Arshile Gorky bénéficiera de la première rétrospective italienne en 2019

La Galerie internationale d'art moderne Ca' Pesaro de Venise organisera une ambitieuse rétrospective Arshile Gorky en 2019. Intitulée « Arshile Gorky : 1904 – 1948 », elle coïncidera avec avec le déroulement de la 58e Biennale de Venise. Il s’agira de la première étude complète de Gorki jamais réalisée en Italie, et ses conservateurs espèrent articuler une nouvelle théorie sur l’artiste : selon laquelle les éléments constitutifs de son style mature étaient présents « dès les premiers stades de sa carrière ». Lorsqu’ils écrivent sur Gorki, la plupart des critiques ne peuvent s’empêcher de souligner les diverses influences présentes dans ses peintures. On dit que ses premiers travaux ont été influencés par Paul Cézanne ; son travail de mi-carrière de Pablo Picasso, Georges Braque et Piet Mondrian ; et son travail de maturité de Joan Miró. « Arshile Gorky : 1904 – 1948 » vise à réfuter cette idée. En cas de succès, cela rendrait un grand service à la réputation de cet artiste fascinant tout en offrant une nouvelle perspective pour analyser son héritage. Était-il vraiment un pont moderniste entre l’impressionnisme, le cubisme, le surréalisme et l’expressionnisme abstrait, comme le soutiennent souvent les historiens ? Ou était-il réellement le premier post-moderniste ? Après tout, il rejetait l’idée selon laquelle la théorie et les récits historiques de l’art avaient la primauté sur les impulsions artistiques individuelles. Et comme les postmodernistes, il croyait également au droit inhérent du spectateur de « terminer » une œuvre d’art avec son interprétation personnelle. Si cette exposition finit par être tout ce qu'elle pourrait être, plutôt que de dire que Gorki a copié ou imité d'autres styles, nous pourrions peut-être le considérer comme le premier artiste d'appropriation, un avant-gardiste qui a simultanément célébré et remis en question l'authenticité et l'originalité du passé. .

Construire un style personnel

Les premières œuvres de "Arshile Gorky : 1904 – 1948" datent des années 1920, lorsque Gorky est arrivé pour la première fois aux États-Unis. Né en Turquie en 1904, Gorky a passé ses premières années en tant qu'enfant réfugié, fuyant avec sa sœur et sa mère le génocide arménien perpétré par les Turcs ottomans. Sa mère est morte de faim dans ses bras lorsque Gorky avait 14 ans. En 1919, lui et sa sœur ont réussi à fuir vers les États-Unis et à rejoindre leur père à Providence, Rhode Island, où il avait immigré des années auparavant. C'est là que Gorky a reçu sa première formation artistique formelle. Il a découvert le travail de Cézanne en étudiant à la New School of Design à Boston. En 1925, il a déménagé à New York et a suivi des cours à la Grand Central School of Art et à la National Academy of Design, où il a rencontré une ménagerie de styles modernistes tels que l'Expressionnisme allemand, le Fauvisme, le Cubisme et le Surréalisme.

Arshile Gorky - Autoportrait, v. 1937, huile sur toile, 141 x 86,4 cm/ 55 ½ x 34 in. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

New York est également l'endroit où Gorky a rencontré d'autres artistes immigrants comme lui qui avaient échappé à d'autres pays dévastés par la guerre à travers le monde. Le contact avec ces âmes partageant les mêmes idées l'a aidé à réaliser l'opportunité que l'Amérique offrait. Il se sentait habilité à se réinventer et à faire tout ce qu'il voulait de son art. Il a changé son nom de Vostanik Manoug Adoian en Arshile Gorky et a librement puisé dans les différents styles avec lesquels il était en contact. "Staten Island" (1927) fait allusion au Post-Impressionnisme et au Fauvisme. "Nature morte avec pichet" (1928) fait allusion au Cubisme Synthétique. "Organisation (1933-36)" fait référence au De Stijl. Pourtant, aucune de ces peintures ne démontre que Gorky a réellement adhéré aux philosophies de ces styles. Il a seulement adopté leurs tendances plastiques—tout le reste, il l'a fait sien. Tout comme il a construit son propre nom et son identité en utilisant des morceaux des noms et des identités des autres, il a construit son propre style esthétique en utilisant des morceaux des styles du passé.

Arshile Gorky - La limite, 1947, huile sur papier marouflé sur toile, 128,9 x 157,5 cm / 50 3/4 x 62 in. © 2018 La Fondation Arshile Gorky / Société des Droits des Artistes (ARS), New York

Partenariats Public-Privé

Une grande partie de l'attention dans "Arshile Gorky : 1904 – 1948" sera concentrée sur les cinq dernières années de sa vie. Malgré la misère de sa jeunesse, ses dernières années rivalisent facilement avec les plus tragiques. Une série de défis de santé majeurs et de problèmes romantiques ont culminé dans un incendie de studio qui a détruit une grande partie de son œuvre, conduisant Gorky à se suicider en 1948. Au milieu de cette période terrible, il a réalisé certaines de ses peintures les plus captivantes. Il a adopté une esthétique complètement abstraite, mais a donné à chaque peinture un titre narratif faisant référence à un détail intime de sa propre vie. Ces peintures tardives ne sont pas souvent comparées aux œuvres d'autres artistes du passé ; au lieu de cela, elles sont considérées comme des œuvres qui ont présagé l'avenir. La composition lâche, les coups de pinceau lyriques et les éclaboussures de peinture qui gouttent librement dans "Comment le tablier brodé de ma mère se déploie dans ma vie" (1944) auraient facilement pu être peintes 20 ans plus tard par Joan Mitchell. Le mélange rustique de taches, de gribouillis et de marques picturales dans "Faire le calendrier" (1947) aurait facilement pu être peint trois décennies plus tard par Cy Twombly.

Arshile Gorky - Portrait de Maître Bill, v. 1937, huile sur toile, 132,4 x 101,9 cm / 52 1/8 x 40 1/8 in. © 2018 The Arshile Gorky Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Ces dernières peintures sont également une des principales raisons pour lesquelles Gorky est considéré comme une influence si puissante sur les expressionnistes abstraits. C'était à cette époque de sa vie qu'il aurait aidé Willem de Kooning à trouver sa voix, et Jackson Pollock à entrer en contact avec son subconscient. Mais j'espère que cette prochaine exposition à Venise prouvera que ces choses ne représentent pas la limite de ce que Gorky avait à enseigner. Il ne disait pas simplement à ses contemporains de suivre une méthode particulière. Il leur enseignait l'autonomie ; qu'ils étaient libres de mélanger tous les styles et méthodes ensemble à la fois pour trouver leur propre voie. Sa propre méthode était un hybride de tout ce qu'il avait jamais vu et expérimenté. Comme lui, c'était à la fois une part de vérité, une part de fiction, une part de réalisme et une part d'abstraction. "Arshile Gorky : 1904 – 1948" redéfinira, espérons-le, Gorky de cette manière - non pas comme un imitateur, mais comme l'un des premiers artistes du 20ème siècle à embrasser à la fois l'autonomie de l'artiste pour dénoncer la croyance que les mouvements appartiennent à une époque donnée, ou que les artistes appartiennent à un style particulier.

« Arshile Gorky : 1904 – 1948 » sera exposé du 8 mai au 22 septembre 2019 à la Ca’ Pesaro Galerie Internationale d’Art Moderne, Venise.

Image en vedette : Arshile Gorky - Un an d'asclépiade, 1944, huile sur toile, 94,2 x 119,3 cm/ 37 1/16 x 46 15/16 po. National Gallery of Art, Washington, D.C. Fonds Ailsa Mellon Bruce © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), New York.
Par Phillip Barcio