Las técnicas de arte abstracto más típicas

Antes del auge del arte abstracto modernista, la mayoría de las técnicas artísticas se desarrollaban con un único objetivo: ayudar a los artistas a imitar la realidad con mayor precisión en sus obras. Una vez que la búsqueda de la imitación comenzó a perder importancia, los artistas ya no estuvieron limitados por las técnicas existentes. Podían modificarlas o abandonarlas por completo en busca de nuevas formas de alcanzar los objetivos del arte no objetivo. Dado que el arte abstracto se basa en los principios de libertad e inventiva, se están inventando nuevas técnicas constantemente, por lo que ninguna lista de técnicas de arte abstracto puede ser exhaustiva. Pero aquí tienes un resumen de ocho técnicas comunes del arte modernista que los artistas abstractos suelen usar.

Pintura de acción como una de las técnicas artísticas más radicales

El término pintura de acción en realidad engloba varias tendencias diferentes, incluyendo la pintura salpicada, la pintura por goteo y la creación de marcas gestuales. Los expresionistas abstractos fueron los creadores de esta técnica. El objetivo de la pintura de acción es inyectar espontaneidad y fisicalidad en el proceso de pintar. Algunos críticos acusan a los pintores de acción de crear obras caóticas y descontroladas, pero pintores como Jackson Pollock, el principal fundador de la pintura de acción, sostenían que su trabajo no era caótico sino guiado e intuitivo. Gracias a las obras icónicas realizadas por pintores de acción como Pollock, Willem de Kooning y Franz Kline, la pintura de acción es hoy una de las técnicas de arte abstracto más comunes y fácilmente reconocibles.

Jackson Pollock trabajando en una pintura de acción

Collage

La mayoría de los collages se hacen con papel, pero cualquier obra bidimensional que se realice añadiendo una combinación de materiales distintos al medio líquido sobre su superficie puede llamarse collage. Los primeros artistas modernistas en incorporar el collage en sus obras fueron los cubistas, concretamente Pablo Picasso y Georges Braque. Aunque muchos consideran sus collages cubistas como abstractos, ellos sostienen que en realidad intentaban representar la realidad con mayor precisión, tal como la percibe la mente, añadiendo elementos del mundo objetivo a sus imágenes. Muchos otros movimientos de arte abstracto también han incluido collage de manera famosa, como el dadaísmo y el expresionismo abstracto.

Jackson Pollock trabajando

Decollage

Esencialmente lo opuesto al collage, el decollage es una técnica artística que consiste en cortar o arrancar elementos de una imagen original. En un decollage abstracto, un artista podría primero añadir capas de papel a una superficie y luego usar herramientas o sus manos para eliminar partes de las distintas capas con el fin de crear una composición abstracta. A menudo, las superficies públicas donde la gente pega carteles comienzan a parecer decollages a medida que las capas de pósters se deterioran y se arrancan con el paso de los años.

Picasso en su estudio, inventando el collage modernista

Manchado

En los años 50, Helen Frankenthaler inventó lo que llamó la técnica de “manchado por absorción”. Consistía en verter un medio de pintura diluido directamente sobre un lienzo sin imprimar. Al no imprimar el lienzo primero, el medio se extendía desde el punto donde se aplicaba originalmente, creando franjas orgánicas de color que no mostraban marcas de pincel ni otros restos de la mano del artista. El manchado fue adoptado pronto por muchos otros artistas abstractos, especialmente Morris Louis y Kenneth Noland, y ayudó a inspirar lo que se conoció como pintura de campo de color.

Helen Frankenthaler en su estudio dominando su técnica de manchado por absorción

Fabricación

Cuando algo se fabrica, significa que se produce, usualmente mediante un proceso industrial. Los minimalistas fueron los artistas abstractos más famosos en adoptar intencionadamente el uso generalizado de la fabricación como técnica artística. Uno de los objetivos clave del minimalismo era eliminar cualquier referencia al ego del artista. Los artistas minimalistas diseñaban sus objetos estéticos y luego los hacían fabricar con materiales industriales por terceros. La fabricación de arte abstracto plantea preguntas sobre la importancia de que el artista realice realmente la obra.

El proceso de fabricación

Ensamblaje

Como técnica artística, el ensamblaje se considera lo opuesto a la escultura. La escultura es el acto de crear una forma tallando un material como la madera o la piedra, o fundiéndolo en un material como plástico o metal, o moldeándolo en un material como la arcilla. En un ensamblaje, el artista crea una forma tridimensional combinando elementos dispares. Un artista abstracto famoso por usar la técnica del ensamblaje fue Robert Rauschenberg, quien la utilizó para crear sus famosos “combines”.

Andy Warhol en su estudio, “The Factory,” en 1965 trabajando en su icónica serigrafía “Flores”

Grabado

Una impresión es cualquier imagen bidimensional transferida a una superficie desde una matriz previamente preparada. Hay múltiples formas de hacer una impresión, incluyendo litografía, xilografía, grabado, serigrafía e impresión digital. Como técnica artística, el grabado permite a un artista crear una imagen con anticipación y luego hacer múltiples copias de ella. A excepción de las impresiones digitales, la mayoría de las copias no son idénticas porque la mayoría de los procedimientos de grabado generan inconsistencias debido a pequeñas imperfecciones y cambios en la superficie de la plancha original, de la cual se hacen las impresiones. Esas inconsistencias son vitales para la singularidad individual de las impresiones firmadas y numeradas. Las inconsistencias fueron una preocupación estética importante para Andy Warhol, quien dependió extensamente del grabado y otros procesos mecánicos en su obra.

Vista interior de tres de las piezas en relieve en la Capilla Frank Stella en Francia

Relieve

La técnica del relieve consiste en esculpir una imagen desde una superficie bidimensional de modo que la imagen esculpida sobresalga de la superficie de la obra. A veces se añaden otros materiales y elementos a un relieve para crear lo que se llama un relieve compuesto, que es como una combinación de relieve y collage. El artista Frank Stella ha incluido durante mucho tiempo el relieve compuesto en su práctica multidisciplinaria. Seis de sus grandes obras en relieve compuesto se encuentran en los terrenos de la Fundación Venet en Francia, en una instalación permanente al aire libre llamada la Capilla Frank Stella.

Imagen destacada: Robert Rauschenberg (a la derecha) trabajando con Billy Klüver, un ingeniero eléctrico de Bell Telephone Laboratories, en el ensamblaje “Oracle” de Rauschenberg en 1965
Todas las imágenes se usan solo con fines ilustrativos
Por Phillip Barcio