Comment peindre de l’art abstrait ? Devenez un Maître.

Avant de commencer, assurons-nous que tout le monde est au bon endroit. Ceci est un guide maître sur la manière de peindre de l’art abstrait. Nous passerons outre les bases telles que les techniques de pinceau, la théorie des couleurs, comment tendre une toile, ce que sont les lignes et comment les dessiner, ainsi que la peinture de la figure humaine/nature morte/paysage/animal/scène de genre. Nous n’aborderons pas non plus des questions telles que qui suis-je, pourquoi suis-je ici, pourquoi faire de l’art, pourquoi faire quoi que ce soit, etc. De plus, vous devriez probablement déjà avoir une compréhension de base de l’histoire de l’art, disons des peintures rupestres jusqu’à aujourd’hui. Très bien. Si nous sommes tous prêts à continuer, commençons !

Comment peindre de l’art abstrait – Un guide en 8 étapes

Première étape : Avoir du talent

Cela pourrait en décevoir certains. C’est une idée fausse courante que l’art abstrait est créé par des artistes qui ne savent pas dessiner, qui n’ont aucune formation académique, ou qui sont simplement désordonnés. Certes, beaucoup de personnes non formées et sans talent s’adonnent à des activités qui aboutissent à appliquer de la peinture sur des surfaces de manière à produire des images méconnaissables. Mais bien que nous puissions appeler cela presque tout autre chose, comme passer le temps, pratiquer un loisir, utiliser des matériaux du garage, ou se défouler, ce que nous n’appelons pas, c’est « peindre de l’art abstrait ».

Être un artiste abstrait, c’est comme être avocat ou Premier ministre. C’est une profession. Cela demande une formation. Il faut y travailler à plein temps et être dévoué. Abstrait ne signifie pas amateur. Prenez l’exemple de l’artiste abstrait géométrique canadien John Monteith. Il a obtenu son baccalauréat à l’Ontario College of Art and Design en 1997. Puis, après près d’une décennie de travail, d’expositions et de publications, il est retourné aux études, obtenant son master à Parsons à New York en 2008. Depuis, il a effectué des résidences en Allemagne et en Suisse et a passé du temps à donner des conférences et exposer dans le monde entier. Pour réussir en tant que peintre abstrait, il faut une combinaison d’éducation, de concentration, de persévérance et de compétence ; en d’autres termes, du talent.

John Monteith - Tableau n°3, 2014. 120 x 90 cm

Deuxième étape : Être intentionnel

Cela aussi peut décevoir, mais oui, même les peintures abstraites naissent d’une idée. Il est tellement plus amusant et à la mode d’imaginer les artistes abstraits comme des créatures mystiques qui canalisent des forces cosmiques qu’ils ne comprennent pas eux-mêmes, et que leur processus incompréhensible les mène, tels des zombies, à la toile où des pouvoirs imprévus coulent à travers eux sans contrôle, et que les peintures résultantes sont ouvertes à des interprétations si sauvages que toutes les significations qu’on leur attribue sont potentiellement valides.

Mais même un bref regard sur l’histoire de l’art abstrait montre que c’est le contraire qui est vrai. Les premiers abstractionnistes comme Wassily Kandinsky et Pablo Picasso étaient guidés par un but. Avec une rigueur scientifique, ils ont déconstruit la peinture, isolant des éléments tels que la couleur, la ligne, la forme, la texture, la luminosité, le geste, la surface et le coup de pinceau. Avec intention, ils cherchaient des moyens d’utiliser ces composants pour exprimer quelque chose d’universel, de la même manière que les compositeurs utilisent des éléments comme le ton, le rythme, la mesure et la tonalité pour exprimer des universalités abstraites à travers la musique. Même les peintres abstraits mystiques comme Hilma Klint et les abstractionnistes surréalistes comme Joan Miró ont commencé avec des concepts et ont créé des œuvres nourries par des idées.

Richard Caldicott - Sans titre n°109, 1999. 35 x 27 cm

Troisième étape : Être pertinent

Il est courant aujourd’hui que les artistes passent directement du lycée à l’université, de l’université à l’école supérieure, et de l’école supérieure à une pratique professionnelle. Quel genre d’art peut créer un jeune de 25 ans qui n’a jamais eu d’emploi à plein temps, n’a jamais été pleinement responsable du paiement des factures, n’a jamais tenu un foyer, géré des employés, ou généralement dû naviguer dans les diverses complexités épuisantes impliquées dans la lutte humaine moderne pour la survie ?

Pour être professionnel, avoir de l’intention dans votre travail et être pertinent, vous devez apprendre à connaître les autres humains. Voir le monde. Voyager. Lire. Apprendre à cuisiner. Aller à un rassemblement. Défendre une cause. Changer d’avis et défendre une autre cause. Apprenez ce qu’est la vie pour les 7 milliards d’autres personnes sur la planète qui pourraient rencontrer votre art. Sur son CV professionnel, la peintre abstraite néerlandaise José Heerkens mentionne des voyages éducatifs dans près d’une douzaine de pays sur quatre continents. Ces voyages nourrissent directement son sens de soi et son vocabulaire visuel, donnant naissance à des œuvres qui paraissent stratifiées, modernes et universelles. Comprenez bien, l’art abstrait n’a pas besoin d’« être à propos de quelque chose », mais il doit être créé par quelqu’un qui l’est.

Jessica Snow - Théorème des six couleurs, 2013. 122 x 122 cm

Quatrième étape : Avoir une opinion

Si vous voulez être un artiste abstrait professionnel, vous devrez un jour montrer votre travail à quelqu’un. Les spectateurs poseront des questions telles que : « Cette image est-elle symbolique de quelque chose d’autre, ou ne fait-elle référence qu’à elle-même ? » ou « Cette peinture a-t-elle été obtenue par l’obscurcissement intentionnel d’objets reconnaissables, ou est-ce le résultat de gestes intuitifs et non figuratifs ? » ou « Pourquoi le rouge ? Pourquoi pas le bleu ? » etc.

En tant qu’artiste professionnel, vous devez défendre ce que vous créez. Soyez confiant et sincère. Rien ne remplace la clarté intellectuelle. Vous n’êtes pas obligé d’expliquer votre travail, ni de dire ce qu’il signifie ou ce dont il parle. Mais refuser d’expliquer votre intention, renvoyer les questions au spectateur, ou ne rien dire du tout est simplement égoïste, et laisse aux autres le soin de définir votre œuvre.

Jeremy Annear - Espace du matin, 2008. 120 x 160 cm

Cinquième étape : Garder le contrôle

Quand l’œuvre de Jackson Pollock a été critiquée comme chaotique, Pollock a répondu : « Pas de chaos, bon sang. » L’art n’est pas accidentel. Les actes non intentionnels s’appellent des erreurs. Chaque marque qui se retrouve sur la surface d’une peinture abstraite résulte des actions et des choix du peintre. Même si un peintre choisit de laisser une peinture dehors sous la pluie, les traces d’eau qui en résultent sont le fruit d’un choix.

Et si le peintre n’est pas satisfait d’une marque, il peut l’effacer, la recouvrir, la modifier ou détruire la peinture. Cela s’appelle la retouche. Vous travaillez, vous retouchez, vous travaillez encore. Pourquoi se cacher derrière le mensonge des accidents dans votre travail ? L’abstraction n’est pas le chaos. Assumez chaque marque sur chaque peinture. Si quelque chose survient dans l’œuvre que vous n’aviez pas consciemment prévu, affrontez-le. Confrontez l’événement imprévu et décidez de le garder ou non. Quelle que soit votre décision, et quoi que devienne l’œuvre, ce sera par choix.

Greet Helsen - O.T, 2014. 70 x 100 cm

Sixième étape : Être ouvert

Cette étape peut sembler contre-intuitive, étant donné que les cinq premières insistaient sur l’importance d’être intentionnel, conceptuel et contrôlé. Nous ne disons pas d’oublier tout cela. Nous disons aussi d’ouvrir votre esprit. Connectez-vous à votre subconscient. Quelque part dans votre psyché se trouve quelque chose d’universel à chaque membre de la race humaine. Laissez vos émotions guider votre corps. Peignez viscéralement. Mettez vos sentiments sur la toile. Même si ce que vous peignez est intuitif, primal, imprévu et libre, vous faites toujours des choix. Vous retouchez toujours. Et vous décidez toujours quand la peinture est terminée.

Ashlynn Browning - Empilé, 2014. 111 x 101 cm

Septième étape : Être pur

Préparez-vous une tasse de thé. Regardez dans la tasse et dites à voix haute : « Ceci est du thé. » Maintenant, versez un peu de jus d’orange dans le thé. Regardez à nouveau dans la tasse et demandez-vous : « Qu’est-ce que c’est ? » Les artistes contemporains ont accès à toute l’histoire de l’art. Ils sont libres d’explorer n’importe quel style et n’importe quel médium, et de mêler styles et médiums pour trouver leur voix unique et réaliser leur vision conceptuelle. Mais quand les styles sont mélangés, que reste-t-il ?

Si vous peignez un monochrome abstrait mais que vous collez ensuite un collage de vedettes de télé-réalité dessus, est-ce toujours abstrait ? Il contient des éléments d’abstraction, mais est-ce la même chose ? La plupart d’entre nous conviendraient que si vous peignez une marguerite par-dessus une peinture de champ coloré de Rothko, c’est comme verser du jus d’orange dans votre thé. Vous vous retrouvez juste à vous demander : « Qu’est-ce que c’est ? » Il est important que le terme « peinture abstraite » ait un sens. Pour conserver ce sens, la pureté est essentielle.

Mark Rothko - Quatre jours en rouge, 1958. Huile sur toile. Dimensions totales : 258,6 × 295,6 cm. Collection du Whitney Museum of American Art, New York. Achat avec des fonds des Amis du Whitney Museum of American Art, M. et Mme Eugene M. Schwartz, Mme Samuel A. Seaver et Charles Simon. © Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko/Artists Rights Society (ARS), New York

Huitième étape : Être nouveau

Récemment, nous avons entendu un peintre décrire le travail d’un autre comme des « peintures figuratives de peintures abstraites ». Au-delà de l’humour de cette remarque, cela soulève le fait que nous sommes les héritiers de plus d’un siècle d’art abstrait, et les grands peintres abstraits du XXe siècle ont accompli tant de choses ! Pour atteindre le niveau de ces grands artistes qui les ont précédés, les peintres abstraits d’aujourd’hui doivent trouver des moyens de créer des œuvres nouvelles.

Oui, chaque peintre doit affronter le besoin d’occuper d’une manière ou d’une autre l’espace vide de la surface. Et de toutes les exigences que nous avons faites aux peintres abstraits jusqu’à présent, le défi supplémentaire d’occuper cet espace vide avec quelque chose de totalement nouveau peut sembler le plus intimidant. Mais c’est cette capacité à exprimer quelque chose de frais et d’unique qui est la plus vitale pour l’avenir de l’abstraction.

Si vous suivez les sept autres étapes ; c’est-à-dire si vous êtes talentueux, intentionnel, pertinent, avez une opinion, restez maître de vous, restez ouvert et aspirez à la pureté ; vous ne pourrez être que sincère et fidèle à vous-même. Et l’expression sincère de soi ne peut que mener à quelque chose d’unique, et par définition, de nouveau.

Image en vedette : Willem de Kooning - Abstraction, 1949 - 1950. Huile et oléorésine sur carton. 41 x 49 cm. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. © The Willem de Kooning Foundation, New York /VEGAP.
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio