Arte de Ilusión Óptica que Marcó el Siglo XX

La realidad no siempre es fija; o al menos así puede parecer a la mente humana. Lo que creemos se basa en cierta medida en lo que percibimos, pero lo que percibimos también está a veces determinado por lo que creemos. Arte de ilusión óptica, o Arte Op para abreviar, es un estilo estético que explota intencionadamente esa rareza de la percepción humana que da al ojo humano la capacidad de engañar al cerebro humano. Al manipular patrones, formas, colores, materiales y figuras, los artistas Op se esfuerzan por crear fenómenos que engañan al ojo, confundiendo a los espectadores para que vean más de lo que realmente hay. Y dado que la creencia puede ser tan influyente como el hecho, el Arte Op plantea la pregunta de qué importa más: la percepción o la verdad.

Una breve historia del arte de ilusión óptica

El Arte Op tiene sus raíces en una técnica llamada trompe-l'œil, que en francés significa engañar al ojo. Las primeras referencias a tales tendencias en el arte se remontan a la antigüedad, cuando los artistas griegos antiguos intentaban hacer pinturas tan realistas que la gente literalmente se engañaba creyendo que sus imágenes eran reales. La técnica ha entrado y salido de moda numerosas veces a lo largo de los siglos, alcanzando su apogeo en el siglo XIX con pinturas trompe-l'œil como Escapando de la crítica, pintada en 1874 por Pere Borrell del Caso, que muestra una imagen hiperrealista de un niño saliendo de un marco de cuadro.

Pere Borrell del Caso - Escapando de la crítica, 1874. Óleo sobre lienzo. Colección Banco de España, Madrid, © Pere Borrell del Caso

Pero aunque también está destinado a engañar al ojo, el Arte Op no es lo mismo que el arte hiperrealista. De hecho, el Arte Op tal como lo conocemos hoy es más a menudo abstracto, basándose en composiciones geométricas para convencer al ojo de que existen formas irreales y planos espaciales. La primera técnica abstracta diseñada para engañar al ojo se llamó puntillismo. En lugar de mezclar colores de antemano, los pintores puntillistas colocaban colores sin mezclar uno al lado del otro en un lienzo, creando la ilusión de campos sólidos de colores. Cuando estas pinturas se ven desde la distancia, parece que los colores están mezclados. Georges Seurat inventó el puntillismo y dominó el efecto con pinturas como Faro en Honfleur.

Georges Seurat - Faro en Honfleur, 1886. Óleo sobre lienzo. Total: 66.7 x 81.9 cm (26 1/4 x 32 1/4 pulg.), enmarcado: 94.6 x 109.4 x 10.3 cm (37 1/4 x 43 1/16 x 4 1/16 pulg.). Colección del Sr. y la Sra. Paul Mellon

Ilusiones abstractas

El concepto subyacente al puntillismo dio lugar finalmente a muchas otras técnicas mientras los artistas buscaban maneras de engañar a la mente para que completara una imagen. Inspiró el divisionismo de los futuristas italianos y los planos cuatridimensionales del cubismo. Pero su aplicación más exitosa llegó cuando se combinó con la estética de la abstracción geométrica, como en el grabado geométrico abstracto Constelación estructural, pintado en 1913 por Josef Albers.

Según sus propias declaraciones, Albers no intentaba crear una ilusión óptica con esta obra. Estaba realizando simples experimentos compositivos sobre la percepción de líneas y formas en una superficie bidimensional. Sin embargo, descubrió que la disposición de líneas, formas y colores en una superficie puede alterar la forma en que la mente percibe lo que es real. Y aunque no intentó engañar intencionadamente a los espectadores con sus obras, dedicó toda una vida a investigar estos efectos.

Josef Albers - Constelación estructural, 1913. Líneas blancas grabadas sobre fondo negro en madera. © 2019 Fundación Josef y Anni Albers

Cebras y tableros de ajedrez

Victor Vasarely, contemporáneo de Albers, sí se dedicó a un esfuerzo consciente por encontrar maneras de engañar a los espectadores con su arte. Vasarely fue tanto científico como pintor, y estaba particularmente interesado en las formas en que estas dos actividades se unían para afectar la percepción. Ya en la década de 1920, el artista había aprendido que mediante la manipulación solo de la línea podía distorsionar completamente una superficie bidimensional de modo que engañaba a la mente para que la percibiera como un espacio tridimensional.

Un motivo al que Vasarely recurrió repetidamente en su obra fue la cebra. Las rayas de este animal en realidad sirven para engañar a los depredadores naturales que no pueden distinguir en qué dirección corre el animal debido a la interacción de sus rayas blancas y negras con el entorno. Al descubrir los secretos de este fenómeno, los aplicó a composiciones geométricas más complejas y, para la década de 1960, creó un estilo característico que inspiró lo que hoy se considera el movimiento Modernista del Arte Op.

Victor Vasarely - Cebra, 1938. © Victor Vasarely

Blanco y negro

Una de las artistas de ilusión óptica más famosas del siglo XX fue la británica Bridget Riley, quien se inspiró directamente en la obra de Victor Vasarely. Riley estudió en el Royal College of Art a principios de los años 50. Su obra temprana fue figurativa, pero tras trabajar como ilustradora en una agencia de publicidad se interesó más en crear ilusiones visuales. Comenzó investigando el puntillismo, luego el divisionismo y finalmente desarrolló su propio estilo característico de Arte Op, basado principalmente en la abstracción geométrica en blanco y negro.

Riley tuvo tanto éxito creando ilusiones ópticas en su obra que los espectadores a veces reportaban sentir mareos o náuseas al mirar sus pinturas. Este fenómeno fascinó a Riley, quien se convenció de que la línea entre percepción y realidad es realmente muy frágil, y que una creencia causada por una ilusión podría manifestar consecuencias reales en el mundo físico. Dijo Riley, “Hubo un tiempo en que los significados estaban enfocados y la realidad podía ser fija; cuando ese tipo de creencia desapareció, las cosas se volvieron inciertas y abiertas a interpretación.”

Bridget Riley frente a una de sus grandes pinturas hipnóticas de Arte Op, © Bridget Riley

El ojo sensible

El apogeo del movimiento Modernista del Arte Op llegó con una exposición llamada El ojo sensible que recorrió Estados Unidos en 1965. Esta muestra presentó más de 120 obras de docenas de artistas que representaban una amplia gama de posiciones estéticas. La exposición incluyó las obras altamente ilusionistas de Victor Vasarely y Bridget Riley, así como abstracciones geométricas más sobrias de artistas como Frank Stella y Alexander Liberman y esculturas cinéticas de artistas como Wen-Ying Tsai y Carlos Cruz-Diez.

También formó parte del grupo El ojo sensible el escultor Jesús Rafael Soto, quien probablemente llevó el Arte Op más lejos en el ámbito de la percepción tridimensional con un conjunto de obras llamado Penetrables. Estas creaciones interactivas consisten en cientos de tubos plásticos colgantes parcialmente pintados por los que los espectadores pueden caminar. Cuando están sin perturbar, presentan una ilusión impactante de que una forma concreta flota en el espacio. Pero cuando los espectadores interactúan físicamente con las esculturas, la ilusión se disuelve, dando la percepción de que una realidad concreta puede, de hecho, ser deformada y alterada por el toque humano.

Jesús Rafael Soto - Penetrable. © Jesús Rafael Soto

El legado del Arte Op

La bendición y la maldición del Arte Op es su popularidad. Cuando el movimiento estaba en su apogeo en los años 60, muchos críticos lo despreciaban porque sus imágenes eran apropiadas vorazmente por fabricantes de objetos kitsch como camisetas, tazas y carteles. Pero para artistas como Victor Vasarely y Jesús Rafael Soto, ese era precisamente el punto.

Estos creadores creían que el valor de una obra de arte se determina por el grado en que un espectador puede participar en su culminación. Crearon fenómenos estéticos que se adaptan a cada nuevo espectador, creando posibilidades interpretativas ilimitadas. El hecho de que su arte se consumiera a nivel masivo estaba perfectamente en línea con su concepto, que es que no debería haber barreras entre las personas y el arte, y que las barreras que parecen existir solo existen en nuestra percepción.

Imagen destacada: Victor Vasarely - Vega-Nor, 1969. Acrílico sobre lienzo. 200 x 200 cm. © Victor Vasarely
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio