L'histoire d'Hedda Sterne, entre surréalisme et expressionnisme abstrait

Hedda Sterne était une artiste polyvalente et imaginative qui a expérimenté des dizaines de styles distincts au cours de sa longue carrière. Pourtant, son héritage s’est d’une certaine manière attaché à un seul style — l’expressionnisme abstrait — et à un seul groupe — les Irascibles. C’est un destin ironique. Sterne ne s’est jamais identifiée aux qualités esthétiques ni aux aspects techniques de l’expressionnisme abstrait, ni n’était particulièrement investie dans la critique culturelle impliquée par son association avec les Irascibles. Ces associations sont survenues principalement parce qu’elle était amie avec de nombreux artistes de l’École de New York et que son travail a été exposé dans certaines de leurs premières expositions. Grâce à ces liens, elle a fini par signer une lettre notoire adressée au président du Metropolitan Museum of Art en 1950 dénonçant la conservation conservatrice d’une exposition d’art américain. Certains des artistes ayant signé la lettre ont posé pour une photo publiée en couverture du magazine Life. Ce groupe fut plus tard surnommé « Les Irascibles », un terme devenu synonyme des artistes expressionnistes abstraits. Sterne était la seule femme sur la photo, bien que deux autres artistes féminines — Louise Bourgeois et Mary Callery — aient également signé la lettre. Sa position à l’arrière de la photo, debout sur une table bien au-dessus des 17 hommes, faisait d’elle une présence emblématique. Cette image l’a poursuivie toute sa vie. Chaque fois qu’elle faisait évoluer son style, elle devait entendre les mêmes questions sur pourquoi elle ne faisait plus d’art comme dans les années 1950, alors qu’en réalité, même dans les années 1950, elle avait changé de style au moins trois ou quatre fois. Le mythe agaçait Sterne, mais elle en avait aussi le sens de l’humour. Comme elle le disait tard dans sa vie : « Je suis plus connue pour cette fichue photo que pour quatre-vingts ans de travail. Si j’avais de l’ego, cela me dérangerait. »

Collage automatique

Si Sterne avait eu la chance de défaire son association avec l’expressionnisme abstrait et de s’attacher à un autre mouvement, elle aurait probablement choisi le surréalisme. C’était la méthode dans laquelle elle est née et a grandi. Son accent sur l’intuition, l’imagination et le pouvoir des rêves a finalement guidé chaque autre choix artistique qu’elle a fait. Née à Bucarest, en Roumanie, en 1910, elle a commencé à prendre des cours d’art à l’âge de huit ans. Son premier professeur d’art fut le sculpteur naturaliste Frederic Storck, mais à la fin de son adolescence, elle étudiait sous la tutelle de Marcel Janco, le cofondateur du dadaïsme, et du peintre surréaliste Victor Brauner. Au début de la vingtaine, elle commença à voyager fréquemment à Paris. C’est là qu’elle rencontra et étudia avec le peintre cubiste André Lhote ainsi qu’avec Fernand Léger, un cubiste considéré aussi comme un précurseur du Pop Art.

Hedda Sterne, Third Avenue El, 1952-53, Huile et émail en aérosol sur toile, 40 3/8 x 31 7/8 pouces, Collection du Metropolitan Museum of Art, New York, Don de M. et Mme Daniel H. Silberberg, 1964 (64.123.4). © The Hedda Sterne Foundation

S’appuyant sur ces influences diverses, Sterne développa une méthode unique basée sur le dessin automatique dans laquelle elle déchirait du papier et laissait tomber les éclats de manière intuitive, créant des collages automatiques. Après avoir vu certains de ses collages à la 11e Exposition du Salon des Surindépendants à Paris, le célèbre dadaïste Hans Arp présenta Sterne à Peggy Guggenheim, qui exposa son travail dans ses galeries à Paris et Londres. Lorsque Sterne fuit l’Europe en 1941 au début de la Seconde Guerre mondiale, elle vint à New York, où Guggenheim l’accueillit dans la communauté d’artistes américains avec laquelle elle était liée. La connexion Guggenheim établit Sterne sur la scène artistique new-yorkaise, mais c’est la galeriste Betty Parsons qui prit véritablement Sterne sous son aile. Parsons donna à Sterne sa première exposition personnelle à la Wakefield Gallery en 1942, et lorsque Parsons ouvrit sa propre galerie quatre ans plus tard, Sterne fut l’une des premières artistes qu’elle signa. Plus important encore, Parsons comprenait la valeur de l’expérimentation. Elle aida à cultiver chez Sterne la conviction qu’elle était libre d’explorer n’importe quel style sans se sentir redevable à une voie particulière.

Hedda Sterne, Machine (Anthropograph No. 13), 1949, Huile sur toile, 30 x 40 pouces. © The Hedda Sterne Foundation

Proto-Graffiti

Son arrivée en Amérique eut un effet profond sur la manière dont Sterne percevait sa relation aux images. Elle traduisit la gamme phénoménale de vues et de couleurs qu’elle voyait en compositions fantastiques qui chevauchaient les frontières entre figuration et abstraction. Elle peignait des images du monde, mais les modifiait pour transmettre ce qu’elle ressentait. Ce qui l’a le plus marquée fut l’incroyable variété de machines qu’elle vit, des machines agricoles lors de ses voyages à la campagne aux engins industriels en ville. Elle représenta ces objets dans des compositions surréalistes telles que la fantaisiste figurative « Machine (Anthropograph No. 13) » (1949) et la fantastique et inquiétante « Machine 5 » (1950). Ce sont, incidemment, les tableaux que Sterne réalisait lorsqu’elle fut incluse dans la photo des Irascibles. Ils ne ressemblent en rien au travail des hommes sur la photo.

Hedda Sterne, Machine 5, 1950, Huile sur toile, 51 x 38 1/8 pouces, Collection du Krannert Art Museum et Kinkead Pavilion, Université de l’Illinois à Urbana-Champaign, Fonds d’achat du Festival des Arts, 1950-7-1. © The Hedda Sterne Foundation

En 1952, Sterne fit l’une de ses innovations les plus fascinantes — peindre avec un pistolet à peinture acrylique en aérosol. Bien qu’aujourd’hui la peinture acrylique en aérosol soit un élément emblématique de l’art urbain, la peinture en aérosol et la peinture acrylique n’ont été inventées que dans les années 1940. Sterne fut l’une des premières artistes à saisir les qualités urbaines uniques de ce médium. Elle l’utilisa pour montrer le rythme rapide et les qualités visuelles dynamiques de New York dans « Third Avenue El » (1952), une vision gestuelle, tachetée et abstraite de la vie sous les voies ferrées surélevées qui aurait sa place sur le côté de n’importe quel wagon de métro new-yorkais dans les années 1980, ou sur les murs de n’importe quelle galerie d’art urbain moderne. Dans les années 1960, Sterne changea de style pour des champs colorés atmosphériques et des représentations de formes oniriques, biomorphiques flottant sur des plans aplatis. Dans les années 1970, elle créa une peinture épique intitulée « Journal » qui incluait des centaines de citations littéraires manuscrites. Dans les années 1980, elle peignit des abstractions kaléidoscopiques évoquant des tunnels cristallins ou des voyages dans le Cyberespace. Lorsqu’elle développa plus tard des problèmes oculaires, elle peignit des visions blanc sur blanc des taches qu’elle voyait. Peut-être que son innovation constante l’empêcha d’atteindre la notoriété de ses contemporains, mais cela la soutint aussi de manière cruciale. Sterne peignit jusqu’à l’âge de 94 ans. Lorsqu’elle mourut en 2011 à 100 ans, elle s’était imposée comme l’une des artistes les plus innovantes et imaginatives de sa génération. Elle survécut, dura plus longtemps et surpassa tous ses contemporains — une artiste aussi peu irascible qu’il en existe.

Image en vedette : Hedda Sterne, New York, N.Y., 1955, 1955, Aérographe et émail sur toile, 36 1/4 × 60 1/4 pouces, Whitney Museum of American Art, New York ; Don d’un donateur anonyme, 56.20. © The Hedda Sterne Foundation
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio