias de línea y forma. De hecho, fueron tan incomprendidos originalmente que cuando se exhibieron por primera vez a finales de los años 40 fueron objeto de burlas públicas. Pero Appel no se desanimó. No se motivaba por la aprobación pública. Estaba dedicado a confrontar la ausencia mediante un proceso de manifestar la presencia. Estaba en un viaje hacia la originalidad, sin importar dónde terminara ese viaje o cómo se viera.

Karel Appel - Paisaje mental #12, 1977. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Karel Appel y el Grupo CoBrA

¿Qué fue lo que resultó tan impactante en las pinturas de Appel? ¿Fue el hecho de que parecía no importarle el resultado estético de su proceso? ¿O fue la libertad con la que creaba lo que resultaba tan perturbador? La respuesta puede encontrarse en las circunstancias del mundo en el que se introdujo el arte de Appel. Su primera exposición tuvo lugar en 1946, cuando Europa acababa de salir de la Segunda Guerra Mundial. La creencia generalizada era que el mundo se había vuelto loco. Las realidades prácticas de reconstruir el continente y de enfrentar las pérdidas abrumadoras impusieron un sentido agudo de angustia existencial en la cultura. Había un poderoso deseo metafísico de contextualizar la guerra para que los sobrevivientes sintieran que el sacrificio había valido la pena.

Durante la guerra, los habitantes de Dinamarca, los Países Bajos y Bélgica estuvieron efectivamente completamente aislados del resto del mundo debido a la ocupación alemana de sus territorios. Inmediatamente después de la guerra, se hizo evidente que un pequeño grupo de artistas que había pasado la guerra en Copenhague, Bruselas y Ámsterdam había llegado a un enfoque similar para la creación artística. El grupo, que incluía a Appel, rechazaba la lógica y la razón de las instituciones occidentales existentes. Se inspiraban en el arte popular primitivo y en el arte infantil. Hacían arte basado en la intuición, la espontaneidad y la libertad de expresión. Cuando estos artistas comenzaron a exhibir juntos, se les llamó el grupo CoBrA, un nombre tomado de las primeras letras de sus ciudades natales.

Karel Appel - Niños Cuestionadores, 1949. Gouache sobre madera. Objeto: 873 x 598 x 158 mm, marco: 1084 x 818 x 220 mm. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

Una Convergencia de Influencias

Appel no llegó a su enfoque en un vacío. Menciona en sus escritos haber visto una exposición de Kurt Schwitters, su primera experiencia presenciando lo que él llama un objet trouvé, una obra de arte hecha con objetos encontrados. Llama a la experiencia “impactante.” Lo liberó de la necesidad de seguir tradiciones históricas respecto a los medios, y por ello lo liberó de todas las tradiciones históricas en general. La libertad intuitiva y infantil con la que Appel crea también debe una deuda a artistas como Paul Klee y Joan Miró, ambos quienes transmitieron un espíritu de libertad sin inhibiciones en su obra.

Además de las influencias artísticas, Appel también menciona tres otras influencias en su pensamiento. Habla del libro Leaves of Grass del poeta estadounidense Walt Whitman, el poema extenso The Songs of Maldoror del escritor franco-uruguayo Conde de Lautréamont, y los escritos de Jiddu Krishnamurti, un pensador influyente sobre la naturaleza humana. En conjunto, estas influencias muestran un amplio rango de pensamiento. Leaves of Grass es una de las celebraciones más elocuentes y optimistas de la libertad y la apertura jamás escritas. The Songs of Maldoror, sin embargo, es una de las exploraciones más distintivas del mal total jamás compuestas. Mientras tanto, Jiddu Krishnamurti alentaba la dedicación solo a la conciencia personal para experimentar la verdad y alcanzar la libertad.

Karel Appel - de la serie Desnudos, 1963. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel

El Legado de Appel

Al observar el entusiasmo sin restricciones de los niños y los artistas populares, Appel encontró un camino para descubrir dentro de sí mismo ese mismo sentido de libertad. Valoró enormemente la importancia de una mente humana libre. Demostró de manera práctica cómo los artistas podían expresar libre y espontáneamente la experiencia interior de su propia verdad. Ese acto por sí solo inspiró a toda una generación de artistas, incluyendo figuras tan importantes como Willem de Kooning y Jackson Pollock, quienes cambiaron el mundo a través de movimientos como Art Informel y Expresionismo Abstracto.

Pero más allá de los artistas individuales y los estilos que influyó, el verdadero legado de la contribución de Appel puede resumirse en las palabras “proceso creativo.” Es gracias a artistas como Appel que hoy damos por sentado que el aspecto más importante del arte debe ser la originalidad, y no la imitación. En 1989, Appel resumió su experiencia diciendo: “La creatividad es muy frágil. Es como una hoja en otoño; cuelga y cuando cae no sabes hacia dónde se dirige… Como artista tienes que luchar y sobrevivir en la naturaleza salvaje para mantener tu libertad creativa.” Al abrazar la verdadera originalidad, Appel eliminó la necesidad de adherirse a cualquier camino que no fuera la libre expresión. A través de su obra aprendemos que lo importante no es solo coleccionar, categorizar y admirar los productos del trabajo de un artista, sino maravillarse de la originalidad y la libertad de donde surgieron estos objetos, y abrazar su fuente como el proceso verdaderamente precioso e interminable de la creatividad.

Imagen destacada: Karel Appel - Pequeños Hombres Lunares, 1946. © 2018 Artists Rights Society (ARS), Nueva York / Fundación Karel Appel
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio