La Influencia del Arte Abstracto en el Diseño Moderno y Contemporáneo
Los diseños de arte abstracto se pueden encontrar en todas partes, en la moda, el mobiliario, la arquitectura, la publicidad y en prácticamente todos los demás productos del diseño contemporáneo. Ya sea una línea de zapatos inspirada en el Op Art, copas de champán inspiradas en una instalación de Dan Flavin, o la decoración de un set en un video de hip hop inspirada en James Turrell, es solo la última manifestación de una tendencia antigua: diseñadores influenciados por el arte. Es de lo que se basó la Bauhaus; un arte total que abarcaba todos los fenómenos estéticos. Y es por eso que el arte abstracto es la base de tanto diseño en la cultura actual.
El Arte Abstracto y el Diseño Reconstruyeron el Mundo
Después de la Segunda Guerra Mundial, la humanidad necesitaba diseñadores a una escala más grandiosa que nunca antes. Gran parte de Europa, Asia y el Mediterráneo necesitaban ser reconstruidos después de haber sido bombardeados prácticamente hasta los escombros. Y no eran solo los edificios y las calles de la ciudad los que necesitaban ayuda. Una población humana devastada por años de depresión, hambruna y guerra necesitaba de todo nuevo: vivienda, ropa, transporte, herramientas, muebles, espacios públicos de reunión, dispositivos de telecomunicaciones, y así sucesivamente.
La capacidad de industrialización del mundo estaba en su punto más alto gracias a la movilización para la guerra, y los artistas aplicados de la sociedad encontraron oportunidades sin precedentes para rediseñar lo que se convertiría en el nuevo mundo y ayudar a traer la cultura de vuelta del borde. Artistas aplicados como arquitectos, diseñadores de muebles, diseñadores de moda, diseñadores de automóviles y diseñadores industriales se sumergieron de lleno en la practicidad, creando productos que podían ser producidos en masa de manera eficiente y atender a la base de consumidores más amplia posible.
Charles y Ray Eames - Casa de Estudio No. 8
La Teoría del Yin Yang en el Trabajo
Los artistas abstractos predominantes de la época también estaban esforzándose por ayudar a comprender lo que había sucedido en el mundo. Pero en lugar de reconstruir la sociedad, lo cual no se considera generalmente dentro del ámbito de las Bellas Artes, estaban trabajando para contextualizarla. Los artistas abstractos de la posguerra estaban tratando de entender algo inherente a sí mismos. Estaban confrontando lo desconocido, el subconsciente y los aspectos profundamente personales de su humanidad.
Una forma de verlo es que se estaba logrando un equilibrio. Los diseñadores respondieron a la locura de la guerra con eficiencia y lógica. Los artistas abstractos respondieron a ella con intuición y emoción. Estas fuerzas complementarias tuvieron su efecto en la conciencia de la sociedad de la posguerra. Por un lado, el mundo occidental se estaba volviendo tan contemplativo y existencialmente profundo como nunca lo había sido. Por otro lado, se estaba volviendo su más materialista.
Ugo Gianattasio - Sin título, 1920
En la era posterior a la Segunda Guerra Mundial, dos de los diseñadores más influyentes fueron Charles y Ray Eames, creadores de la famosa Eames Chair. En 1949 diseñaron y construyeron su Case Study House No. 8, que utilizaron como hogar y estudio. El edificio fue considerado como la representación del auge del diseño arquitectónico contemporáneo en ese momento. Según la Eames Foundation, el diseño formaba parte de un proyecto destinado a "expresar la vida del hombre en el mundo moderno". La casa se parecía a una pintura de Piet Mondrian de hace unos treinta años. Mondrian murió en 1944. En la ciudad de Nueva York en 1950, uno de los logros arquitectónicos más destacados fue un rascacielos galardonado conocido como el Lever House. Aclamado como una obra maestra de la arquitectura moderna, sus líneas limpias, el uso de acero y vidrio, el uso funcional supremo del espacio y la total falta de ornamentación lo convirtieron en un ejemplo supremo de la arquitectura modernista. Expresó perfectamente las preocupaciones estéticas del Constructivismo ruso de la década de 1920.
Lever House, Ciudad de Nueva York
La mayor innovación en el diseño de automóviles en 1950 fue la invención del convertible de techo rígido. ¿Qué podría tener más sentido? Es la cúspide de la funcionalidad y el estilo, aprovechando materiales nuevos, ligeros y baratos, y una creciente demanda del consumidor por opciones. Y el diseño elegante de los automóviles era verdaderamente futurista, casi exactamente tan futurista como el Futurismo italiano de la década de 1920.
1950 Chrysler Town & Country
¿Afectó el arte abstracto al diseño moderno? Absolutamente. Piet Mondrian’s estética De Stijl tuvo, sin duda, un profundo efecto en la casa de Eames, solo unas décadas después de que se introdujera el Neoplasticismo. El Lever House era el rascacielos constructivista perfecto; simplemente apareció unas décadas después de que la arquitectura constructivista se presentara. Y los convertibles de techo duro eran, de hecho, los coches del futuro; el futuro de los años 1920 y el futuro de los años 1950.
Lo que estaba sucediendo en el arte abstracto en la década de 1950 era esto: Ese fue el año en que Jackson Pollock pintó "Número 1, 1950" y Franz Kline pintó "El Jefe."
Jackson Pollock - Número 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, óleo, esmalte y aluminio sobre lienzo, Fondo Ailsa Mellon Bruce, 1976.37.1
El Expresionismo Abstracto de la Arquitectura
A medida que las innovaciones en telecomunicaciones avanzaban rápidamente, la velocidad con la que el arte abstracto pudo influir en el diseño también aumentó. En lugar de 30 años, solo tomó alrededor de 10 años para que el Expresionismo Abstracto dejara su huella en el mundo del diseño. La estética y la filosofía detrás del Expresionismo Abstracto surgieron a través de una difusión de todo el proceso de creación artística. Fue un regreso a la intuición, a los orígenes primordiales de las influencias subconscientes. Fue el cumplimiento del objetivo último de la Abstracción: el descubrimiento de la originalidad y la verdadera expresión de la esencia del individuo único.
La filosofía del Expresionismo Abstracto se manifestó en la arquitectura en forma de Deconstructivismo. El Deconstructivismo buscaba lograr un elemento de imprevisibilidad. En lugar de adherirse a formas funcionales que carecían de ornamentación, los arquitectos deconstructivistas buscaban formas originales que utilizaban abiertamente elementos de diseño ornamentales. Muchos arquitectos deconstructivistas diseñaron edificios que parecían deconstruidos, como si estuvieran fragmentados en secciones. Otros diseñaron edificios que imitan la estética gestual del arte Expresionista Abstracto. Aunque se inició a finales de la década de 1950, el estilo continúa utilizándose hoy en día. Su adherente más reconocible es probablemente Frank Gehry.
Guggenheim Bilbao de Frank Gehry
A mediados de la década de 1960, las tendencias de diseño estaban casi inmediatamente imitando las tendencias en el arte abstracto, particularmente en el diseño de moda. Bridget Riley pintó su obra seminal de Op Art, Movimiento en cuadrados, en 1961. La revista Time acuñó el término “Op Art” en 1964 en respuesta a una exposición del trabajo de Julian Stanczak en la Martha Jackson Gallery en Nueva York. En 1965, el estilo estaba tan plenamente representado en la cultura popular que fue mencionado en una sesión fotográfica en Vogue Magazine.
Bridget Riley - Movimiento en cuadrados, 1961. Témpera sobre tablero duro. 123.2 x 121.2cm. © 2018 Bridget Riley. Cortesía de Karsten Schubert, Londres
Influencias mínimas
En la década de 1970, uno de los estilos predominantes del arte abstracto fue el Minimalismo, y una de las voces más influyentes del Minimalismo fue un artista llamado Donald Judd. Judd y sus contemporáneos buscaban crear obras que fueran fundamentalmente diferentes de las obras de los anteriores abstractos, especialmente de los Expresionistas Abstractos. El Minimalismo eliminó los elementos biográficos personales de la obra y buscó formas simplificadas y un lenguaje visual reducido.
Lo que hace que Judd sea un estudio tan fascinante es que no solo fue un artista minimalista, sino que también fue arquitecto y diseñador de muebles. Como defensor tanto de las bellas artes como de las artes aplicadas, pudo manifestar simultáneamente sus conceptos en los diversos campos en los que trabajó. En cierto modo, Judd fue la personificación de los ideales de la Bauhaus o del Art Nouveau, ambos enfatizaban una expresión simultánea de todas las artes trabajando juntas en las mismas ideas.
Donald Judd - Prototipo de Escritorio, 1978. Colección LACMA. Donación del Comité de Coleccionistas 2011. © Asociados del Museo/LACMA
Judd también era un ávido escritor y teórico, y tenía esto que decir sobre la diferencia entre las bellas artes y las artes aplicadas: “La configuración y la escala del arte no pueden ser transpuestas en muebles y arquitectura. La intención del arte es diferente de la de estos últimos, que deben ser funcionales. Si una silla o un edificio no es funcional, si parece ser solo arte, es ridículo...” Esa filosofía es evidente en el trabajo diferente que realizó.
Donald Judd - Sin título, 1971
Forma vs. Función
La diferencia esencial entre el arte abstracto y el diseño es que el arte abstracto, como todo el arte fino, es algo que se encuentra a un nivel contemplativo. Puede ser intelectual, visceral, inspirador o estéticamente bello. Está destinado a hacernos pensar, sentir, considerar, evolucionar y preguntarnos sobre el significado de nuestras experiencias. La función del diseño es bastante diferente. Es una forma de aumentar la utilidad o el disfrute de los productos de consumo. El diseño debe cumplir una función, o es, como dijo Judd, absurdo.
La profunda influencia de tendencias del arte abstracto como el Expresionismo Abstracto, el Op Art, el Neoplasticismo y el Minimalismo en todas las artes aplicadas, desde el diseño de moda hasta el diseño de muebles, la arquitectura y más allá, no puede ser exagerada. Y felizmente hoy vivimos en una época en la que podemos acceder rápidamente a la historia tanto del arte abstracto como del diseño, y ver por nosotros mismos los profundos efectos que la estética y la filosofía del arte abstracto ejercen sobre las tendencias de diseño.
Curiosamente, también vivimos en una época en la que podemos ver esos efectos desarrollarse de manera inmediata. Una pintora abstracta puede subir una fotografía de su nueva pintura a Instagram y, segundos después, un diseñador de moda en Milán puede usar esa imagen como inspiración para su nueva colección de primavera. O viceversa. Un diseñador de moda puede subir una imagen de un nuevo vestido, y puede tener un efecto visceral en un artista abstracto, quien podría entonces avanzar hacia nuevos ámbitos del arte abstracto. Hoy en día, todo puede influir en todo lo demás, mientras nuestra cultura avanza felizmente saltando hacia adelante para encontrarse con lo nuevo.
Todas las imágenes son solo para fines ilustrativos.
Por Phillip Barcio
