La Influencia del Arte Abstracto en el Diseño Moderno y Contemporáneo
Los diseños de arte abstracto se encuentran en todas partes: en la moda, el mobiliario, la arquitectura, la publicidad y prácticamente en cualquier otro producto del diseño contemporáneo. Ya sea una línea de calzado inspirada en el arte óptico, unas copas de champán inspiradas en una instalación de Dan Flavin o la escenografía de un videoclip de hip hop inspirada en James Turrell, no es más que la manifestación más reciente de una antigua tendencia: diseñadores influidos por el arte. Es aquello en lo que se basaba la Bauhaus: un arte total que abarcaba todos los fenómenos estéticos. Y es la razón por la que el arte abstracto es la base de gran parte del diseño de la cultura actual.
El arte abstracto y el diseño reconstruyeron el mundo
Después de la Segunda Guerra Mundial, la humanidad necesitaba diseñadores a una escala más grandiosa que nunca. Gran parte de Europa, Asia y el Mediterráneo necesitaba reconstruirse después de haber sido prácticamente reducida a escombros por los bombardeos. Y no eran solo los edificios y las calles de las ciudades los que necesitaban ayuda. Una población humana devastada por años de depresión, hambruna y guerra necesitaba de todo nuevo: viviendas, ropa, transporte, herramientas, mobiliario, espacios públicos de reunión, dispositivos de telecomunicaciones y mucho más.
La capacidad de industrialización del mundo se encontraba en su punto más alto gracias a la movilización bélica, y los artistas aplicados de la sociedad encontraron oportunidades sin precedentes para rediseñar lo que se convertiría en el nuevo mundo y ayudar a recuperar la cultura del borde del abismo. Artistas aplicados como arquitectos, diseñadores de muebles, diseñadores de moda, diseñadores de automóviles y diseñadores industriales se sumergieron de lleno en la practicidad, creando productos que podían producirse en masa de manera eficiente y satisfacer a la base de consumidores más amplia posible.
Charles y Ray Eames - Casa de Estudio de Caso n.º 8
La teoría del yin y el yang en acción
Los principales artistas abstractos de la época también se esforzaban por comprender lo que le había sucedido al mundo. Pero, en lugar de reconstruir la sociedad, algo que normalmente no se considera parte del ámbito de las Bellas Artes, trabajaban para contextualizarla. Los artistas abstractos de la posguerra intentaban comprender algo inherente a sí mismos. Se enfrentaban a lo desconocido, al subconsciente y a los aspectos profundamente personales de su humanidad.
Una forma de verlo es que se estaba alcanzando un equilibrio. Los diseñadores respondieron a la locura de la guerra con eficiencia y lógica. Los artistas abstractos respondieron con intuición y emoción. Estas fuerzas complementarias influyeron en la conciencia de la sociedad de la posguerra. Por un lado, el mundo occidental se estaba volviendo tan contemplativo y existencialmente profundo como nunca antes. Por otro, se estaba convirtiendo en el más materialista de su historia.
Ugo Gianattasio - Sin título, 1920
En la era posterior a la Segunda Guerra Mundial, dos de los diseñadores más influyentes fueron Charles y Ray Eames, creadores de la famosa silla Eames. En 1949 diseñaron y construyeron su Casa de Estudio de Caso n.º 8, que utilizaron como vivienda y estudio. En aquel momento, el edificio se consideraba la cumbre del diseño arquitectónico contemporáneo. Según la Fundación Eames, el diseño formaba parte de un proyecto destinado a “expresar la vida del ser humano en el mundo moderno”. La casa parecía una pintura de Piet Mondrian de unos treinta años antes. Mondrian murió en 1944. En la ciudad de Nueva York, en 1950, uno de los mayores logros arquitectónicos fue un rascacielos galardonado conocido como Lever House. Considerado una obra maestra de la arquitectura moderna, sus líneas depuradas, el uso del acero y el vidrio, el aprovechamiento sumamente funcional del espacio y la absoluta ausencia de ornamentación lo convertían en un ejemplo supremo de la arquitectura modernista. Expresaba a la perfección las preocupaciones estéticas del constructivismo ruso de la década de 1920.
Lever House, ciudad de Nueva York
La mayor innovación en el diseño automovilístico de 1950 fue la invención del descapotable con techo rígido. ¿Qué podía tener más sentido? Es el máximo exponente de la funcionalidad y el estilo, ya que empleaba materiales nuevos, económicos y ligeros, además de responder a una demanda creciente de opciones por parte de los consumidores. Y el diseño elegante de los automóviles era verdaderamente futurista, casi exactamente tan futurista como el futurismo italiano de la década de 1920.
Chrysler Town & Country de 1950
¿Influyó el arte abstracto en el diseño moderno? Por supuesto. La estética de De Stijl de Piet Mondrian tuvo obviamente un efecto profundo en la casa de los Eames; solo habían pasado unas décadas desde que se había introducido el neoplasticismo. Lever House era el rascacielos constructivista perfecto; simplemente apareció unas décadas después de que la arquitectura constructivista se diera a conocer. Y los descapotables con techo rígido eran, en efecto, los automóviles del futuro: el futuro de la década de 1920 y el de la década de 1950.
Esto era lo que estaba ocurriendo en el arte abstracto en la década de 1950: aquel fue el año en que Jackson Pollock pintó “Número 1, 1950” y Franz Kline pintó “El jefe”.
Jackson Pollock - Número 1, 1950 (Lavender Mist), 1950, óleo, esmalte y aluminio sobre lienzo, Fondo Ailsa Mellon Bruce, 1976.37.1
El expresionismo abstracto de la arquitectura
A medida que las innovaciones en las telecomunicaciones avanzaban rápidamente, también aumentaba la velocidad con la que el arte abstracto podía influir en el diseño. En lugar de 30 años, el expresionismo abstracto solo tardó unos 10 años en dejar su huella en el mundo del diseño. La estética y la filosofía del expresionismo abstracto surgieron mediante la difusión de todo el proceso de creación artística. Fue un retorno a la intuición, a los orígenes primigenios de las influencias subconscientes. Fue el cumplimiento del objetivo último de la abstracción: descubrir la originalidad y expresar verdaderamente la esencia del individuo único.
La filosofía expresionista abstracta se manifestó en la arquitectura bajo la forma del deconstructivismo. El deconstructivismo buscaba alcanzar un elemento de imprevisibilidad. En lugar de ceñirse a formas funcionales carentes de ornamentación, los arquitectos deconstructivistas buscaban formas originales que utilizaran abiertamente elementos de diseño ornamentales. Muchos arquitectos deconstructivistas diseñaron edificios que parecían estar deconstruidos, como si estuvieran fragmentados en secciones. Otros diseñaron edificios que imitaban las estéticas gestuales del arte expresionista abstracto. Aunque se inició a finales de la década de 1950, el estilo sigue utilizándose hoy. Su exponente más reconocible probablemente sea Frank Gehry.
Guggenheim de Bilbao de Frank Gehry
A mediados de la década de 1960, las tendencias del diseño imitaban casi de inmediato las tendencias del arte abstracto, especialmente en el diseño de moda. Bridget Riley pintó su obra seminal de arte óptico, Movimiento en cuadrados, en 1961. La revista Time acuñó el término “arte óptico” en 1964 como respuesta a una exposición de la obra de Julian Stanczak en la Martha Jackson Gallery de Nueva York. En 1965, el estilo estaba tan plenamente integrado en la cultura popular que apareció mencionado en un reportaje fotográfico de la revista Vogue.
Bridget Riley - Movimiento en cuadrados, 1961. Témpera sobre tablero duro. 123,2 x 121,2 cm. © 2018 Bridget Riley. Cortesía de Karsten Schubert, Londres
Influencias minimalistas
En la década de 1970, uno de los estilos predominantes del arte abstracto era el minimalismo, y una de sus voces más influyentes era la de un artista llamado Donald Judd. Judd y sus contemporáneos buscaban crear obras fundamentalmente distintas de las de los abstraccionistas anteriores, especialmente de los expresionistas abstractos. El minimalismo eliminó los elementos biográficos personales de la obra y buscó formas simplificadas y un lenguaje visual depurado.
Lo que hace que Judd resulte un objeto de estudio tan fascinante es que no solo era un artista minimalista, sino también arquitecto y diseñador de muebles. Como defensor tanto de las Bellas Artes como de las artes aplicadas, pudo plasmar simultáneamente sus conceptos en los diversos campos en los que trabajaba. En cierto modo, Judd personificaba los ideales de la Bauhaus o del art nouveau, ambos caracterizados por subrayar la expresión simultánea de todas las artes trabajando juntas sobre las mismas ideas.
Donald Judd - Escritorio prototipo, 1978. Colección del LACMA. Donación del Comité de Coleccionistas de 2011. © Museum Associates/LACMA
Judd también era un escritor y teórico apasionado, y dijo lo siguiente sobre la diferencia entre las Bellas Artes y las artes aplicadas: “La configuración y la escala del arte no pueden trasladarse al mobiliario y la arquitectura. La intención del arte es distinta de la de estas últimas, que deben ser funcionales. Si una silla o un edificio no son funcionales, si parecen ser únicamente arte, resultan ridículos...” Esa filosofía se hace evidente en las distintas obras que realizó.
Donald Judd - Sin título, 1971
Forma frente a función
La diferencia esencial entre el arte abstracto y el diseño es que el arte abstracto, como todas las Bellas Artes, es algo que se experimenta en un nivel contemplativo. Puede ser intelectual, visceral, inspirador o estéticamente hermoso. Su intención es hacernos pensar, sentir, reflexionar, evolucionar y preguntarnos por el significado de nuestras experiencias. La función del diseño es bastante diferente. Es una forma de aumentar la utilidad o el disfrute de los productos de consumo. El diseño debe cumplir una función o, como decía Judd, es absurdo.
No se puede exagerar la profunda influencia que tendencias del arte abstracto como el expresionismo abstracto, el arte óptico, el neoplasticismo y el minimalismo han ejercido sobre todas las artes aplicadas, desde el diseño de moda hasta el diseño de muebles, la arquitectura y mucho más. Y, afortunadamente, hoy vivimos en una época en la que podemos acceder rápidamente a la historia tanto del arte abstracto como del diseño y comprobar por nosotros mismos los profundos efectos que la estética y la filosofía del arte abstracto ejercen sobre las tendencias del diseño.
Curiosamente, también vivimos en una época en la que podemos ver esos efectos desarrollarse de forma inmediata. Un pintor abstracto puede subir a Instagram una fotografía de su nueva pintura y, segundos después, un diseñador de moda en Milán puede utilizar esa imagen como inspiración para su nueva colección de primavera. O viceversa. Un diseñador de moda puede subir una foto de un vestido nuevo, y esta puede causar un efecto visceral en un artista abstracto, que quizá emprenda entonces nuevos caminos hacia otros ámbitos del arte abstracto. Hoy todo puede influir en todo lo demás, mientras nuestra cultura avanza felizmente a saltos para encontrarse con lo nuevo.
Todas las imágenes se utilizan únicamente con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio 2016
Editado por IdeelArt (2026)
