Dan Flavin et les installations de lumière abstraite

Une atmosphère de spiritualité accompagne souvent l'art abstrait. Le mysticisme prospère là où la beauté est abondante et le sens ambigu. Mais certains artistes abstraits nient que leur travail contienne des profondeurs, des qualités transcendantes ou un sens quelconque au-delà des formalités esthétiques. Dan Flavin est un exemple typique de ce phénomène. L'un des artistes les plus influents du 20ème siècle, Flavin a ouvert de nouvelles voies dans l'utilisation de la lumière dans l'art moderniste. Ses œuvres sont belles et sans précédent, les rendant propices à une interprétation créative. Leur nature éthérée, leur luminescence éclatante et même leurs titres invitent à des associations avec le sacré. Mais Flavin soutenait que de telles associations n'avaient aucune valeur. Insistant sur le fait que son art consistait simplement en de la lumière illuminant l'architecture, Flavin a déclaré : “On pourrait ne pas penser à la lumière comme un fait, mais moi, je le fais. Et c'est, comme je l'ai dit, un art aussi simple, ouvert et direct que vous ne trouverez jamais."

Iconique ou ironique

Flavin a grandi dans une famille catholique irlandaise du Queens, New York. Adolescent, il étudie pour devenir prêtre. Mais insensible à l’idée d’une vie dans l’Église, à 19 ans, il rejoint l’armée avec son frère. Au cours de son engagement en Corée, il a commencé à étudier sérieusement l'art et, après avoir terminé son service, il est retourné à New York où il a continué à étudier l'art et a effectué de petits boulots dans des musées. En 1961, après avoir expérimenté différents styles de peinture et de collage, il crée ses premières œuvres lumineuses, une série de boîtes peintes accrochées au mur et câblées avec des ampoules. Il appelle ces œuvres des « icônes ».

Le mot icône faisait référence aux peintures lumineuses et sacrées réalisées par des peintres chrétiens orthodoxes russes à l’époque byzantine. Combiné avec sa propre histoire d’enfance dans une famille catholique et les cinq années qu’il a passées à étudier pour devenir prêtre, l’utilisation par Flavin du mot icône pour ces objets pourrait facilement impliquer des intentions spirituelles. Sauf que les peintures d’icônes byzantines ont été minutieusement réalisées selon des normes esthétiques rigoureuses. Ils ont incorporé des médiums rares et coûteux pour obtenir leur effet lumineux et ont été créés pour orner les intérieurs d'espaces glorieux et sacrés construits pour honorer le divin. Les icônes de Flavin étaient des objets creux et minimaux construits à partir de matériaux bon marché. Ils utilisaient une lumière produite en série pour obtenir leur luminosité et étaient, selon Flavin, « des concentrations construites célébrant des pièces stériles ». Ils étaient dans tous les sens à l’opposé de leurs homologues historiques. Alors étaient-ils emblématiques, ou Flavin était-il ironique ?

Dan Flavin - Sans titre (à Véronique), 1987. Lumière fluorescente rouge, jaune, bleue et verte. 96 pouces ; 243.8.  cm. Waddington Custot, Londres

Monuments à la Lumière

Deux ans après avoir créé sa première icône, Flavin a connu une percée. Il a fait le saut en éliminant les boîtes peintes, renonçant à l'utilisation de tout type de supports esthétiques secondaires et choisissant plutôt de fixer ses lumières directement au mur. En utilisant des lumières fluorescentes légèrement modifiées, achetées en magasin, comme objets d'art, il s'est affilié à des mouvements comme l'Arte Povera et le Dadaïsme, en raison de leur utilisation de matériaux quotidiens et d'objets trouvés, et le Minimalisme, en raison de sa dépendance aux matériaux et processus industriels. Flavin a dédié son premier travail dans ce nouveau style à l'artiste Constantin Brancusi dont la sculpture Colonne sans fin a influencé sa pensée.

Se limitant à une palette de couleurs austères et à une petite gamme de tailles d'ampoules, Flavin a commencé une exploration prolifique des possibilités offertes par son nouveau style. Il a réalisé 50 « Monuments » en forme de pyramide dédiés à l'artiste constructiviste russe Vladimir Tatlin, et a créé des dizaines de compositions fluorescentes sans titre dédiées à d'autres artistes qui l'ont influencé, tels que Alexander Calder, Robert Ryman et Jasper Johns. Ce qui était remarquable, c'est que ces compositions ne servaient pas seulement de objets esthétiques, mais elles servaient également à modifier la perception de l'espace dans lequel elles étaient exposées.

Dan Flavin - "Monument" 1 pour V. Tatlin, 1964. Tubes lumineux fluorescents (blanc froid). 96 1/10 × 23 1/5 po ; 244 × 59 cm. Exposition "Soleil Noir" à la Fondation Beyeler, Riehen

Coins, barrières et couloirs

À mesure que l’intérêt pour le travail de Flavin augmentait, il eut accès à un éventail croissant d’espaces architecturaux dans lesquels exposer. Il a capitalisé sur cette évolution pour explorer plus en profondeur la manière dont ses compositions lumineuses pouvaient affecter la nature de l'espace architectural. Il a classé ses différentes idées en fonction des espaces qu'elles habitaient, en utilisant des noms comme « coins », « barrières » et « couloirs ». Ses « coins » habitaient l’espace architectural d’un coin, soit en créant un phénomène esthétique dans le coin lui-même, soit en utilisant le coin comme point de départ à partir duquel affecter le reste de l’espace. Ses « barrières » créaient des divisions artificielles dans l’espace, faisant de la lumière un rôle à la fois central et perturbateur de l’expérience du spectateur.

Les « couloirs » de Flavin utilisaient la lumière pour modifier l’expérience esthétique des couloirs. Dans certains cas, ils ont déformé la façon dont les couloirs étaient perçus. Dans d’autres cas, le couloir semblait servir d’espace d’exposition pour une composition de lumières. Et dans certaines circonstances, les lumières semblaient simplement rehausser la beauté esthétique de l’espace.

Dan Flavin - sans titre (en l'honneur de Leo lors du 30e anniversaire de sa galerie), 1987. Lumière fluorescente rouge, rose, jaune, bleue et verte. 96 × 96 pouces ; 243,8 × 243,8 cm. Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Situations et propositions

L’ambiguïté des créations de Flavin l’amène à cesser de les qualifier d’œuvres d’art. Il était conscient que ses compositions lumineuses ne constituaient qu'une partie de l'expérience que le spectateur pouvait vivre en présence de l'œuvre. L’intégralité de l’expérience du spectateur était bien plus vaste que ce que lui-même pouvait prédire. Il a donc commencé à appeler ses créations « situations » et « propositions », sous-entendant qu’elles ne représentaient que le début d’un processus esthétique en cours.

Certaines « situations » habitaient des lieux sacrés, comme les églises. D’autres habitaient des espaces industriels. D’autres encore habitaient des environnements artistiques traditionnels tels qu’un musée. L'expérience complète d'une situation Flavin dépend de la lumière, de l'architecture, des conditions atmosphériques, ainsi que des facteurs personnels que le spectateur apporte à l'environnement en fonction de sa relation préexistante avec ce type d'espace particulier.

Dan Flavin - La Diagonale du 25 mai 1963, 1963. Lumière fluorescente bleue. 96 pouces ; 243,8 cm. Musée d'art moderne de San Francisco (SFMOMA), San Francisco

Lumières brillantes

Alors, comment contextualiser le travail de Flavin ? Ses qualités abstraites contiennent-elles une signification plus profonde et cachée au-delà de ses qualités formelles ? Cela dépend à qui vous demandez. Étant donné que les installations lumineuses de Flavin s’intègrent si bien dans les espaces qu’elles occupent, il est tout à fait naturel que les spectateurs réagissent avec émotion lorsqu’ils les rencontrent. Pour la plupart d’entre nous, une pièce n’est qu’un espace utilitaire, éclairé non pas pour le plaisir mais pour la fonctionnalité. Lorsque quelqu’un éclaire un espace pour la beauté plutôt que pour les affaires, nous appelons cela un éclairage d’ambiance, en raison des vives réactions émotionnelles qu’il tend à inspirer.

Mais en référence à sa propre insistance sur le manque de sens sous-jacent de ses œuvres, Flavin a inventé l'expression célèbre « C'est ce que c'est », continuant : « et ce n'est rien d'autre. ...Tout est clairement, ouvertement, clairement livré. » Néanmoins, comme des enfants utilisant un tournevis plutôt que le marteau prévu pour enfoncer un clou, nous restons tentés de recontextualiser l'art de Flavin à nos propres fins. Peut-être que cela reflète un sentiment de droit. Nous considérons comme notre droit souverain d’objectiver une œuvre d’art de la manière qui nous convient, quelle que soit l’intention de l’artiste. Ou peut-être devrions-nous simplement l’appeler le regard de l’interprète : un cadeau que nous, spectateurs d’art, nous accordons et qui permet à la valeur de la combinaison d’une œuvre d’art et de nous-mêmes de s’ajouter à celle de ses parties individuelles.

Image en vedette : Dan Flavin - La diagonale du 25 mai 1963 (à Constantin Brancusi) , 1963
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio