Arshile Gorky bénéficiera de la première rétrospective italienne en 2019
La Galerie Internationale d'Art Moderne Ca' Pesaro à Venise organisera une ambitieuse rétrospective d'Arshile Gorky en 2019. Intitulée « Arshile Gorky : 1904 – 1948 », elle coïncidera avec la tenue de la 58e Biennale de Venise. Ce sera la première grande rétrospective complète consacrée à Gorky en Italie, et ses commissaires espèrent formuler une nouvelle théorie sur l'artiste : que les fondements de son style mature étaient présents « dès les premiers stades de sa carrière ». Lorsqu'ils écrivent sur Gorky, la plupart des critiques ne peuvent s'empêcher de souligner les diverses influences présentes dans ses peintures. Ils affirment que ses premières œuvres furent influencées par Paul Cézanne ; ses œuvres de milieu de carrière par Pablo Picasso, Georges Braque et Piet Mondrian ; et ses œuvres matures par Joan Miró. « Arshile Gorky : 1904 – 1948 » vise à réfuter cette idée. Si elle réussit, elle rendra un grand service à la réputation de cet artiste fascinant tout en offrant une perspective nouvelle pour analyser son héritage. Était-il vraiment un pont moderniste entre l'impressionnisme, le cubisme, le surréalisme et l'expressionnisme abstrait, comme le soutiennent souvent les historiens ? Ou était-il en réalité le premier postmoderniste ? Après tout, il rejetait l'idée que la théorie et les récits historiques de l'art aient la primauté sur les impulsions artistiques individuelles. Et, à l'instar des postmodernistes, il croyait aussi au droit inhérent du spectateur de « terminer » une œuvre d'art par son interprétation personnelle. Si cette exposition s'avère être tout ce qu'elle pourrait être, plutôt que de dire que Gorky copiait ou imitait d'autres styles, nous pourrions le considérer comme le premier artiste d'appropriation, un penseur avant-gardiste qui célébrait et remettait simultanément en question l'authenticité et l'originalité du passé.
Construire un style personnel
Les œuvres les plus anciennes de « Arshile Gorky : 1904 – 1948 » datent des années 1920, lorsque Gorky arriva pour la première fois aux États-Unis. Né en Turquie en 1904, Gorky passa ses premières années en tant qu'enfant réfugié, fuyant avec sa sœur et sa mère le génocide arménien perpétré par les Turcs ottomans. Sa mère mourut de faim dans ses bras alors que Gorky avait 14 ans. En 1919, lui et sa sœur réussirent à fuir vers les États-Unis pour rejoindre leur père à Providence, Rhode Island, où il avait immigré des années auparavant. C’est là que Gorky reçut sa première formation artistique formelle. Il découvrit l’œuvre de Cézanne alors qu’il étudiait à la New School of Design de Boston. En 1925, il s’installa à New York et suivit des cours à la Grand Central School of Art et à la National Academy of Design, où il rencontra une ménagerie de styles modernistes tels que l’expressionnisme allemand, le fauvisme, le cubisme et le surréalisme.
Arshile Gorky - Autoportrait, vers 1937, huile sur toile, 141 x 86,4 cm / 55 ½ x 34 po. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
C’est aussi à New York que Gorky rencontra d’autres artistes immigrés comme lui, qui avaient fui d’autres pays déchirés par la guerre à travers le monde. Le contact avec ces âmes partageant les mêmes idées lui fit prendre conscience des opportunités offertes par l’Amérique. Il se sentit habilité à se réinventer et à faire de son art ce qu’il voulait. Il changea son nom de Vostanik Manoug Adoian en Arshile Gorky et exploita librement les divers styles auxquels il était exposé. « Staten Island » (1927) évoque le postimpressionnisme et le fauvisme. « Nature morte avec pichet » (1928) évoque le cubisme synthétique. « Organisation (1933-36) » fait référence au De Stijl. Pourtant, aucune de ces peintures ne montre que Gorky adhérait réellement aux philosophies de ces styles. Il n’adopta que leurs tendances plastiques — tout le reste, il se l’appropria. Tout comme il construisit son propre nom et son identité en utilisant des morceaux des noms et identités d’autres, il construisit son propre style esthétique en utilisant des morceaux des styles du passé.
Arshile Gorky - The Limit, 1947, huile sur papier monté sur toile, 128,9 x 157,5 cm / 50 3/4 x 62 po. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Partenariats public-privé
Une grande partie de l’attention dans « Arshile Gorky : 1904 – 1948 » sera portée sur les cinq dernières années de sa vie. Malgré la misère de sa jeunesse, ses dernières années rivalisent aisément pour être les plus tragiques. Une série de graves problèmes de santé et de troubles sentimentaux culmina avec un incendie dans son atelier qui détruisit une grande partie de son œuvre, conduisant Gorky à se suicider en 1948. Au milieu de cette période terrible, il réalisa certaines de ses peintures les plus captivantes. Il adopta une esthétique complètement abstraite, mais donna à chaque tableau un titre narratif faisant référence à un détail intime de sa propre vie. Ces dernières peintures ne sont pas souvent comparées aux œuvres d’autres artistes du passé ; elles sont plutôt considérées comme des œuvres annonçant l’avenir. La composition lâche, les coups de pinceau lyriques et les taches de peinture librement coulantes dans « Comment le tablier brodé de ma mère se déploie dans ma vie » (1944) auraient tout aussi bien pu être peintes vingt ans plus tard par Joan Mitchell. Le maillage rustique de taches, griffonnages et marques picturales dans « Faire le calendrier » (1947) aurait tout aussi bien pu être peint trois décennies plus tard par Cy Twombly.
Arshile Gorky - Portrait de Master Bill, vers 1937, huile sur toile, 132,4 x 101,9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 po. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
Ces dernières peintures sont également une grande part de la raison pour laquelle Gorky est considéré comme une influence majeure sur les expressionnistes abstraits. C’était la période de sa vie où l’on dit qu’il a aidé Willem de Kooning à trouver sa voix, et Jackson Pollock à entrer en contact avec son subconscient. Mais j’espère que cette prochaine exposition à Venise prouvera que ces choses ne représentent pas la limite de ce que Gorky avait à enseigner. Il ne disait pas simplement à ses contemporains de suivre une méthode particulière. Il leur enseignait l’autonomie ; qu’ils étaient libres de mêler tous les styles et méthodes à la fois pour trouver leur propre voie. Sa propre méthode était un hybride de tout ce qu’il avait jamais vu et vécu. Comme lui, elle était en partie vérité, en partie fiction, en partie réalisme et en partie abstraction. « Arshile Gorky : 1904 – 1948 » redéfinira, espérons-le, Gorky de cette manière — non pas comme un imitateur, mais comme l’un des premiers artistes du XXe siècle à embrasser à la fois l’autonomie de l’artiste pour dénoncer la croyance que les mouvements appartiennent à une époque donnée, ou que les artistes appartiennent à un style unique.
« Arshile Gorky : 1904 – 1948 » sera visible du 8 mai au 22 septembre 2019 à la Galerie Internationale d'Art Moderne Ca’ Pesaro, Venise.
Image en vedette : Arshile Gorky - One Year the Milkweed, 1944, huile sur toile, 94,2 x 119,3 cm / 37 1/16 x 46 15/16 po. National Gallery of Art, Washington, D.C. Fonds Ailsa Mellon Bruce © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Par Phillip Barcio
