La Influencia del Arte Abstracto en el Diseño Moderno y Contemporáneo
Los diseños de arte abstracto se pueden encontrar en todas partes: en la moda, el mobiliario, la arquitectura, la publicidad y prácticamente en cualquier otro producto del diseño contemporáneo. Ya sea una línea de calzado inspirada en el Op Art, copas de champán inspiradas en una instalación de Dan Flavin, o la decoración de un video de hip hop inspirada en James Turrell, es simplemente la manifestación más reciente de una antigua tendencia: diseñadores influenciados por el arte. Es en lo que se basó la Bauhaus; un arte total que abarcaba todos los fenómenos estéticos. Y es por eso que el arte abstracto es la base de gran parte del diseño en la cultura actual.
El arte abstracto y el diseño reconstruyeron el mundo
Después de la Segunda Guerra Mundial, la humanidad necesitaba diseñadores a una escala más grande que nunca. Gran parte de Europa, Asia y el Mediterráneo necesitaban reconstruirse tras haber sido bombardeados prácticamente hasta quedar en escombros. Y no solo los edificios y las calles de las ciudades necesitaban ayuda. Una población humana devastada por años de depresión, hambre y guerra necesitaba todo nuevo: viviendas, ropa, transporte, herramientas, muebles, espacios públicos de reunión, dispositivos de telecomunicaciones, y mucho más.
La capacidad de industrialización mundial estaba en su punto más alto gracias a la movilización para la guerra, y los artistas aplicados de la sociedad encontraron oportunidades sin precedentes para rediseñar lo que sería el nuevo mundo y ayudar a traer la cultura de vuelta desde el borde del abismo. Artistas aplicados como arquitectos, diseñadores de muebles, diseñadores de moda, diseñadores de automóviles y diseñadores industriales se lanzaron de lleno a la practicidad, creando productos que pudieran producirse en masa de manera eficiente y atender a la base de consumidores más amplia posible.
Charles y Ray Eames - Casa de Estudio No. 8
La teoría del Yin Yang en acción
Los artistas abstractos predominantes de la época también se esforzaban por comprender lo que había sucedido en el mundo. Pero en lugar de reconstruir la sociedad, lo cual no suele considerarse dentro del ámbito de las Bellas Artes, trabajaban para contextualizarla. Los artistas abstractos de la posguerra intentaban entender algo inherente a sí mismos. Enfrentaban lo desconocido, el subconsciente y los aspectos profundamente personales de su humanidad.
Una forma de verlo es que se estaba logrando un equilibrio. Los diseñadores respondieron a la locura de la guerra con eficiencia y lógica. Los artistas abstractos respondieron con intuición y emoción. Estas fuerzas complementarias tuvieron su efecto en la conciencia de la sociedad de la posguerra. Por un lado, el mundo occidental se volvía tan contemplativo y existencialmente profundo como nunca antes. Por otro lado, se volvía el más materialista.
Ugo Gianattasio - Sin título, 1920
En la era posterior a la Segunda Guerra Mundial, dos de los diseñadores más influyentes fueron Charles y Ray Eames, creadores de la famosa silla Eames. En 1949 diseñaron y construyeron su Casa de Estudio No. 8, que usaron como hogar y estudio. El edificio fue considerado la cima del diseño arquitectónico contemporáneo de la época. Según la Fundación Eames, el diseño formaba parte de un proyecto destinado a “expresar la vida del hombre en el mundo moderno.” La casa parecía una pintura de Piet Mondrian de unos treinta años antes. Mondrian murió en 1944. En la ciudad de Nueva York en 1950, uno de los logros arquitectónicos más destacados fue un rascacielos premiado conocido como Lever House. Aclamado como una obra maestra de la arquitectura moderna, sus líneas limpias, uso de acero y vidrio, uso sumamente funcional del espacio y total ausencia de ornamentos lo convirtieron en un ejemplo supremo de la arquitectura modernista. Expresaba perfectamente las preocupaciones estéticas del Constructivismo ruso de los años 20.
Lever House, ciudad de Nueva York
La mayor innovación en diseño automotriz en 1950 fue la invención del convertible hardtop. ¿Qué podría tener más sentido? Es la cúspide de la funcionalidad y el estilo, haciendo uso de materiales nuevos, baratos y livianos, y una creciente demanda de opciones por parte de los consumidores. Y el diseño aerodinámico de los autos era verdaderamente futurista, casi tan futurista como el Futurismo italiano de los años 20.
Chrysler Town & Country 1950
¿Afectó el arte abstracto al diseño moderno? Absolutamente. La estética De Stijl de Piet Mondrian tuvo obviamente un efecto profundo en la casa de los Eames, apenas unas décadas después de que se introdujera el Neoplasticismo. Lever House fue el rascacielos constructivista perfecto; simplemente apareció unas décadas después de que la arquitectura constructivista se hubiera dado a conocer. Y los convertibles hardtop fueron realmente los autos del futuro; el futuro de los años 20 y el futuro de los años 50.
Lo que sucedía en el arte abstracto en los años 50 fue esto: ese fue el año en que Jackson Pollock pintó “Número 1, 1950” y Franz Kline pintó “El Jefe.”
Jackson Pollock - Número 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, óleo, esmalte y aluminio sobre lienzo, Fondo Ailsa Mellon Bruce, 1976.37.1
El expresionismo abstracto en la arquitectura
A medida que las innovaciones en telecomunicaciones avanzaban rápidamente, la velocidad con la que el arte abstracto podía influir en el diseño también aumentó. En lugar de 30 años, solo tomó unos 10 años para que el Expresionismo Abstracto dejara su huella en el mundo del diseño. La estética y la filosofía detrás del Expresionismo Abstracto surgieron a través de la difusión de todo el proceso de creación artística. Fue un regreso a la intuición, a los orígenes primitivos de las influencias subconscientes. Fue la realización del objetivo último de la Abstracción: el descubrimiento de la originalidad y la verdadera expresión de la esencia del individuo único.
La filosofía expresionista abstracta se manifestó en la arquitectura en forma de Deconstructivismo. El Deconstructivismo buscaba lograr un elemento de imprevisibilidad. En lugar de adherirse a formas funcionales sin ornamentación, los arquitectos deconstructivistas buscaban formas originales que utilizaran abiertamente elementos decorativos. Muchos arquitectos deconstructivistas diseñaron edificios que parecían deconstruidos, como fragmentados en secciones. Otros diseñaron edificios que imitaban la estética gestual del arte expresionista abstracto. Aunque se inició a finales de los años 50, el estilo sigue utilizándose hoy en día. Su adherente más reconocible es probablemente Frank Gehry.
Guggenheim Bilbao de Frank Gehry
A mediados de los años 60, las tendencias de diseño imitaban casi inmediatamente las tendencias del arte abstracto, especialmente en el diseño de moda. Bridget Riley pintó su obra seminal de Op Art, Movimiento en Cuadrados, en 1961. La revista Time acuñó el término “Op Art” en 1964 en respuesta a una exposición de la obra de Julian Stanczak en la galería Martha Jackson en Nueva York. En 1965, el estilo estaba tan plenamente desarrollado en la cultura popular que fue mencionado en un reportaje fotográfico en la revista Vogue.
Bridget Riley - Movimiento en Cuadrados, 1961. Temple sobre tablero duro. 123.2 x 121.2 cm. © 2018 Bridget Riley. Cortesía de Karsten Schubert, Londres
Influencias mínimas
En los años 70, uno de los estilos predominantes del arte abstracto fue el Minimalismo, y una de las voces más influyentes del Minimalismo fue un artista llamado Donald Judd. Judd y sus contemporáneos buscaron crear obras fundamentalmente diferentes a las de los abstraccionistas anteriores, especialmente los expresionistas abstractos. El Minimalismo eliminó los elementos biográficos personales de la obra y buscó formas simplificadas y un lenguaje visual reducido.
Lo que hace a Judd un estudio tan fascinante es que no solo fue un artista minimalista, sino también arquitecto y diseñador de muebles. Como defensor tanto de las bellas artes como de las artes aplicadas, pudo manifestar simultáneamente sus conceptos en los diversos campos en los que trabajaba. En cierto modo, Judd fue la personificación de los ideales de la Bauhaus o del Art Nouveau, ambos enfatizaban la expresión simultánea de todas las artes trabajando juntas en las mismas ideas.
Donald Judd - Escritorio prototipo, 1978. Colección LACMA. Donación del Comité de Coleccionistas 2011. © Museum Associates/LACMA
Judd también fue un ávido escritor y teórico, y dijo esto sobre la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas: “La configuración y la escala del arte no pueden trasladarse al mobiliario y la arquitectura. La intención del arte es diferente a la de estos últimos, que deben ser funcionales. Si una silla o un edificio no son funcionales, si parecen solo arte, es ridículo...” Esa filosofía es evidente en las diferentes obras que creó.
Donald Judd - Sin título, 1971
Forma vs. Función
La diferencia esencial entre el arte abstracto y el diseño es que el arte abstracto, como todas las bellas artes, es algo que se experimenta a un nivel contemplativo. Puede ser intelectual, visceral, inspirador o estéticamente bello. Está destinado a hacernos pensar, sentir, considerar, evolucionar y preguntarnos sobre el significado de nuestras experiencias. La función del diseño es muy diferente. Es una forma de aumentar la utilidad o el disfrute de los productos de consumo. El diseño debe cumplir una función, o es, como dijo Judd, absurdo.
La profunda influencia que tendencias del arte abstracto como el Expresionismo Abstracto, el Op Art, el Neoplasticismo y el Minimalismo han tenido en todas las artes aplicadas, desde el diseño de moda hasta el diseño de muebles, la arquitectura y más allá, no puede ser exagerada. Y felizmente hoy vivimos en una época en la que podemos acceder rápidamente a la historia tanto del arte abstracto como del diseño, y ver por nosotros mismos los profundos efectos que la estética y la filosofía del arte abstracto ejercen sobre las tendencias del diseño.
Curiosamente, también vivimos en una época en la que podemos ver esos efectos desarrollarse de manera inmediata. Una pintora abstracta puede subir una fotografía de su nueva pintura a Instagram y segundos después un diseñador de moda en Milán puede usar esa imagen como inspiración para su nueva línea de primavera. O viceversa. Un diseñador de moda puede subir una foto de un vestido nuevo, y puede tener un efecto visceral en un artista abstracto, que podría entonces avanzar hacia nuevos ámbitos del arte abstracto. Hoy todo puede influir en todo lo demás, mientras nuestra cultura avanza alegremente dando saltos para encontrarse con lo nuevo.
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio
