El Abstracto y lo Oscuro en el Arte de Niki de Saint Phalle

Más de una década después de su muerte, Niki de Saint Phalle sigue siendo un ícono de valentía. Es un acto de coraje para un artista crear obras honestas y personales. Invitar al resto de la humanidad a acompañarte mientras te conoces a ti mismo, enfrentas tus demonios y luego te transformas, todo en público, requiere confianza, valor, generosidad y sentido del humor. De Saint Phalle poseía todas esas cualidades. Demostró valentía al forjar con confianza una carrera como artista autodidacta. Mostró confianza al hablar abiertamente sobre sus traumas personales y sus ambiciones de demostrar que las artistas podían alcanzar el mismo éxito que los hombres. Vivió con generosidad, donando varios cientos de pinturas y esculturas a múltiples museos a lo largo de su vida. Y su inmensa capacidad para el humor se manifestó en la abundante fantasía e ingenio de gran parte de su obra. Cuando murió en 2002 a los 72 años, de Saint Phalle se había hecho más conocida por sus Nanas: esculturas coloridas y figurativas que se ven como una celebración de la esencia femenina. Pero su éxito inicial llegó en forma de obras abstractas que llamó Pinturas Disparadas. Al seguir su desarrollo a través de esas primeras obras, podemos obtener una mejor perspectiva de la profundidad de su pensamiento y comprender mejor el simbolismo y las narrativas subyacentes en el resto de su obra.

Una juventud no tan ejemplar

Los admiradores de Niki de Saint Phalle suelen interpretar su obra como esencialmente alegre. Por eso sorprendió a muchos cuando de Saint Phalle escribió públicamente en sus 60 años sobre el abuso sexual que sufrió a los 11 años a manos de su padre. A simple vista, había disfrutado de una juventud algo típica, incluso agradable. Era una de cinco hijos nacidos de un padre francés y una madre estadounidense. Cuando tenía tres años, su familia se mudó de París a Nueva York, debido al impacto que la Gran Depresión tuvo en el negocio bancario familiar. Pero una vez en Nueva York, de Saint Phalle se convirtió en una joven bien educada y exitosa.

Cuando era adolescente, de Saint Phalle trabajó como modelo profesional, llegando a la cima de esa industria, apareciendo en las portadas de importantes publicaciones internacionales como Life Magazine y Vogue. Pero a pesar de la apariencia de una vida buena, se podían ver pequeñas señales de un lado más oscuro tras puertas cerradas. Fue expulsada de la escuela una vez por vandalizar estatuas. Y a los 18 años, a pesar de declarar firmemente su resistencia a las expectativas patriarcales burguesas de que las mujeres debían ser amas de casa, huyó y se casó con un amigo de la familia, el futuro escritor Harry Mathews, también de 18 años en ese momento.

Niki de Saint Phalle - Belleza bañándose, resina y hierro 165 × 165 × 89 cm, única, poliéster pintado, 45.7 × 48.3 × 21.6 cm, créditos fotográficos Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale

Encontrando inspiración

El abuso temprano por parte de su padre sin duda llevó a su decisión de abandonar el hogar, pero como se mencionó, pasarían casi cinco décadas antes de que de Saint Phalle revelara el abuso y lo enfrentara en público. Sin embargo, influyó en su obra temprana. Poco después de fugarse, ella y Harry se mudaron a Cambridge, Massachusetts, donde Harry obtuvo un título en música en Harvard. Mientras vivían allí, tuvieron a su primera hija y Niki comenzó a enseñarse a pintar. Luego, en 1952, después de que Harry se graduó, la joven familia se mudó a Francia. Allí, de Saint Phalle sufrió una crisis nerviosa.

Fue internada, diagnosticada con esquizofrenia y sometida a terapia electroconvulsiva. El diagnóstico fue erróneo. Pero mientras estaba en el hospital, conectó con la idea de abordar su tormento interior a través del arte. Tras recuperarse, ella, Harry y su hija se mudaron a España. Allí tuvieron a su segundo hijo, un varón, y de Saint Phalle tuvo su siguiente gran avance gracias a la obra de Antoni Gaudí, un maestro del modernismo decorativo. Su estilo extraño y maravilloso incorporaba materiales cotidianos como cerámica, vidrio, concreto y metal para crear diseños biomórficos fantásticos.

Niki de Saint Phalle - Nana de California, 2000, resina de poliéster, 33 × 19.7 × 17.8 cm, edición 124/150, créditos fotográficos Heather James Fine Art

De vuelta a casa

De Saint Phalle regresó con su familia a París llena de inspiración y se sumergió con entusiasmo en la comunidad artística modernista de la ciudad. Conoció la obra de los expresionistas abstractos y se conectó íntimamente con su búsqueda de expresar el yo interior. También vio una exposición de los ensamblajes del artista Robert Rauschenberg, con los que se identificó por su capacidad para contextualizar objetos y materiales cotidianos de manera abstracta y simbólica.

Lo más importante fue que se familiarizó con la obra del Nuevo Realismo. Este grupo de artistas vanguardistas se centraba en descubrir “nuevas formas de percibir lo real.” Incluía artistas como Yves Klein, Arman y Jean Tinguely, todos dedicados a encontrar maneras de acercar el arte y la vida. De Saint Phalle se sintió especialmente inspirada por las ideas de Jean Tinguely y pronto comenzó a colaborar con él en nuevas ideas. Hablaba de Tinguely como una especie de alma gemela, alguien que estaba destinada a conocer.

Niki de Saint Phalle - Les Baigneurs (Los bañistas), 1980, poliéster pintado, 45.7 × 48.3 × 21.6 cm, créditos fotográficos Madelyn Jordon Fine Art, Scarsdale

Destruyendo el patriarcado

El punto de inflexión para de Saint Phalle llegó alrededor de 1960. Ese fue el año en que se divorció de Harry Mathews y se mudó a una colonia de artistas con Jean Tinguely. Y fue el año en que comenzó lo que se convertiría en el primer gran cuerpo de obra de Niki de Saint Phalle. Basándose en todas sus influencias y experiencias, creó una serie de objetos abstractos que incorporaban performance, objetos encontrados y materiales comunes, y que encarnaban su deseo de expresar su trauma interior mientras comunicaba su desprecio por los valores burgueses patriarcales. Llamó a estas obras Tirs, o Pinturas Disparadas.

Sus Pinturas Disparadas eran básicamente ensamblajes de objetos encontrados adheridos a una superficie plana y luego cubiertos con yeso blanco. Dentro de ellos había globos llenos de pintura. Después de construirlos, Niki de Saint Phalle los disparaba con un rifle. Las balas perforaban la obra, liberando chorros volcánicos de pintura de los globos. Las primeras Pinturas Disparadas eran composiciones abstractas, aún más abstractas por las salpicaduras y gotas de pintura de los disparos. Pero pronto las composiciones comenzaron a incorporar formas humanas, especialmente masculinas. Sobre estos objetos, de Saint Phalle dijo una vez: “Disparé a papá, a todos los hombres, a los hombres importantes, a los hombres gordos… a mi hermano, a la sociedad, a la iglesia, al convento, a la escuela, a mi familia…”

Niki de Saint Phalle - Nana mediana bailarina, 1970, yeso pintado sobre base de metal, ejecutada por Jean Tinguely, 56 cm, única, créditos fotográficos CFHILL, Estocolmo

Cambio de impulso

Las Pinturas Disparadas transmitían la idea de creación a través de la destrucción y conectaban muchos de los movimientos artísticos predominantes de la época, como la Pintura de acción, el Arte de Performance, el Arte Conceptual y el Arte Pobre. Su impacto fue inmediato. Llevaron a que de Saint Phalle recibiera su primera exposición individual en París en 1961 y a que fuera la única artista mujer invitada a unirse a los Nuevos Realistas. Ese año, sus ensamblajes también fueron incluidos en la exposición del MOMA en Nueva York titulada El arte del ensamblaje, junto a obras de algunos de sus contemporáneos más importantes, desde Marcel Duchamp hasta Robert Rauschenberg.

En el apogeo de esta atención, de Saint Phalle se tomó un tiempo para viajar con su pareja de vida Jean Tinguely por el oeste americano y México, participando en Happenings y ampliando su conocimiento de las tradiciones del arte popular. En este viaje, conoció las Torres de Watts, una obra maestra icónica del arte marginal creada durante varias décadas por el artista autodidacta Simon Rodia en su patio trasero en el sur de Los Ángeles. La obra reconectó a de Saint Phalle con un sueño que tuvo en el hospital, de un jardín monumental de esculturas basado en los personajes de las cartas del Tarot. En lugar de continuar con la trayectoria abstracta que llevaba, regresó a Francia y comenzó a llevar su obra en una dirección decididamente figurativa, construyendo hacia lo que esperaba sería la realización definitiva de su sueño del jardín de esculturas.

Niki de Saint Phalle - Nana y Perro, 1986, poliéster pintado, 41 cm, créditos fotográficos CFHILL, Estocolmo

Una invitación al interior

Unos años más tarde, Niki de Saint Phalle creó la obra maestra que definió la naturaleza de su arte futuro y le permitió realizar su Jardín del Tarot. Esa obra maestra fue una escultura monumental llamada Hon, que en sueco significa Ella, realizada en colaboración con Jean Tinguely y Pet Olof Ultvedt. Hon era una figura femenina de 25 metros de largo, 9 metros de ancho y 6 toneladas, acostada de espaldas con las piernas abiertas. Al caminar por su abertura vaginal, los visitantes podían entrar en la pieza donde les esperaban exposiciones de arte, un bar y un cine.

Hon ofrecía una mirada literal al interior de la esencia femenina. Conceptualmente era un rechazo al patriarcado y una celebración de la feminidad. Estéticamente prefiguraba las Nanas que de Saint Phalle pasaría las siguientes décadas creando. Esas Nanas, así como su ahora completado monumental Jardín del Tarot en la Toscana, encarnan las cualidades figurativas y literales con las que se asocian. Pero al igual que sus Pinturas Disparadas, también transmiten la esencia abstracta del deseo de los Nuevos Realistas de apropiarse de imágenes del mundo y traducirlas de maneras que nos ayuden a percibir la realidad de nuevo. Son la culminación de la obra de vida de una artista que estuvo plenamente comprometida a expresar su verdad personal a su manera.

Imagen destacada: Niki de Saint Phalle - La Máquina de Soñar, 1970, créditos fotográficos Opera Gallery
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio