La Alegría del Arte Abstracto Colorido en la Galería Mnuchin

La Galería Mnuchin en Nueva York está mostrando actualmente La Alegría del Color, una exposición grupal celebratoria de arte abstracto colorido que data de 1939 a 2018. La exposición ofrece una visión única de las múltiples formas en que los artistas movilizan el color como contenido y concepto. Presenta obras de muchos de los artistas históricamente importantes que la galería representa, como Alexander Calder, Joan Mitchell, Mark Rothko, Morris Louis y Sam Gilliam, junto con las de artistas pioneros del siglo XX como Helen Frankenthaler, Alma Thomas, Kenneth Noland y Jack Bush. También se incluyen pinturas de artistas contemporáneos vitales como Laura Owens y Sean Scully, y de recién llegados como Sarah Crowner y Nathlie Provosty. Para algunos neoyorquinos, esta exposición podría representar la oportunidad perfecta para regresar al espacio Mnuchin. En 2016, el crítico de arte de la revista New York, Jerry Saltz, publicó un desahogo titulado “Por qué ya no voy a la Galería Mnuchin”. Citó a Steven Mnuchin, hijo del propietario de la galería, Robert Mnuchin, siendo nombrado Jefe de Finanzas de Campaña para el entonces candidato presidencial Donald Trump como su razón. Desde que apareció ese artículo, Steven Mnuchin fue nombrado Secretario del Tesoro de los Estados Unidos. Por razones que no tienen nada que ver con el arte, y todo que ver con la ideología, Saltz animó a sus lectores a castigar al padre vendedor de arte por los pecados políticos percibidos del hijo. Tal drama fabricado es ridículo, pero no obstante, cualquiera que cedió a la presión social creada debería considerar La Alegría del Color como la excusa perfecta para darle a la galería una nueva oportunidad. La exposición es más como un paseo por la sección moderna y contemporánea de un pequeño pero importante museo que un paseo por una galería comercial. La obra demuestra exactamente cómo el arte abstracto en su mejor momento tiene la capacidad de trascender la política mezquina y abrir nuevas puertas de percepción a lo que es bello y significativo en este mundo.

El color como estrategia

La Alegría del Color se abre con un humilde móvil de Calder colgando del techo junto a una escalera. Formas abstractas en rojo, amarillo, blanco y gris giran suavemente en las brisas producidas por nuestros cuerpos y aliento. Calder utilizó el color para hacer que la gente pensara en “la idea de cuerpos desprendidos flotando en el espacio.” Estas formas de colores caprichosos ofrecen algo de placer mientras se contemplan cuestiones universales como la física y la mecánica. Más allá del móvil, dos pequeñas pinturas flanquean cada lado de un arco. A la izquierda está “Lode” (2018) de Nathlie Provosty. A la derecha hay un campo de color sin título de Mark Rothko, ca. 1959. Ambas composiciones son estructuradas, planas y rectangulares. Ambas utilizan sutiles cambios en el color para invitar al espectador a una experiencia contemplativa. El color no es contenido aquí tanto como es un punto de entrada a encuentros perceptuales con nuestro ser interior. La pintura de Provosty especialmente, con sus sutiles variaciones de amarillo, expone diferencias matizadas entre cosas aparentemente similares—solo al generalizar podemos llamarlo un monocromo. No todos los amarillos son iguales.

Nathlie Provosty - Lode, 2018. Óleo sobre lino en panel de aluminio. 19 x 15 pulgadas (48.3 x 38.1 cm). © Nathlie Provosty. Cortesía de Mnuchin Gallery

Otras pinturas en la exposición que utilizan el color como estrategia para involucrar otros tipos de contenido incluyen “Aleph Series V” (1960) de Morris Louis, “Landline Green Bolt” (2018) de Sean Scully, una pintura sin título de Laura Owens de 2006, y un lienzo sin título de Joan Mitchell de 1958. La pintura de Louis atrae nuestra atención con relaciones de color vibrantes alrededor de su borde, pero a medida que los colores se fusionan en la oscuridad en el centro, nos volvemos más conscientes de la superficie: el lienzo sin imprimar se convierte en uno con la pintura, así como los colores y las formas se convierten en uno entre sí; todo se funde en uno. La pintura de Scully utiliza el color para involucrarnos en una consideración de las pinceladas y texturas, una invitación a apreciar las cualidades materiales de la pintura. La pintura de Owens emplea el color como un desencadenante emocional. Su paleta jubilante refleja los aspectos figurativos de la obra, que disfrutan de la feminidad, la apertura y la naturaleza. Finalmente, las tumultuosas marcas de pincel en el lienzo de Mitchell nos muestran cómo el color puede volverse sinónimo de estado de ánimo, expresando la angustia más profunda del espíritu humano.

Sean Scully - Landline Green Bolt, 2018. Óleo sobre aluminio. 85 x 75 pulgadas (215.9 x 190.5 cm). © Sean Scully. Cortesía de Mnuchin Gallery

El color como espacio

Muchas pinturas en El Gozo del Color emplean el color en un sentido más formal, mostrando el color como un creador y delineador efectivo del espacio visual. "Impresiones Rojas de la Naturaleza" (1968) de Alma Thomas ofrece una elucidación épica de este concepto. Desde lejos, los colores declaran una estructura lineal, dividiendo la arquitectura visual en barras verticales. Al examinar más de cerca, las columnas se fracturan en una multitud de formas orgánicas. El espacio blanco entre las formas y columnas se afirma como un mundo más allá de la superficie. Una magia similar está en juego en "Fresa" (1970) de Jack Bush. Una masiva forma de "U" rosada resuena con su tono el título de la pintura, mientras que un fondo rosa más claro salpicado de manchas oscuras establece dimensionalidad. Una barra de color complementario a lo largo de la parte inferior del lienzo tanto aplana el espacio como engaña al ojo para sentir una combinación de línea de horizonte y un desfile cinético de formas geométricas.

Alma Thomas - Impresiones Rojas de la Naturaleza, 1968. Acrílico sobre lienzo. 51 x 49 1/2 pulgadas (129.5 x 125.7 cm). © Alma Thomas. Cortesía de Mnuchin Gallery

Entre las composiciones espaciales más llamativas de la exposición se encuentran “Elberta” (1975) de Helen Frankenthaler, “Mysteries: Aglow” (2002) de Kenneth Noland, y “The Wave (Urszula)” (2014) de Sarah Crowner. Frankenthaler crea una vasta apertura en su pintura de manchas de absorción, abriendo el ojo a un universo visual expansivo y luminoso; Noland logra el efecto opuesto, simplificando y centralizando el espacio con su familiar composición de diana; Crowner organiza el espacio en una disonancia armónica con formas de olas vibrantes y biomórficas en rojo y naranja. Sin embargo, la creación de espacio más profunda proviene de “Atmosphere” (1972) de Sam Gilliam. Su técnica característica de biselar los bordes de su superficie permite que los colores creen espacio más allá de los límites físicos de la obra. La pintura nos invita a preguntarnos qué hay más allá de los límites de lo que podemos ver—una preocupación vital para nosotros en esta época, y que quizás incluso el Sr. Saltz querría considerar al pasar por la galería. The Joy of Color está en exhibición hasta el 8 de diciembre de 2018.

Imagen destacada: La Alegría del Color - exposición colectiva en Mnuchin Gallery, Nueva York, 2018. © Tom Powel Imaging. Cortesía de Mnuchin Gallery
Por Phillip Barcio