La Alegría del Arte Abstracto Colorido en la Galería Mnuchin
La Galería Mnuchin en Nueva York presenta actualmente La Alegría del Color, una exposición colectiva celebratoria de arte abstracto colorido que abarca desde 1939 hasta 2018. La muestra ofrece una visión única de la multitud de maneras en que los artistas movilizan el color tanto como contenido y concepto. Presenta obras de muchos de los artistas históricamente importantes que representa la galería, como Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis y Sam Gilliam, junto con artistas pioneros del siglo XX como Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland y Jack Bush. También incluye pinturas de artistas contemporáneos vitales como Laura Owens y Sean Scully, y de recién llegados como Sarah Crowner y Nathlie Provosty. Para algunos neoyorquinos, esta muestra podría representar la oportunidad perfecta para regresar al espacio Mnuchin. En 2016, el crítico de arte de la revista New York, Jerry Saltz, publicó un arrebato titulado “Por qué ya no voy a la Galería Mnuchin”. Citó a Steven Mnuchin — hijo del dueño de la galería Robert Mnuchin — nombrado Jefe de Finanzas de Campaña para el entonces candidato presidencial Donald Trump como su motivo. Desde que apareció ese artículo, Steven Mnuchin fue nombrado Secretario del Tesoro de los Estados Unidos. Por razones que no tienen nada que ver con el arte, y todo que ver con la ideología, Saltz animó a sus lectores a castigar al padre vendedor de arte por los pecados políticos percibidos del hijo. Tal drama fabricado es ridículo, pero no obstante, cualquiera que cedió a la presión social debería considerar La Alegría del Color como la excusa perfecta para darle a la galería una nueva oportunidad. La exposición es más como un paseo por la sección moderna y contemporánea de un museo pequeño pero importante que un recorrido por una galería comercial. La obra demuestra exactamente cómo el arte abstracto en su mejor expresión tiene la capacidad de trascender la política mezquina y abrir nuevas puertas de percepción hacia lo que es bello y significativo en este mundo.
El color como estrategia
La Alegría del Color comienza con un humilde móvil de Calder colgando del techo junto a una escalera. Formas abstractas rojas, amarillas, blancas y grises giran suavemente con las brisas creadas por nuestros cuerpos y respiración. Calder usó el color para hacer que la gente pensara en “la idea de cuerpos separados flotando en el espacio.” Estas formas coloridas y caprichosas ofrecen algo para disfrutar mientras se contemplan cuestiones universales como la física y la mecánica. Más allá del móvil, dos pequeñas pinturas flanquean cada lado de un arco. A la izquierda está “Lode” (2018) de Nathlie Provosty. A la derecha, un campo de color sin título de Mark Rothko, ca. 1959. Ambas composiciones son estructuradas, planas y rectangulares. Ambas usan sutiles cambios de color para invitar al espectador a una experiencia contemplativa. El color aquí no es tanto contenido como un punto de entrada a encuentros perceptivos con nuestro ser interior. La pintura de Provosty especialmente, con sus sutiles variaciones de amarillo, expone diferencias matizadas entre cosas aparentemente similares — solo generalizando podemos llamarla monocroma. No todos los amarillos son iguales.
Nathlie Provosty - Lode, 2018. Óleo sobre lino en panel de aluminio. 19 x 15 pulgadas (48.3 x 38.1 cm). © Nathlie Provosty. Cortesía Galería Mnuchin
Otras pinturas en la muestra que usan el color como estrategia para involucrar otros tipos de contenido incluyen “Serie Aleph V” (1960) de Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) de Sean Scully, una pintura sin título de Laura Owens de 2006, y un lienzo sin título de Joan Mitchell de 1958. La pintura de Louis atrae nuestra mirada con relaciones vibrantes de color alrededor de su borde, pero a medida que los colores se funden en la oscuridad en el centro, nos volvemos más conscientes de la superficie: el lienzo sin imprimar se vuelve uno con la pintura así como los colores y formas se vuelven uno entre sí — todo se funde en uno. La pintura de Scully usa el color para involucrarnos en una consideración de las pinceladas y texturas, una invitación a apreciar las cualidades materiales de la pintura. La pintura de Owens emplea el color como un disparador emocional. Su paleta jubilosa refleja los aspectos figurativos de la obra, que disfrutan la feminidad, la apertura y la naturaleza. Finalmente, las tumultuosas marcas de pincel en el lienzo de Mitchell nos muestran cómo el color puede volverse sinónimo de estado de ánimo, expresando la angustia más profunda del espíritu humano.
Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Óleo sobre aluminio. 85 x 75 pulgadas (215.9 x 190.5 cm). © Sean Scully. Cortesía Galería Mnuchin
El color como espacio
Muchas pinturas en La Alegría del Color emplean el color en un sentido más formal, mostrando el color como un creador y delimitador efectivo del espacio visual. “Impresiones Rojas de la Naturaleza” (1968) de Alma Thomas ofrece una elucidación épica de este concepto. Desde lejos, los colores declaran una estructura lineal, dividiendo la arquitectura visual en barras verticales. Al examinar más de cerca, las columnas se fracturan en una multitud de formas orgánicas. El espacio blanco entre las formas y columnas se afirma como un mundo más allá de la superficie. Una magia similar está en “Fresa” (1970) de Jack Bush. Una enorme forma en “U” rosada hace eco con su tono del título de la pintura, mientras un fondo rosa más claro salpicado de manchas oscuras establece dimensionalidad. Una barra de color complementario a lo largo de la parte inferior del lienzo aplana el espacio y engaña al ojo para percibir una combinación de línea de horizonte y desfile cinético de formas geométricas.
Alma Thomas - Impresiones Rojas de la Naturaleza, 1968. Acrílico sobre lienzo. 51 x 49 1/2 pulgadas (129.5 x 125.7 cm). © Alma Thomas. Cortesía Galería Mnuchin
Entre las composiciones espaciales más llamativas de la muestra están “Elberta” (1975) de Helen Frankenthaler, “Misterios: Resplandor” (2002) de Kenneth Noland, y “La Ola (Urszula)” (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler crea una vastedad abierta en su pintura manchada por inmersión, abriendo el ojo a un universo visual expansivo y luminoso; Noland logra el efecto opuesto, simplificando y centralizando el espacio con su familiar composición de diana; Crowner organiza el espacio en una disonancia armoniosa con formas onduladas biomórficas vibrantes en rojo y naranja. Sin embargo, la creación de espacio más profunda proviene de “Atmósfera” (1972) de Sam Gilliam. Su técnica característica de biselar los bordes de su superficie permite que los colores creen espacio más allá de los límites físicos de la obra. La pintura nos invita a preguntarnos qué hay más allá de los límites de lo que podemos ver — una preocupación vital para nosotros en esta época, y una que quizás incluso el Sr. Saltz quiera pasar por la galería a considerar. La Alegría del Color estará en exhibición hasta el 8 de diciembre de 2018.
Imagen destacada: La Alegría del Color - exposición colectiva en la Galería Mnuchin, Nueva York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesía Galería Mnuchin
Por Phillip Barcio
