Énergie illimitée - L'art de Julio Le Parc

Le monde a redécouvert Julio Le Parc. L'artiste né en Argentine et installé en France, toujours actif dans son atelier aujourd'hui à la fin de ses 80 ans, a contribué à définir l'art cinétique dans les années 1960 et fut un des premiers défenseurs de l'idée que l'art devait être une expérience interactive et démocratique. Mais comparé à ses contemporains, Le Parc n'a pas vraiment reçu la reconnaissance qu'il mérite. Cela tient en partie à son propre choix. En 1966, il remporta le Grand Prix de peinture à la 33e Biennale de Venise. Peu après, il se vit proposer une exposition rétrospective au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris. Cependant, selon la légende, il laissa le sort décider en lançant une pièce de monnaie, qui l'incita à décliner cette opportunité. Cette histoire illustre son mépris pour l'establishment artistique et sa conviction que l'art doit avant tout être pour le peuple. Elle explique aussi en grande partie pourquoi, malgré la poursuite de son travail, ou comme il l'appelle, la conduite de « recherches », il sombra dans l'oubli dans les années 1970. En 2013, Le Parc refit surface avec une exposition personnelle au Palais de Tokyo à Paris. Pour la plupart des visiteurs de cette exposition, Le Parc fut une révélation. L'année suivante, il eut sa première grande exposition personnelle au Royaume-Uni, à la Serpentine Gallery. Puis en 2016, il connut enfin sa toute première exposition rétrospective dans un musée, au Perez Art Museum de Miami. Cette année, son travail a déjà été présenté dans une grande exposition personnelle à New York, et figure actuellement dans deux autres expositions majeures : une exposition collective avec Jesús Rafael Soto au Palm Springs Art Museum intitulée Kinesthesia : Art cinétique latino-américain, 1954-1969 ; et une exposition personnelle chez Perrotin Paris. Le mois prochain, une autre rétrospective de son œuvre ouvrira au Institut Tomie Ohtake à São Paulo, au Brésil. Cette exposition marquera un moment historique important pour cet artiste qui quitta l’Amérique du Sud par crainte d’être trop révolutionnaire, mais qui revient aujourd’hui en tant que pionnier reconnu ayant saisi il y a plus d’un demi-siècle les sous-entendus sociaux et politiques de l’art abstrait.

Racines socio-politiques

Les œuvres que Julio Le Parc crée sont révolutionnaires. Certaines le sont littéralement, car elles sont composées de morceaux de métal réfléchissant qui tournent en se balançant suspendus à des fils accrochés au plafond. Mais son œuvre est révolutionnaire aussi dans un autre sens, car elle est une déclaration d’indépendance et de liberté. Le Parc est né dans la ville ouvrière de Mendoza, située au pied des montagnes des Andes, à environ 1100 km de la capitale argentine Buenos Aires. Comme la plupart des habitants de sa ville natale à cette époque, Le Parc commença à travailler très jeune. De 13 à 18 ans, il occupa de nombreux emplois, notamment livreur de journaux, réparateur de bicyclettes, emballeur de fruits, maroquinier, employé de bibliothèque et ouvrier dans une usine de métallurgie.

Mais il avait aussi deux autres centres d’intérêt dès son plus jeune âge. Il était doué pour dessiner des portraits de célébrités, et il s’intéressait aux manifestations étudiantes qui avaient lieu alors que les jeunes cherchaient des moyens de réformer les éléments autoritaires du gouvernement. Dès l’âge de 15 ans, Le Parc trouva un moyen de réunir ces trois facteurs — l’éthique du travail, le talent artistique et l’intérêt pour l’éveil social — en suivant des cours du soir à l’École des Beaux-Arts. C’est là qu’il eut la chance d’être l’élève de Lucio Fontana, l’artiste moderniste novateur dont les expériences avec l’espace firent de lui l’une des figures les plus importantes de l’avant-garde mondiale du milieu du XXe siècle. Fontana présenta à Le Parc le mouvement néo-concret émergent d’Amérique du Sud, qui l’inspira à regarder vers l’avenir et à adopter une approche innovante de l’esthétique.

Julio Le Parc - Bifurcations, exposition personnelle chez Perrotin, vue d’installation, © Perrotin

Direction Paris

À 18 ans, Le Parc quitta l’école, ainsi que sa famille. Pendant huit ans, il parcourut le pays. À 26 ans, il revint à Buenos Aires avec un enthousiasme renouvelé pour son avenir et s’inscrivit à l’Académie des Beaux-Arts. Là, il apprit à réaliser des peintures, des sculptures et des gravures, et se lia avec d’autres jeunes artistes de sa génération. Ensemble, lui et ses contemporains remirent en question tout, des normes acceptées de l’art aux normes acceptées du gouvernement et de la société. À un moment donné, Le Parc participa à une action politique directe qui aboutit à l’occupation des trois principales écoles d’art d’Argentine par les étudiants, au renvoi des directeurs et à la tentative d’instaurer un gouvernement scolaire dirigé par les étudiants. Bien que ce mouvement ait finalement été réprimé et que Le Parc et beaucoup de ses amis aient été arrêtés, cela les fit réfléchir à leur avenir d’artistes.

Le Parc et ses amis examinèrent sérieusement ce qu’ils pouvaient accomplir en Argentine, et décidèrent que la seule façon de se connecter véritablement à l’avant-garde internationale était de s’installer à Paris. Bien que beaucoup de ses contemporains n’aient jamais eu la chance de réaliser ce rêve, Le Parc remporta un concours artistique organisé par le Service culturel français et reçut une bourse pour partir à Paris étudier l’art. Il quitta l’Argentine en 1958. À son arrivée à Paris, il se lia immédiatement d’amitié avec plusieurs autres expatriés, tels que Jesús Rafael Soto et Francisco Sobrino, qui étaient des esprits frères. Il fit aussi la connaissance d’une génération plus âgée d’artistes, menée par Victor Vasarely, dont le travail sur le cinétisme et les illusions d’optique les plaçait à l’avant-garde selon Le Parc et ses amis.

Julio Le Parc - Bifurcations, exposition personnelle chez Perrotin, vue d’installation, © Perrotin

Interventions sociales et lumière utopique

Ce qui intéressait le plus Le Parc dans l’art cinétique, c’est le fait qu’il change constamment selon les circonstances et selon celui qui le regarde. Le Parc déduisit que l’art statique a la capacité d’être autoritaire, puisque les objets immuables exigent d’être considérés de manière formelle. Il vit dans le mouvement un moyen de démocratiser l’expérience de la contemplation artistique. Il supposa que si l’œuvre est différente à chaque fois que quelqu’un la regarde, personne ne peut jamais parvenir à une explication autoritaire de celle-ci. L’art cinétique est donc par nature ouvert, démocratique et libre. Les spectateurs de telles œuvres ne sont pas sous la coupe des académies, institutions et critiques qui se comportent si souvent comme un régime fasciste contrôlant la manière dont le public vit la culture.

Cette prise de conscience fondamentale fut une transformation pour Le Parc. Elle le conduisit à faire deux autres grandes découvertes. La première fut que l’art devait être une expérience publique, pas seulement institutionnelle. Il mit cette idée en pratique lorsqu’il et ses amis initièrent une série d’interventions publiques, dans lesquelles ils introduisirent des phénomènes esthétiques cinétiques dans des espaces publics de manière ludique, obligeant le public à interagir avec l’art. La seconde grande découverte fut que l’une des forces visuelles les plus puissantes pouvant changer la manière dont les gens perçoivent une œuvre d’art est la lumière. Cette découverte le mena à une fascination de toute une vie pour la lumière en tant qu’élément cinétique — un élément qu’il a utilisé comme composante interactive dans beaucoup de ses pièces les plus marquantes.

Julio Le Parc - Bifurcations, exposition personnelle chez Perrotin, vue d’installation, © Perrotin

Un héritage d’ouverture

Aujourd’hui, beaucoup de jeunes artistes s’intéressent à la pratique sociale dans l’art et sont curieux du droit que les spectateurs revendiquent pour définir leur propre expérience esthétique. Mais beaucoup ne reconnaissent pas Julio Le Parc comme un chef de file de la génération d’artistes qui a d’abord mis ces questions au premier plan de l’avant-garde. Comme le révèlent ses expositions récentes, Le Parc mérite un statut élevé aux côtés d’artistes tels que Victor Vasarely, Bridget Riley, Yves Klein, Alexander Calder, Yaacov Agam, Carlos Cruz-Diez, et bien sûr Jesús Rafael Soto et Francisco Sobrino — des artistes qui ont été des pionniers du cinétisme, de l’optique et de l’art de la pratique sociale. Le Parc a pris l’idée simple de l’action — forcer les spectateurs à bouger et réagir pour compléter une expérience — et l’a transformée en un moyen de démocratiser l’art. Son œuvre se présente comme une alternative radicale à l’absolutisme concret si souvent attaché aux choses esthétiques. Elle rappelle de continuer à bouger, à rester ouvert, et à accueillir une volonté constante de transformation.

Et son œuvre est aussi une invitation à ne pas se prendre trop au sérieux, et à être prêt à jouer. Il a réitéré ce point dans une interview de 2016 au New York Times. En se promenant dans son atelier, la journaliste Emily Nathan trouva une œuvre que Le Parc avait réalisée en 1965 intitulée « Ensemble de onze mouvements-surprise ». L’œuvre, comme son nom l’indique, comportait onze éléments différents faits de matériaux variés et activés par des moteurs que le spectateur pouvait contrôler. Comme Nathan voulait évidemment la toucher, Le Parc intervint. Il dit : « Vas-y, joue avec. » Elle le fit, et remarqua immédiatement que chaque partie en mouvement produisait aussi un son. Une symphonie d’action et de chant prit vie. En une parfaite synthèse de sa contribution à l’héritage de la culture démocratisée, Le Parc déclara à propos des différents contrôles : « Ils font tous des dessins différents. Je peux y voir une chose, mais chaque personne a le droit de voir ce qu’elle veut. »

Julio Le Parc - Sphère rouge, réalisée en plexiglas et nylon. Crédit Julio Le Parc © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York/ADAGP, Paris, Photo : André Morin

Image en vedette : Julio Le Parc - Bifurcations, exposition personnelle chez Perrotin, vue d’installation, © Perrotin

Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement

Par Phillip Barcio